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Track(s) taken from CDA67910


January to February 1916; Rhapsodie hébraïque; dedicated to Alexandre and Katja Barjansky; first performed by Hans Kindler at Carnegie Hall in 1917

Natalie Clein (cello), BBC Scottish Symphony Orchestra, Ilan Volkov (conductor)
Studio Master FLAC & ALAC downloads available
Studio Master:
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Recording details: September 2011
City Halls, Candleriggs, Glasgow, Scotland
Produced by Simon Kiln
Engineered by Arne Akselberg
Release date: August 2012
Total duration: 20 minutes 6 seconds

Cover artwork: Photograph from the series Last Folio (Slovakia, 2005-2011) by Yuri Dojc


'A breathtakingly beautiful dialogue between Natalie Clein and the BBC Scottish Symphony conducted by Ilan Volkov. Clein manages to explore the profound depths of [Bloch's Schelomo] and all its vocal expressivity without exaggeration or hyperbole and the orchestra's response feels minted in the moment rather than pre-planned. I'm not sure I've heard a more convincing modern account on disc. An immaculate recording' (BBC Radio 3 CD Review)

'[Clein's performance of Schelomo] is thoughtful, subtle and satisfying, well supported by the passionate and spirited BBC SSO: … in Voice in the Wilderness,Clein encompasses all the work's varied character and demands while retaining an air of polish in her playing … the Bruch, too, receives a lovely performance, with Clein bringing out the different colour of each of the cello's strings and the orchestra effecting most beautifully the transition from sombre to heavenly' (Gramophone)

'The strongly emotive musical aura of Bloch's Schelomo seems ideally suited to Natalie Clein's impassioned style of cello playing … Clein delivers a powerfully committed performance, but also manages to avoid over-indulgence, negotiating the peaks and troughs of the music's volatile emotional language with a clear sense of direction. Undoubtedly, Ilan Volkov and the BBC Scottish Symphony Orchestra play a vital role in this process. Volkov brings a welcome transparency to Bloch's languorous instrumentation in the reflective secions, while the raging torrents of the orchestral tuttis have rarely sounded more highly charged' (BBC Music Magazine)» More

'Natalie Clein is the cello protagonist in all four works, her range of tonal colour, her animation and her discreet soulfulness proving to be ideal qualities … the relationship between cello and orchestra is closely knit, Ilan Volkov conducting the BBC SSO with just the impetus and sensibility that this music requires' (The Daily Telegraph)» More

'Natalie Clein gives an unexaggerated performance pursuing the music's linearity and playing from the heart while conjuring some appropriate dark tone from her instrument … the music takes wing to both beguile and thrill. It's one of the most persuasive performances of this work [Schelomo] that I have ever heard … throughout, the recording is as vivid as the music … an outstanding release' (International Record Review)» More

'Clein and Volkov give a performance of Schelomo (1916) that is very moving, both in its profound sensuality and in the pervasive sense of transience that gnaws at its vision of worldly glory. They bring the same commitment to From Jewish Life (1924) and Voice in the Wilderness (1936) … the other knockout is Bruch's Kol Nidrei … beautifully done, it brings the disc to a reflective close. Highly recommended' (The Guardian)» More

'Natalie Clein's inspired collection of [Bloch's] three cello works on Jewish themes … is rare and welcome. Her impassioned, sensitive playing finds willing collaborators in the BBC Scottish Symphony Orchestra and their former principal conductor' (The Sunday Times)» More

'Clein plunges deep into the world of Bloch's Schelomo as she effectively forms a red-hot line of communication with the listener in both its introspective, brooding moments and its soulful outbursts. The orchestra's string section produces a flawless body of sound and the balance is nicely judged' (The Strad)» More

'If one has enjoyed the music in those epic biblical movies of the last century, mostly starring Charlton Heston, chances are one will also respond to the works of the composer who influenced that genre. The Swiss-American Ernest Bloch (1880-1959) also wrote much secular music, but he will be best remembered for the works that reflect his Jewish heritage … completing this gorgeously performed anthology by young British cellist Natalie Clein is Max Bruch’s popular Kol Nidrei … essential listening' (Singapore Straits Times)» More

'Clein is a gifted interpreter of these nearly sacred musical themes, lovingly devoted to expressing the composers’ visions of what she calls 'the early 20th century yearning for a sense of identity and nostalgia for an imagined past, a past already being swept aside in favor of modernity and globalization.' And kudos to the talented Israeli conductor Ilan Volkov, whose sympathetic, restrained approach never treads on the tender solo cello passages—Clein and Volkov are a match made in heaven' (Strings, USA)» More

'You cannot wish to hear a clearer, lovelier investigation of Bloch’s Jewish decade' (Norman Lebrecht)

'[Clein] hat das nötige Einfühlungsvermögen, die starken, aufwühlenden, dunklen Klangfarben, die gelegentlichen Abstiege in seelische Abgründe mit der herzlichen Heiterkeit der volkstümlichen Klänge fein dosiert zu kombinieren. Hier gibt es keine schmachtende Melancholie und eben so wenig überschäumende Fröhlichkeit, dafür viel Sensibilität, viel Lyrik und schöne dynamische Kontraste' (Pizzicato, Luxembourg)» More

Schelomo, subtitled ‘Rhapsodie hébraïque’, was written in the space of six weeks during January and February 1916. Bloch had, over a number of years, noted down thematic ideas for a vocal setting of selected verses from the biblical book of Ecclesiastes, the authorship of which is attributed to King Solomon (Hebrew: Schelomo) who reigned some 3000 years ago. Bloch had felt, however, that French, German or English were somehow unsuitable for the purpose, and that his grasp of Hebrew was inadequate. Coming into contact with the celebrated Russian cellist Alexandre Barjansky (1883–1961) and his wife Katja in Geneva towards the end of 1915 (some six years after their first meeting), Bloch was keen to share with them his ‘Jewish Cycle’ in general, and this new work in particular. Barjansky was greatly moved by what he heard. Realizing that the cello was the solution to the language problem, Bloch reformulated his sketches and passed them to Alexandre for scrutiny, while Katja at the same time made a small sculpture of King Solomon. In gratitude, Bloch dedicated Schelomo to the Barjanskys.

According to Bloch: ‘It is possible to imagine that the solo cello is the incarnation of King Solomon, and that the orchestra represents his internal world and his experience of life, though sometimes it is the orchestra that seems to reflect Solomon’s thoughts, while the solo instrument voices his words: “All is vanity.”’ Bloch places much emphasis on the king’s pessimism, despite ‘the royal pomp, the treasure, the wealth, the power, the women, all that a man might desire in this world’, and ‘the barbaric coloration of an Oriental world’ that surround him. The rhapsodic manner and glittering instrumentation may give the work an improvised air, but the underlying structure is a sturdy ‘ternary’ form (ABA), plus an introduction and coda.

The heroic melody that appears before and during the great orchestral climaxes occurring towards the end of the first and third sections of Schelomo is built upon motifs that bear a remarkable resemblance to the those of Tzur Yisroel (‘Rock of Israel’), a traditional chant that Bloch received from Reuben Rinder (1887–1966, Cantor at Temple Emanu-El, San Francisco) in the late 1920s while preparing his Avodath Hakodesh (‘Sacred Service’, 1930–33). Nevertheless, although numerous motifs throughout the six published works of the ‘Jewish Cycle’ are the composer’s subconscious transformations of biblical and cantorial chant, in only one instance did Bloch acknowledge that he had consciously taken a melody from a traditional source—a motif that his father ‘sang often, in Hebrew’, which appears for the first time at the beginning of the middle section of Schelomo. Bloch quoted the Hebrew text in a letter written to his mother four years after the work had been completed; and the melody is, in fact, an adaptation of a South German cantorial chant Uv’chen ten pachdecha, sung in Ashkenazi synagogues during High Holy Days.

‘Almost all my works, even the darkest ones, still end optimistically, or at least with some hope. This is the only one that concludes in complete negation. But the subject demanded it.’ The opening of Ecclesiastes confirms Bloch’s observation: ‘The words of Kohelet, the son of David, king in Jerusalem. Vanity of vanities, saith Kohelet … And I applied my heart to seek and to search out by wisdom concerning all things that are done under heaven … and, behold, all is vanity and a striving after wind.’

Despite the enormously demanding technical skills required of the soloist, this is not a concerto in the usual sense, and virtuosity is always the servant of that expressiveness in which the spiritual and sensual are fused.

from notes by Alexander Knapp © 2012

Schelomo, sous-titrée «Rhapsodie hébraïque», fut écrite en six semaines, en janvier–février 1916. Depuis plusieurs années, Bloch consignait des idées thématiques pour une mise en musique vocale d’un choix de versets tirés de l’Ecclésiaste, dont la paternité est attribuée au roi Salomon (Schelomo en hébreu), qui régna voilà quelque trois mille ans. Vers la fin de 1915, sentant que ni le français, ni l’anglais, ni l’allemand ne se prêtaient à cet exercice, et que sa connaissance de l’hébreu était insuffisante, Bloch contacta à Genève un couple rencontré six ans auparavant, le célèbre violoncelliste russe Alexandre Barjansky (1883–1961) et sa femme Katja, avec lesquels il tint à partager son «Cycle juif» en général, et cette nouvelle œuvre en particulier. Barjansky fut bouleversé par ce qu’il entendit. Quand il comprit que le violoncelle était la solution à son problème de langue, Bloch reformula ses esquisses et demanda à Alexandre de les examiner. Katja, de son côté, réalisa une petite sculpture du roi Salomon. En gage de gratitude, Bloch leur dédia Schelomo.

«On peut imaginer, explique Bloch, que le violoncelle solo est l’incarnation du roi Salomon, et que l’orchestre symbolise son univers intime et son expérience de la vie, encore que ce soit parfois l’orchestre qui semble refléter ses pensées, tandis que l’instrument solo énonce ses paroles: “Tout est vanité.”» Bloch insiste beaucoup sur le pessimisme de ce roi qu’entourent pourtant «la pompe royale, le trésor, la richesse, le pouvoir, les femmes, tout ce qu’un homme pourrait désirer en ce monde» et «l’exubérance débridée d’un monde oriental». Même si elle peut paraître improvisée, avec sa manière rhapsodique et son ornementation scintillante, cette œuvre a pour structure sous-jacente une robuste forme ternaire (ABA), assortie d’une introduction et d’une coda.

La mélodie héroïque qui survient avant et pendant les grands apogées orchestraux, vers la fin des première et troisième sections de Schelomo, est bâtie de motifs ressemblant beaucoup à ceux de Tzur Yisroel («Rocher d’Israël»), un chant sacré traditionnel que Bloch tenait de Reuben Rinder (1887–1966, chantre à la synagogue Emanu-El de San Francisco) à la fin des années 1920, alors qu’il préparait son Avodath Hakodesh («Service sacré», 1930–1933). Mais, alors même que maints motifs des six œuvres publiées du «Cycle juif» sont des métamorphoses subconscientes du chant biblico-cantoral, Bloch admit un seul emprunt mélodique conscient à une source traditionnelle—un motif que son père «chantait souvent, en hébreu» et qui apparaît pour la première fois au début de la section centrale de Schelomo. Quatre ans après l’avoir intégré dans cette œuvre, Bloch en cita le texte hébreu dans une lettre adressée à sa mère; la mélodie est, en réalité, adaptée d’un chant cantoral d’Allemagne du Sud, Uv’chen ten pachdecha, interprété dans les synagogues ashkénazes pendant les Jours suprêmes.

«Presque toutes mes œuvres, y compris les plus sombres, s’achèvent sur une note d’optimisme, ou du moins d’espoir. Celle-ci est la seule à se terminer dans la négation complète. Mais le sujet l’exigeait.» Ces propos de Bloch, l’ouverture de l’Ecclésiaste vient les confirmer: «Paroles de Qohèlet, fils de David, roi à Jérusalem. Vanité des vanités, dit Qohèlet … Et j’ai appliqué mon cœur à rechercher et à sonder par la sagesse tout ce qui se fait sous les cieux … et voici, tout est vanité et pâture de vent.»

Malgré la considérable maîtrise technique exigée du soliste, il ne s’agit pas là d’un concerto au sens habituel du terme, et la virtuosité est toujours au service de cette expressivité fusionnant spirituel et sensuel.

extrait des notes rédigées par Alexander Knapp © 2012
Français: Hypérion

Schelomo trägt den Untertitel „Rhapsodie hébraïque“ und wurde innerhalb von sechs Wochen im Januar und Februar 1916 komponiert. Bloch hatte über mehrere Jahre hinweg thematische Skizzen für eine Vokalvertonung verschiedener Verse aus dem alttestamentarischen Buch Kohelet gemacht, dessen Autorschaft König Salomo (im Hebräischen: Schelomo) zugeschrieben wird, der vor etwa 3000 Jahren regierte. Bloch war jedoch der Ansicht, dass das Französische, Deutsche oder auch Englische sich für dieses Vorhaben nicht eignen würden und dass sein Verständnis des Hebräischen unzulänglich sei. Als er mit dem berühmten russischen Cellisten Alexandre Barjansky (1883–1961) und dessen Frau Katja gegen Ende des Jahres 1915 in Genf in Kontakt kam (sie hatten sich etwa sechs Jahre davor kennengelernt), war Bloch geradezu erpicht darauf, ihnen seinen „Jüdischen Zyklus“ und insbesondere dieses neue Werk vorzustellen. Barjansky war von der Musik zutiefst ergriffen. Bloch realisierte dann, dass das Cello die Lösung zu seinem Sprachproblem sein würde, änderte seine Skizzen entsprechend um und gab sie Barjansky zur Durchsicht. Katja Barjansky fertigte zur selben Zeit eine kleine Skulptur von König Salomo an. Als Dank dafür widmete Bloch den Barjanskys sein Werk Schelomo.

Bloch erklärte: „Es ist durchaus möglich, sich das Solocello als Verkörperung König Salomos vorzustellen, wobei das Orchester seine innere Welt und seine Lebenserfahrung repräsentiert. Manchmal scheint das Orchester jedoch auch Salomos Gedanken zu reflektieren, während das Solo-Instrument seine Worte wiedergibt: «Es ist alles ganz eitel.»“ Bloch betont besonders den Pessimismus des Königs, obwohl er von „Prunk, Herrlichkeit, Reichtum, Macht, Frauen und allem, was ein Mann in dieser Welt begehren kann“ und der „barbarischen Färbung einer orientalischen Welt“ umgeben ist. Der rhapsodische Stil und die glänzende Instrumentierung mögen dem Werk zwar eine improvisatorische Atmosphäre verleihen, doch ist die ihm zugrundeliegende Struktur eine solide „dreiteilige“ Form (ABA) mit Einleitung und Coda.

Die heroische Melodie, die vor und während der großen Orchesterhöhepunkte gegen Ende des ersten und dritten Teils von Schelomo erklingt, ist auf Motiven aufgebaut, die eine bemerkenswerte Ähnlichkeit zu denen in Tzur Yisroel („Felsen Israels“) haben, einem traditionellen Gesang, den Bloch von Reuben Rinder (1887–1966, Kantor am Tempel Emanu-El in San Francisco) gegen Ende der Zwanziger Jahre erhalten hatte, als er seinen Avodath Hakodesh („Heiliger Gottesdienst“, 1930–33) vorbereitete. Obwohl mehrere Motive in den sechs veröffentlichten Werken des „Jewish Cycle“ von dem Komponisten unbewusst abgewandelte Versionen biblischer und kantorialer Gesänge sind, bestätigte Bloch in nur einem Fall, dass er die Melodie einer traditionellen Quelle entnommen habe—ein Motiv, welches sein Vater „oft auf Hebräisch gesungen“ hatte und das erstmals zu Beginn des Mittelteils von Schelomo erscheint. Vier Jahre nach Vollendung des Stücks zitierte Bloch den hebräischen Text in einem Brief an seine Mutter; bei der Melodie handelt es sich tatsächlich um eine Bearbeitung eines süddeutschen kantorialen Gesangs, Uv’chen ten pachdecha, der an Hohen Feiertagen in aschkenasischen Synagogen gesungen wurde.

„Fast alle meine Werke, selbst die düstersten, enden trotzdem optimistisch, oder wenigstens mit ein bisschen Hoffnung. Dies ist das Einzige, das in völliger Negierung schließt. Das Thema verlangte es so.“ Der Beginn des Buches Kohelet bestätigt Blochs Beobachtung: „Die Reden von Kohelet, dem Sohn Davids, des Königs zu Jerusalem. Es ist alles ganz eitel, sagt Kohelet … Ich habe mein Herz darauf gerichtet, die Weisheit zu suchen und alles zu erforschen, was unter dem Himmel getan wird … und siehe, alles ist Eitelkeit und ein Haschen nach dem Wind.“

Obwohl das Werk für den Solisten technisch ungeheuer anspruchsvoll ist, handelt es sich hierbei nicht um ein Konzert im normalen Sinne, und die Virtuosität ist stets der Expressivität untergeordnet, in der sich das Spirituelle und Sinnliche vereinen.

aus dem Begleittext von Alexander Knapp © 2012
Deutsch: Viola Scheffel

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