Soon after the premiere of his Op 1 Wiklund found himself the recipient of two major grants, and he left Sweden to study abroad. He spent time in both Paris and Berlin, where he studied the piano with James Kwast and Ferruccio Busoni. During a brief spell back in Sweden in the summer of 1906 he rented a cottage on the island of Dalarö in the Stockholm archipelago, and there began work on his Piano Concerto No 1. The idea of a career as a pianist and conductor in Europe still attracted him, however, and an offer to become a repetiteur at the Court Theatre in Karlsruhe in Germany drew him away from Sweden again in 1907. According to some sources the new concerto was premiered before Wiklund’s move to Germany—in January 1907, with the composer as soloist with the Konsertföreningen. But a letter to Stenhammar in December that year suggests that the composer may have carried on working on his concerto during his time in Karlsruhe: ‘My concerto has now been finished for some time. It is now in the key of E minor and has three movements only, the last being a scherzo. I am happy with it as I think it is good.’ A subsequent performance took place in 1909 (or, according to some sources, in 1908) with the Swedish pianist Aurora Molander and the Orchestra of the Royal Opera (Hovkapellet) conducted by Armas Järnefelt. Whether or not this performance was the premiere, or the first performance of a revised version of the concerto that Wiklund had completed in Karlsruhe, remains unclear. Wiklund’s letter to Stenhammar suggests that he changed the tonality of the work (something Stenhammar himself would later do with his Serenade Op 31, which was considered unplayable in its original key), so it seems the concerto underwent considerable revision, whatever its performance history.

In any case, as we know it today Wiklund’s Piano Concerto No 1, Op 10, is in the key of E minor, firmly established by the solo piano in the arresting opening solo. The first movement unfolds in a sonata form of symphonic proportions, both structurally and dynamically, with the vigorous main theme contrasted by a chorale-like second subject. In his mature works, of which the E minor Concerto can be considered the first, Wiklund creates a highly personal, eclectic style within the late Romantic idiom, drawing on a range of stylistic influences; while the sound-world of the first movement is predominantly Germanic with occasional echoes of the Slavic Romantics, the nocturnal second movement by contrast suggests Impressionistic colours (Debussy’s Pelléas et Mélisande had made a big impression on the young Wiklund).

The Andante ma non troppo begins pianissimo, as the previous movement had ended, with an orchestral tutti based on a motif of two oscillating notes accompanied by slowly pulsating low strings and timpani. This creates music at once undulating and static, moving effortlessly between major and minor tonalities as well as gliding in and out of moments of modality so typical of Scandinavian music in the wake of Sibelius. The piano enters secretively with dark repeated chords in B minor, emerging almost unnoticed from the orchestral resonance, and starts building towards the first climax; this quickly fades to make way for a contrasting, more overtly melodic theme presented in the strings and imaginatively embellished by the soloist. The same structure repeats itself once more, with ever-varying timbre and texture, before the music fades away in a subdued coda based on the two-note motif.

Six bars, beginning with a pianissimo timpani roll, connect the slow movement to the energetically playful finale which indeed at least starts very much in the style of a scherzo. The main theme, presented in double octaves by the piano, has a curious origin: the Wiklund family to this day (as related to the author by the composer’s grandson) have a clever way of locating each other if becoming separated in a large crowd: one person whistles two notes, an ascending major second, and listens for a descending fourth from the main note, revealing the location of the other person! The movement offers a considerable display of elegant virtuosity by the soloist and follows the scherzo formula, with the trio section represented by a hymn-like theme, until the extended coda in which a horn quietly reintroduces the chorale theme from the first movement. The music grows to a glorious climax, featuring the main theme of the first movement and the hymn theme from the scherzo, and in its final seconds the music returns to the whirling scherzo material in a triumphant E major.

from notes by Martin Sturfält © 2012

Peu après la première de son op. 1, Wiklund reçut deux bourses importantes et partit étudier à l’étranger. Il séjourna à Paris et à Berlin, où il étudia le piano avec James Kwast et Ferruccio Busoni. De retour en Suède, à l’été de 1906, il loua une maisonnette sur l’île de Dalarö, dans l’archipel de Stockholm, et s’attela à son Concerto pour piano nº 1. Mais l’idée d’une carrière de pianiste et de chef d’orchestre en Europe l’attirait toujours et un poste de répétiteur à l’Opéra de la court de Karlsruhe, en Allemagne, l’éloigna de nouveau de Suède en 1907. Selon certaines sources, il aurait créé (au piano, accompagné du Konsertföreningen) ce concerto avant de partir pour l’Allemagne, en janvier 1907. Mais une lettre adressée à Stenhammar en décembre de cette année-là suggère qu’il a pu continuer d’y travailler une fois installé à Karlsruhe: «Mon concerto est maintenant terminé depuis quelque temps. Il est désormais dans le ton de mi mineur et n’a que trois mouvements, le dernier étant un scherzo. J’en suis content car je pense qu’il est bon.» Il fut ensuite exécuté en 1909 (1908 selon certaines sources) par la pianiste suédoise Aurora Molander et l’Orchestre de l’Opéra royal (Hovkapellet) placé sous la direction d’Armas Järnefelt. On ignore si ce fut le concerto que l’on joua alors pour la première fois ou bien une version révisée achevée à Karlsruhe. Dans sa lettre à Stenhammar, Wiklund laisse entendre qu’il changea la tonalité de son concerto (ce que Stenhammar fera aussi avec sa Sérénade op. 31, tenue pour injouable dans son ton d’origine), qui semble donc avoir été beaucoup révisé, et ce indépendamment de l’historique de son interprétation.

Une chose est sûre, le Concerto pour piano nº 1 op. 10, tel que nous le connaissons aujourd’hui, est dans le ton de mi mineur, fermement instauré par le piano dans le saisissant solo inaugural. Le premier mouvement s’éploie dans une forme sonate à la structure et à la dynamique symphoniques, le vigoureux thème principal se voyant opposer un second sujet façon choral. Dans ses œuvres de la maturité—et le Concerto en mi mineur peut être regardé comme la première d’entre elles—, Wiklund élabore, au sein de l’idiome romantique tardif, un style tout personnel, éclectique, fondé sur tout un éventail d’ascendants stylistiques: si l’univers sonore du premier mouvement est avant tout germanique, avec de rares échos des romantiques slaves, le deuxième mouvement nocturne évoque, par contraste, des couleurs impressionnistes (Pelléas et Mélisande de Debussy l’avait, dans sa jeunesse, beaucoup marqué).

L’Andante ma non troppo démarre pianissimo, comme le mouvement précédent avait fini, avec un tutti orchestral bâti sur un motif de deux notes oscillantes accompagné par des cordes graves, au rythme lent, et par des timbales. D’où une musique ensemble ondulante et statique qui, non contente d’évoluer sans effort entre les tonalités majeures et mineures, entre et sort furtivement de ces instants de modalité si typiques de la musique scandinave, dans le sillage de Sibelius. Le piano arrive en tapinois avec de sombres accords répétés en si mineur, émergeant, presque inaperçu, de la résonance orchestrale pour commencer à progresser vers le premier apogée, lequel s’efface vite devant un thème contrasté, plus ouvertement mélodique, présenté aux cordes et embelli avec inventivité par le soliste. La même structure se répète derechef, avec un timbre et une texture sans cesse changeants, puis la musique s’éclipse en une sobre coda construite sur le motif de deux notes.

Six mesures, démarrant par un roulement de timbales pianissimo, relient le mouvement lent au finale vigoureusement enjoué qui, du moins au début, a un fort style de scherzo. Le thème principal, exposé en doubles octaves pianistiques, a une curieuse origine. Aujourd’hui encore (comme le petit-fils de Wiklund l’a raconté au présent auteur), les Wiklund ont une manière astucieuse de se localiser quand deux d’entre eux sont dispersés dans une foule: l’un siffle deux notes, une seconde majeure ascendante et, pour savoir où se trouve l’autre, il guette une quarte descendante par rapport à la note principale! Le mouvement, qui offre au soliste une immense démonstration de virtuosité élégante, suit la formule du scherzo—un thème hymnique symbolise la section en trio—jusqu’à la coda prolongée, où un cor réintroduit paisiblement le thème de choral du premier mouvement. La musique s’élève à un glorieux apogée (où sont exposés le thème principal du premier mouvement et le thème hymnique du scherzo) et, dans les dernières secondes, elle revient au tourbillonnant matériau du scherzo en un triomphant mi majeur.

extrait des notes rédigées par Martin Sturfält © 2012
Français: Hypérion

Kurz nach der Premiere seines Opus 1 kam Wiklund in den Genuss von zwei beträchtlichen Stipendien, und er verließ Schweden, um seine Ausbildung im Ausland fortzusetzen. Zu seinen Stationen gehörten Paris und Berlin, wo er Klavierschüler von James Kwast und Ferruccio Busoni war. Während einer kurzen Rückkehr nach Schweden im Sommer 1906 mietete er ein Häuschen auf der Insel Dalarö in den Stockholmer Schären und begann dort mit der Arbeit an seinem Klavierkonzert Nr. 1. Die Vorstellung von einer europäischen Laufbahn als Pianist und Dirigent lockte ihn jedoch nach wie vor, und das Angebot, am Großherzoglichen Hoftheater in Karlsruhe eine Stelle als Korrepetitor anzutreten, zog ihn 1907 wieder aus Schweden fort. Laut manchen Quellen wurde das Konzert uraufgeführt, bevor Wiklund nach Deutschland ging—nämlich im Januar 1907 von der Konsertföreningen mit dem Komponisten am Klavier. Ein Brief an Stenhammar vom Dezember des Jahres deutet jedoch an, dass der Komponist auch in der Karlsruher Zeit noch an seinem Werk arbeitete: „Mein Konzert ist nun schon seit einiger Zeit fertig. Es steht jetzt in e-Moll und hat nur drei Sätze, wovon der letzte ein Scherzo ist. Ich bin damit zufrieden, denn ich glaube, es ist gelungen.“ In der Folge fand 1909 (nach manchen Quellen 1908) eine Aufführung mit der schwedischen Pianistin Aurora Morlander und dem Orchester der Königlichen Oper (Hovkapellet) unter Armas Järnefelt statt. Ob es sich dabei um die Uraufführung handelte oder um die Erstaufführung einer überarbeiteten Fassung, die Wiklund in Karlsruhe abgeschlossen hatte, bleibt unklar. Wiklunds Brief an Stenhammar lässt vermuten, dass er die Tonart des Werks änderte (wie später auch Stenhammar selbst bei seiner Serenade op. 31, die in der Originaltonart als unspielbar galt), so dass das Konzert—ganz unabhängig von seiner Aufführungsgeschichte—offenbar grundlegend überarbeitet wurde.

In der heute bekannten Form steht Wiklunds Klavierkonzert Nr. 1, op. 10, jedenfalls in e-Moll, das im fesselnden Soloauftakt vom Klavier deutlich als Grundtonart eingeführt wird. Der erste Satz verläuft in Sonatenform, die in Anlage und Dynamik sinfonische Ausmaße erreicht, wobei dem energischen Hauptthema ein choralartiges Seitenthema entgegentritt. In den Werken seiner Reifezeit, deren Beginn man beim e-Moll-Konzert ansetzen kann, entwickelt Wiklund einen ganz eigenen, von unterschiedlichen Einflüssen geprägten Stil der spätromantischen Tonsprache; während die Klangwelt des ersten Satzes vorwiegend an die deutsche Tradition erinnert—mit gelegentlichen Anflügen von slawischer Romantik—, beschwört der zweite Satz, eine Art Nocturne, vielmehr impressionistische Farben herauf (Debussys Pelléas et Mélisande hatte auf den jungen Wiklund großen Eindruck gemacht).

Das Andante ma non troppo beginnt im Pianissimo—in dem auch der vorhergehende Satz verklungen war—mit einem Orchestertutti, das auf einem pendelnden Motiv aus zwei Tönen beruht, begleitet von einem langsamen Pochen der tiefen Streichern und Pauken. Hieraus entwickeln sich Klänge, die zugleich wogend und statisch sind und mühelos zwischen Dur und Moll wechseln; außerdem durchlaufen sie modal geprägte Momente, wie sie für die skandinavische Musik im Gefolge von Sibelius so typisch sind. Fast heimlich setzt das Klavier mit wiederholten dunklen h-Moll-Akkorden ein und löst sich quasi unbemerkt aus dem Nachklang des Orchesters, um den Anstieg zu einem ersten Höhepunkt zu beginnen. Dieser verklingt schnell und weicht einem kontrastierenden Thema von reicherer Melodik, das in den Streichern eingeführt und vom Solisten fantasiereich verziert wird. Der gleiche Ablauf wiederholt sich unter ständigem Wechsel von Klangfarbe und Tonsatz, ehe die Musik in einer gedämpften, auf dem Zweitonmotiv basierenden Coda verklingt.

Ein sechstaktiger Übergang, im Pianissimo mit einem Paukenwirbel beginnend, verbindet den langsamen Satz mit dem lebhaften und spielerischen Finale, das in der Tat zumindest anfangs im Scherzostil gehalten ist. Das in doppelten Oktaven vom Klavier vorgestellte Hauptthema hat einen kuriosen Hintergrund: Bis heute benutzen die Wiklunds (nach persönlicher Auskunft von Adolfs Enkel) einen klugen Trick, um einander zu finden, wenn sie sich im Getümmel aus den Augen verloren haben—man pfeift zwei Töne, nämlich eine aufsteigende Sekunde, und horcht nach einer absteigenden Quarte vom Ausgangston, die den Verwandten und seine Position verrät! Der Satz erlaubt dem Solisten, ein beträchtliches Maß an eleganter Virtuosität zu beweisen, und folgt dem Formschema eines Scherzos—mit einem liedhaften Thema als Trioabschnitt—, bis in der ausgedehnten Coda ein Horn leise das Choralthema des ersten Satzes aufgreift. Die Musik steigert sich zu einem prachtvollen Höhepunkt, an dem das Hauptthema des ersten Satzes sowie das Liedthema des Scherzos erklingen; in den letzten Augenblicken kehren dann noch einmal die wirbelnden Klänge des Scherzogedankens zurück, nun in triumphalem E-Dur.

aus dem Begleittext von Martin Sturfält © 2012
Deutsch: Arne Muus