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Russian Piano Portraits

Alexander Glazunov (1865-1936)

The Complete Solo Piano Music, Vol. 1

Stephen Coombs (piano)
Download only
Previously issued on CDA66833
Label: Helios
Recording details: October 1994
Rosslyn Hill Unitarian Chapel, Hampstead, London, United Kingdom
Produced by Paul Spicer
Engineered by Ken Blair
Release date: November 2005
Total duration: 69 minutes 50 seconds

In common with most Russian composers, piano music holds a significant place in the works of Alexander Glazunov, exhibiting his skill as a miniaturist, the elegance of his salon music, his harmonic adventurism, and his mastery of counterpoint and large-scale forms.

Volume 1 opens, appropriately, with Glazunov's first published piano composition, the Suite on the name 'SASCHA', a remarkably assured work containing many of the devices which were to become features of Glazunov's later piano writing. The programme continues with a selection of waltzes reflecting the cosmopolitan society of nineteenth-century St Petersburg.

Finally we have the first of Glazunov's two piano sonatas. The work bristles with technical difficulties but remains a very controlled work, never allowed to spill over into emotionalism.




‘Coombs is clearly equipped to face the most prodigious demands … this is a most impressive and highly enjoyable release’ (BBC Music Magazine)

‘A dazzling series of salon and genre pieces full of the easy charm and winning tunefulness that also mark Glazunov's ballet The Seasons. Stephen Coombs proves a most persuasive advocate, consistently conveying sheer joy in keyboard virtuosity … which gives magic to pieces which might otherwise seem trivial. It makes a feast for any lover of piano music’ (The Guardian)

«Stephen Coombs se révèle être un défenseur convaincu de ce répertoire qu'il aborde avec des moyens digitaux et une poésie remarquables» (Diapason, France)

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In common with most Russian composers, piano music holds a significant place in the works of Alexander Konstantinovich Glazunov. Virtually every aspect of his talent is exhibited here: his skill as a miniaturist, the elegance of his salon music, his harmonic adventurousness and his mastery of counterpoint and large-scale forms.

Glazunov also holds a particular place in the development of Russian music as a whole. He stands as the heir of both Glinka’s quest for a Russian nationalistic expression and Anton Rubinstein’s desire to integrate Russian art into mainstream European culture. He was championed by the nationalistic composer Balakirev and taught by the latter’s student Rimsky-Korsakov. He was influenced by his friend Tchaikovsky and yet inherited the mantle of Anton Rubinstein – most notably as Director of the St Petersburg Conservatory. Although his legacy has been largely ignored in the West, his influence as Russia’s great musical conciliator has lived on in successive generations of post-Revolutionary composers and particularly in the music of his greatest student, Shostakovich.

Glazunov was Russia’s greatest symphonist after Tchaikovsky (with eight completed symphonies) and personally handed down this legacy to Shostakovich. Similarly, his ballets (second only to Tchaikovsky’s in their appeal) kept alive Russia’s contribution in this field and provided future opportunities for later composers such as Stravinsky. It is unlikely that Rachmaninov would have been able to give the premiere of his own first symphony so early in his career had not Glazunov had such an unusual success with his; and his championing of the string quartet medium influenced succeeding generations of Russian composers.

Glazunov was born in St Petersburg on 10 August 1865. His father Konstantin Ilyich was a prosperous publisher and a keen amateur violinist. His mother Elena Pavlovna was an accomplished pianist of almost professional standard, so it is not surprising that Alexander’s musical training started early. From the age of six he studied piano and, presumably to allow the family to play chamber music together, was also encouraged to play the viola and cello.

At the age of twelve, Alexander began serious studies with Nikolai Elenkovsky, his mother’s own piano teacher. However, barely a year later, Elenkovsky left St Petersburg and, in order to find a replacement teacher for herself and Alexander, Elena Pavlovna turned for advice to Mili Balakirev. This was to prove the most decisive event in Glazunov’s career. Balakirev, impressed by Alexander’s early compositional efforts, suggested that he should study with his own protégé, Rimsky-Korsakov. Glazunov began his studies with Rimsky-Korsakov at the beginning of 1880. His progress was phenomenal. By 1881 he was sketching his first symphony and in March 1882 it was given its acclaimed premiere under Balakirev at a Free Music School concert. Glazunov was only sixteen years old.

The success of his first symphony turned the spotlight on the young composer. Though there were some who doubted whether it was all his own work (there was a rumour that his parents had paid for the symphony to be written for him), there were others who began to pay special attention to this newly rising star. The most important of these, both for Glazunov and for the future of Russian music publishing, was Mitrofan Petrovich Belaieff.

Belaieff was a millionaire landowner. He had a passion for music and, at the age of forty-six, Glazunov’s symphony caught his imagination. He approached the composer with a view to publishing the work. His plan was to set up his publishing house in Leipzig and not, as had been the custom until then, in Russia (where there was little copyright protection). The symphony became the first work accepted by M P Belaieff, the publishing firm which was to dominate Russian music-publishing until the Revolution.

Glazunov quickly built on this early success and in 1884 made his first journey abroad. In Weimar he met Liszt, who honoured the young composer by arranging the first performance outside Russia of his first symphony. This meeting became a turning point in Glazunov’s career. Within a few years he would become one of the most influential composers in Russia. In order to understand his extraordinary success it is important to review the situation in musical Russia at that time.

In 1865, the year of Glazunov’s birth (and also that of the composers Carl Nielsen, Paul Dukas and Jean Sibelius), the Russian musical establishment was dominated by the opposing figures of Balakirev and Anton Rubinstein. Though both paid homage to the earlier nationalistic composer Glinka, they differed in their views about the direction which Russian music should take. Rubinstein looked to the west for inspiration; Balakirev, on the other hand, looked towards the east and Russia’s own heritage of folk song and ethnic diversity. Eventually Balakirev’s views came to influence a whole generation of composers in St Petersburg. An influential and powerful group, comprising Balakirev together with Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov and Cui, became known as ‘The Mighty Handful’. Their dominance, however, proved to be short-lived for, in 1887, with Mussorgsky already dead, ‘The Mighty Handful’ effectively passed into history with the unexpected death of Borodin. The group had now lost its two most original, if hardly prolific, composers. César Cui had become distanced from his former friends largely because of his vitriolic, if entertaining, music reviews (his description of Rachmaninov’s first symphony as a ‘programme symphony on the Seven Plagues of Egypt’ is a good example of the sort of remark that lost him the goodwill of his fellow composers). Balakirev, meanwhile, had become increasingly estranged from his colleagues because of his continuing obsession with nationalism and his difficult temperament. Within this vacuum, Glazunov’s reputation grew. Three years after Borodin’s death, Glazunov, still only twenty-five years old, took over the post of conductor at the Russian Symphony Concerts from Rimsky-Korsakov who was now turning increasingly to opera. With the death of Tchaikovsky in 1893, and that of Anton Rubinstein in the following year, Glazunov took centre stage and became the leader of the new musical establishment.

Glazunov had already proved himself to be a prolific composer. In the four years between 1888 and 1892 he published twenty-seven works, perhaps in response to Belaieff’s pressure to fill up his still embryonic catalogue, though also to keep up the tradition of performing a new Glazunov work in each new Russian Symphony Concert (usually six a year). By the end of the century Glazunov had completed five string quartets, six symphonies, his three ballets (Raymonda, Les Ruses d’Amour and The Seasons), together with the majority of his piano works, several other chamber works, four sets of songs and various overtures, serenades and symphonic poems for orchestra. The end of the century was significant in another respect, for in 1899 Glazunov began his thirty-year tenure at the St Petersburg Conservatory with his appointment as Professor of Instrumentation.

Despite the increasing demands of teaching, the period from 1899 to 1906 represents a creative peak in Glazunov’s career. Although he no longer wrote as prolifically, the quality of his output remained high. His last two symphonies, the violin concerto, the fifth string quartet and his two piano sonatas all belong to this period and deserve a place among the finest examples of Russian music. From 1907 onwards his time was increasingly taken up with the Conservatory, especially after being appointed its Director in November 1905. The active composer, prolific and energetic, had become, within a decade, a revered pedagogue. The meteoric rise was now to be followed by as sudden a decline.

By 1912 the Russian avant-garde had attracted the attention of the world. Stravinsky had already given the premieres of his ballets The Firebird and Petrushka and was now at work on The Rite of Spring, whilst back at the St Petersburg Conservatory Liadov’s brilliant pupil Serge Prokofiev had won the Rubinstein Prize with his first piano concerto.

Increasingly isolated and confused (by now all his closest friends and colleagues were dead), Glazunov watched as the new music moved in to take over the sound-world he inhabited. Although still revered by his students he now found himself removed from his position as the great new hope of Russian music to the stuffy old guard – all within two decades. With the 1917 Revolution his world and his creative expression of it had virtually ended. Although he lived until 1936, his creative output became a mere trickle.

In 1922, by now chronically dependant on alcohol, Glazunov was named ‘People’s Artist of the Republic’ to mark forty years as a composer. At the celebratory concert it was announced that in recognition of his services his living conditions would be improved (he was then living in one room, having repeatedly refused the Soviet Government’s requests to write music for the Revolution which would have immediately placed him in relative luxury). His only response was to say that he personally needed nothing, but that if the Government really wanted to help they could provide fuel for the freezing Conservatory.

On 15 June 1928 Glazunov left Leningrad to represent Russia at the Schubert Centenary celebrations in Vienna. He never returned. Settled in Paris, the Soviet authorities named him an ambassador for Soviet music and a living example of continuity. Glazunov, however, torn between his loyalty to the Conservatory and the possibility that Paris could offer a return to his pre-Revolutionary lifestyle, hung on. Finally, in 1930, he resigned from the Conservatory after more than a quarter of a century at his post. Over the next few years he travelled extensively across Europe and North America conducting and performing with his newly adopted daughter Elena who performed his piano concertos all over Europe under his direction.

Alexander Glazunov died on 21 March 1936 in Paris. He was seventy years old. Thirty-six years later, on 13 November 1972, his body was returned to Russia where he was buried among his friends Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky and Rimsky-Korsakov in the Alexander Nevsky cemetery in Leningrad.

The Suite on the name ‘SASCHA’, Op 2, is Glazunov’s first published piano composition and is dedicated to his mother, Elena Glazunova. Written in 1883, it is a remarkably assured work containing many of the pianistic devices which were to become a feature of his later piano-writing. Using the notes which spell the diminutive of his own name, SASCHA (in German notation these letters stand for E flat, A, E flat, C, B, A), it is great bravura writing, offering no concessions to the performer. It contains a wealth of contrapuntal detail and that exuberance which naturally accompanies a young composer exploring a new medium. This work was already known to Liszt in 1884 – an interesting confirmation of the advantages to be gained by publishing with Belaieff in Leipzig rather than the more isolated Russian-based publishing houses. Glazunov relates how, on his visit to Weimar in the same year: ‘[Liszt] … made his pupil Friedheim, a Russian, play my piano suite, but he played the Prelude so badly that Liszt chased him away from the piano and made me continue. He particularly liked the agitato in the Prelude. Meanwhile, more and more people arrived. Various composers came, among them Saint-Saëns. They played their works. Apropos of something, Liszt said that if a work contains something Russian, it is certain to be good. He is very witty. When I seated myself at the piano and apologized for playing badly, he remarked that it should be so. If a composer plays well or a pianist composes well, he said, there is good reason to suspect that each is passing off someone else’s work as his own. Liszt is full of witticisms like this.’

With his Waltzes on the theme ‘SABELA’, Op 23, Glazunov picks up exactly where he left off in his Suite, this time incorporating the name of the work’s dedicatee, Nadezhda Sabela, a distinguished coloratura soprano of the period (the letters forming the sequence E flat, A, B flat, E natural and ‘La’, or the note A). Glazunov shows an affinity with waltzes, and delicious concoctions they are. All of his piano waltzes were written during a particularly prolific period of his life – between 1890 and 1893. Though undoubtedly finished works in their own right, one cannot help thinking that their composition might have served as a preparation for his more famous orchestral Valse de concert, Op 47, and his later ballet waltzes. His Grande valse de concert, Op 41, was completed in 1891 and is in every way a tour de force. His other waltzes, the Petite valse, Op 36, and the Valse de salon, Op 43, were written in 1892 and 1893 respectively and, although not on the same scale as his Grande valse, reflect precisely the glittering cosmopolitan society of nineteenth-century St Petersburg.

The Three Miniatures, Op 42, continue this dance theme, this time a Polka and a Waltz being accompanied by an introductory Pastorale. They were written in 1893, an important year for Glazunov in several respects. With the completion of his Symphony No 4 and the previously mentioned Valse de concert for orchestra, Glazunov had finally shown that he was capable of matching Tchaikovsky in his mastery of orchestration and effortless melodic invention – just as he had previously matched Borodin, Balakirev and Rimsky-Korsakov. That 1893 should have marked this turning point is especially poignant as it was also the year of Tchaikovsky’s death. For some time Tchaikovsky had found the company of Glazunov especially congenial, meeting him whenever he was in St Petersburg. One evening in November 1893, four days after the premiere of his ‘Pathétique’ symphony, Tchaikovsky left the theatre and spent the evening together with Glazunov, his brother Modest and two nephews. They drank heavily until two o’clock in the morning and it was at lunch later that day that it is claimed Tchaikovsky drank the famous glass of unboiled water that was to precede his death five days later.

The Piano Sonata No 1 in B flat minor, Op 74, was written in 1900. It is one of only two piano sonatas to be written by Glazunov, and both works are colossal achievements. It is dedicated to Nadezhda Rimsky-Korsakov, the wife of his friend and former teacher and herself an accomplished pianist. With his time increasingly taken up with teaching duties at the Conservatory, Glazunov completed only four works in 1900 (interestingly, one of the others being his Theme and variations, Op 72, his only other large-scale work for piano besides the sonatas). The sonata was given its premiere on 6 October 1901 by Alexander Siloti, a disciple of Liszt and Rachmaninov’s teacher, and received a mixed reception from the critics. Bristling with technical difficulties, one cannot be sure whether Siloti himself would have been capable of meeting the demands made on the performer. Despite the brilliant piano-writing it is a very controlled work. Glazunov never allows the music to spill over into emotionalism and here we see the more austere Taneyev’s influence on Glazunov most clearly. Probably because of its huge demands, this sonata is rarely heard in the concert hall – a possible reason for Belaieff later publishing a two-piano arrangement of the work by Blumenfeld.

Stephen Coombs © 1995

Comme c’est le cas pour la plupart des compositeurs russes, le piano occupe une place importante dans l’œuvre d’Alexandre Glazounov. On retrouve quasiment toutes les facettes de son talent dans ce grand recueil: son talent de miniaturiste, l’élégance de sa musique de salon, l’audace de ses harmonies et sa maîtrise du contrepoint et des formes de grande envergure.

Glazounov occupe également une place à part dans l’évolution de la musique russe en général. Il est en même temps l’héritier de Glinka dans sa quête d’une expression nationale russe, et celui d’Anton Rubinstein dans son désir d’intégrer l’art russe aux courants artistiques de la culture européenne. Glazounov reçut le soutien du compositeur nationaliste Balakirev et eut pour professeur son élève Rimski-Korsakov.

Après Tchaïkovski, Glazounov fut le plus grand symphoniste (huit symphonies achevées) de Russie avant de céder cette place à Chostakovitch. De même, ses ballets ont perpétué l’importance de la contribution russe dans ce domaine et fourni un terrain fertile pour les compositeurs à venir comme Stravinski. Il est peu probable que Rachmaninov eût été en mesure de donner sa première symphonie si tôt dans sa carrière si Glazounov n’avait pas eu ce rare succès avec la sienne. L’importance qu’accorda Glazounov au quatuor à cordes a influencé les générations de compositeurs russes qui suivirent.

Alexandre Konstantinovitch Glazounov est né à Saint-Pétersbourg le 10 août 1865. Son père Konstantin Ilyich, éditeur prospère, était un violoniste amateur enthousiaste, et sa mère, Elena Pavlovna, une pianiste accomplie de niveau quasi professionnel; et il n’est donc pas étonnant qu’Alexandre Glazounov ait commencé très tôt son apprentissage de la musique. Il commença à étudier le piano dès l’âge de six ans et on l’encouragea également à apprendre l’alto et le violoncelle, probablement pour que la famille puisse se réunir pour jouer de la musique de chambre.

À l’âge de douze ans, Alexandre commença à étudier sérieusement sous la tutelle de Nikolai Elenkovski, le professeur de piano de sa mère. Cependant, à peine une année plus tard, Elenkovski quitta Saint-Pétersbourg et, cherchant un remplaçant pour son fils et elle-même, Elena Pavlovna alla s’adresser à Mili Balakirev. Cette décision allait se révéler l’événement le plus décisif de la carrière de Glazounov. Impressionné par ses premières tentatives de composition, Balakirev proposa de faire étudier Glazounov avec son protégé, Rimski-Korsakov. Glazounov commença à étudier en compagnie de Rimski-Korsakov au début de l’année 1880. Il progressa de façon extraordinaire. Dès 1881 il faisait les esquisses de sa première symphonie et en mars 1882 en donnait la première représentation sous la direction de Balakirev à un concert de l’École libre de musique, où son œuvre fut généreusement acclamée. Glazounov n’avait que seize ans. Le succès de sa première symphonie lui attira l’attention du public. Si certains doutaient que cette œuvre fût entièrement composée par le jeune Glazounov (on fit même courir le bruit que ses parents avaient payé pour qu’on lui compose cette symphonie), d’autres commencèrent à prêter une attention particulière à cette étoile naissante. Le plus important de ceux-ci, à la fois pour Glazounov et pour la musique russe, fut Mitrofan Petrovich Bélaïev.

Bélaïev était un propriétaire terrien millionaire passionné de musique et, à l’âge de quarante-six ans, la symphonie de Glazounov avait frappé son imagination. Il contacta le compositeur dans l’intention de publier son œuvre. Il projetait de monter sa propre maison d’édition à Leipzig et non en Russie (où la législation sur les droits d’auteurs n’était pas très évoluée) comme il était coutume jusqu’alors. La symphonie devint la première œuvre acceptée par M P Bélaïev dont la maison d’édition allait dominer les éditions musicales russes jusqu’à la Révolution.

Glazounov progressa rapidement à partir de ce premier succès et, en 1884, fit son premier voyage, à Weimar où il rencontra Liszt qui lui fit l’honneur d’organiser la première interprétation de sa première symphonie hors de Russie. Cette rencontre devint une date charnière de la carrière de Glazounov. Il allait devenir en l’espace de quelques années le compositeur le plus influent de Russie. Pour comprendre cet extraordinaire succès, il est important de resituer l’état de la musique en Russie à cette époque.

En 1865, année de la naissance de Glazounov (également celle des compositeurs Carl Nielsen, Paul Dukas et Jean Sibelius), l’établissement musical russe était dominé par les caractères opposés de Balakirev et Anton Rubinstein. Bien que tous deux rendaient hommage au premier compositeur nationaliste Glinka, leurs opinions divergeaient quant à la direction que devait prendre la musique russe. Rubinstein cherchait son inspiration à l’ouest alors que Balakirev se tournait vers l’est et le patrimoine culturel de la Russie dans les chansons populaires et la diversité ethnique. La position de Balakirev influença finalement toute une génération de compositeurs de Saint-Pétersbourg. Il en émergea un groupe influent et puissant composé de Balakirev, Moussorgski, Borodine, Rimski-Korsakov et Cui, et que l’on appella bientôt le «Groupe des Cinq». Leur domination fut néanmoins de courte durée car, en 1887, Moussorgski disparu, les «Cinq» disparurent avec le décès soudain de Borodine. Le groupe perdait ainsi ses deux membres les plus originaux bien qu’ils ne fussent pas les plus prolifiques. César Cui avait été mis à l’écart par ses anciens amis en grande partie à cause de ses critiques musicales acerbes bien que distrayantes (sa description de la première symphonie de Rachmaninov comme une «symphonie programmée des Sept Plaies d’Egypte» est un exemple révélateur du genre de réflexions qui lui valut de perdre la bienveillance de ses amis compositeurs). De son côté, Balakirev s’était progressivement éloigné de ses collègues en raison de sa continuelle obsession pour le nationalisme et de son irascibilité. La renommée de Glazounov grandit au milieu de ce vide. Trois ans après la mort de Borodine, Glazounov, qui n’avait encore que vingt-cinq ans, prit la place de Rimski-Korsakov à la direction des Concerts symphoniques russes, qui s’orientaient alors de plus en plus vers l’opéra. Avec les disparitions successives de Tchaïkovski en 1893 et d’Anton Rubinstein l’année suivante, Glazounov occupait alors le devant de la scène et devenait le chef de file de la nouvelle mouvance musicale russe.

Glazounov s’était déjà révélé un compositeur très prolifique. En l’espace de quatre années, entre 1888 et 1892, il publia vingt-sept œuvres, peut-être sous l’implusion de Bélaïev qui le pressait de garnir son catalogue encore embryonnaire, ou peut-être aussi pour respecter l’usage qui consistait à présenter une nouvelle œuvre de Glazounov à chaque nouveau Concert symphonique russe (en général six par an). À la fin du siècle, Glazounov avait achevé cinq quatuors pour cordes, six symphonies, ses trois ballets (Raymonda, Les Ruses d’amour, et Les saisons) en plus de la majeure partie de ses compositions pour piano, plusieurs autres œuvres de musique de chambre, quatre recueils de chansons et ouvertures, diverses sérénades et poèmes symphoniques pour orchestre. Cette fin de siècle fut également importante à d’autres égards car en 1899, Glazounov était nommé professeur d’instrumentation au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, poste qu’il allait occuper pendant trente ans.

En dépit de ses activités croissantes dans l’enseignement, Glazounov allait connaître, de 1899 à 1906, la période la plus créative de sa carrière. Bien que sa composition ne fût plus aussi prolifique, sa production n’en demeura pas moins de grande qualité. Ses deux dernières symphonies, le concerto pour violon, le cinquième quatuor à cordes et ses deux sonates pour piano datent tous de cette période et se rangent parmi les œuvres les plus remarquables de la musique russe. À partir de 1907, son emploi au Conservatoire lui prit de de plus en plus de temps, surtout depuis qu’il en avait été nommé directeur en novembre 1905. En l’espace d’une dizaine d’années, le compositeur actif, énergique et prolifique était devenu un vénérable pédagogue. Sa fulgurante ascension fut alors suivie d’un déclin tout aussi soudain.

En 1912, l’avant-garde russe avait attiré l’attention mondiale; Stravinski avait déjà présenté ses ballets L’Oiseau de feu et Petrouchka et travaillait au Sacre du printemps tandis qu’au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, Serge Prokofiev, le brillant élève de Liadov, venait de gagner le Prix Rubinstein pour son premier concerto pour piano.

De plus en plus isolé et désorienté (à cette époque tous ses amis proches et collègues étaient morts), Glazounov vit cette nouvelle mouvance musicale envahir peu à peu son univers musical. Bien qu’il fût toujours vénéré par ses étudiants, il perdit son statut de rénovateur de la musique russe pour se retrouver relégué à la poussiéreuse arrière-garde – le tout en l’espace de vingt ans. Avec la Révolution, son monde avait disparu et sa créativité s’était quasiment éteinte. Bien qu’il vécût jusqu’en 1936, il ne composa dès lors qu’au compte-goutte.

En 1922, alors qu’il souffrait d’alcoolisme chronique, Glazounov fut nommé artiste populaire de la République pour marquer le quarantième anniversaire de sa carrière de compositeur. Lors du concert de cérémonie, il lui fut annoncé qu’en reconnaissance de ses services ses conditions de vie seraient améliorées (il vivait alors dans une seule pièce, ayant à maintes reprises refusé les demandes du gouvernement soviétique de composer pour la Révolution, ce qui lui aurait immédiatement garanti un certain luxe). Pour toute réponse, il déclara qu’il n’avait besoin de rien mais que si le gouvernement était réellement disposé à fournir une aide, il pouvait offrir le chauffage au Conservatoire qui était glacial.

Le 15 juin 1928, Glazounov quitta Leningrad pour représenter la Russie aux célébrations du centenaire de Schubert à Vienne. Il ne revint jamais. Installé à Paris, les autorités soviétiques le nommèrent ambassadeur de la musique soviétique et le qualifièrent d’exemple vivant de la continuité. Cependant, déchiré entre sa loyauté au Conservatoire et un retour à sa vie d’avant la Révolution à Paris, il attendit. Il démissiona finalement de son poste au Conservatoire qu’il avait occupé pendant plus d’un quart de siècle. Pendant les années qui suivirent, il fit de nombreux voyages en Europe et en Amérique du Nord, tantôt comme musicien tantôt comme chef d’orchestre, avec sa fille adoptive Elena qui interprétait sous sa direction ses concertos pour piano à travers toute l’Europe.

Alexandre Glazounov s’éteignit le 21 mars 1936 à Paris à l’âge de soixante-dix ans. Trente-six ans plus tard, le 13 novembre 1972, son corps fut rapatrié en Russie où il fut enterré auprès de ses amis Borodine, Moussorgski, Tchaïkovski et Rimski-Korsakov au cimetière Alexandre Nevsky de Leningrad.

Cette Suite sur le thème «Sascha», Op 2, est la première publication d’une composition pour piano de Glazounov et est dédiée à sa mère Elena Glazounova. Composée en 1883, il s’agit d’une œuvre à l’assurance remarquable comprenant de nombreuses formules pianistiques qui allaient plus tard caractériser la composition de Glazounov au piano. Glazounov utilise les notes correspondant aux lettres du diminutif de son propre prénom «SASCHA» (dans le système de notation allemand, ces lettres correspondent à mi bémol, la, mi bémol, do, si, la); une écriture audacieuse et sans aucune concession pour l’interprète. Cette pièce contient une grande richesse dans le détail du contrepoint et l’exubérance naturelle d’un jeune compositeur explorant un nouvel instrument. Liszt connaissait déjà cette œuvre en 1884 – confirmation intéressante des avantages de la publication à Leipzig avec Bélaïev plutôt qu’avec les maisons d’éditions russes plus isolées. Glazounov raconte comment, lors de sa visite à Weimar la même année: «[Liszt] … fit jouer ma suite pour piano par son élève Friedheim, un Russe, mais celui-ci joua si mal le Prélude que Liszt le chassa du piano et me laissa continuer le morceau. Il aimait en particulier l’agitato du Prélude. Pendant ce temps, les gens ne cessaient d’arriver, et parmi eux, certains composeurs, entre autres Saint-Saëns, qui jouèrent leurs œuvres. À un moment, Liszt déclara que si une œuvre contenait quelque chose de russe, cela ne pouvait être que bon. C’est un homme plein d’esprit. Lorsque je me suis assis au piano et que je m’excusai de jouer aussi mal, il répliqua qu’il devait en être ainsi. Si un compositeur joue bien ou si un pianiste compose bien, ajouta-t-il, il y a de bonnes raisons de croire que chacun s’accapare la composition de l’autre. Liszt est plein de traits d’humour de ce genre.»

Avec ses Valses sur le thème «SABELA», Op 23, Glazounov reprend sa suite exactement où il l’a laissée, en y incorporant cette fois le nom de la personne à qui elle est dédiée, Nadezhda Sabela, une soprano coloratura de l’époque (les lettres correspondant cette fois à la séquence mi bémol, la, si bémol, la, mi bécarre et «la»). Glazounov montre certaines affinités avec les valses, et celles-ci sont d’exquises concoctions. Toutes ses valses pour piano furent composées pendant une de ses périodes de grande productivité – entre 1890 et 1893. Bien qu’il s’agisse d’œuvres réellement achevées, on ne peut s’empêcher de penser que leur composition a pu servir de préparation à sa célèbre Valse de concert, Op 47, ainsi qu’aux valses de ballet qu’il composa par la suite. Il acheva en 1891 sa Grande valse de concert, Op 41, qui à tous égards est un véritable tour de force. Ses autres valses, la Petite valse, Op 36, et la Valse de salon, Op 43, furent composées respectivement en 1892 et 1893 et, bien qu’elles ne soient pas du même calibre que sa Grande valse, reflètent particulièrement bien l’éclat de la société cosmopolite de Saint-Pétersbourg au XIXe siècle.

Les Trois Miniatures, Op 42, prolongent ce thème de la danse, avec cette fois une Polka et une Valse accompagnées par une Pastorale d’introduction. Ces pièces furent composées en 1893, une année importante pour Glazounov à plusieurs égards. Avec l’achèvement de sa Symphonie no4 et sa Valse de concert pour orchestre précédemment mentionnée, Glazounov avait finalement prouvé qu’il pouvait rivaliser avec Tchaïkovski dans la maîtrise de l’instrumentation et la création mélodique, de même qu’il s’était déjà montré l’égal de Borodine, Balakirev et Rimski-Korsakov. Le fait que 1893 soit une année charnière est particulièrement poignant car il s’agit également de l’année de la mort de Tchaïkovski. Celui-ci appréciait beaucoup la compagnie de Glazounov, qu’il retrouvait chaque fois qu’il était de passage à Saint-Pétersbourg. Un soir de novembre 1893, quatre jours après la première de sa Symphonie «Pathétique», Tchaïkovski quitta le théâtre et passa la soirée en compagnie de Glazounov, son frère Modeste et de ses deux neveux. Ils burent beaucoup jusqu’à deux heures du matin et l’on prétend que c’est au dîner du lendemain que Tchaïkovski but ce fameux verre d’eau non bouillie qui allait précipiter sa mort cinq jours plus tard.

La Sonate no1 en si bémol mineur, Op 74, fut composée en 1900. Il s’agit de l’une des deux seules sonates pour piano écrites par Glazounov et ces deux œuvres sont des réussites exceptionnelles. Celle-ci est dédiée à Nadezhda Rimski-Korsakov, la femme de son ami et ancien professeur, elle-même une pianiste accomplie. Son travail de professeur au Conservatoire de Saint-Pétersbourg lui prenant de plus en plus de temps, Glazounov ne produisit que quatre œuvres en 1900 (il est intéressant de noter qu’une de ces œuvres, Thème et variations, Op 72, est, mis à part les sonates, sa seule œuvre d’envergure pour piano). Cette sonate fut présentée pour la première fois le 6 octobre 1901, interprétée par Alexandre Siloti, un disciple de Liszt et professeur de Rachmaninov, et reçut un accueil mitigé de la part des critiques. Il n’est même pas certain que Siloti ait été à la hauteur des exigences requises par ce morceau hérissé de difficultés techniques. En dépit d’une écriture brillante, il s’agit d’une œuvre très maîtrisée. Glazounov ne laisse jamais la musique tomber dans la sensiblerie et l’on y voit plus clairement l’influence de l’austérité de Taneiev. Il est probable que c’est en raison de ses énormes exigences techniques, que cette sonate n’est pas souvent entendue dans les salles de concert – c’est sans doute la raison pour laquelle Bélaïev édita plus tard un arrangement de Blumenfeld pour deux pianos.

Stephen Coombs © 1995
Français: Alexandre Blanchard

Wie bei den meisten russischen Komponisten nimmt die Klaviermusik einen besonderen Platz in den Arbeiten von Alexander Glasunow ein. Nahezu jeder Aspekt seines Talents kommt in diesem großen Korpus zum Vorschein: sein Können als Miniaturist; die Eleganz seiner Salonmusik; seine harmonische Gewagtheit und sein Meistern der Kontrapunkte und Strukturen langer Passagen.

Glasunow wird auch eine Sonderstellung in der Entwicklung russischer Musik insgesamt zugeschrieben. Er ist Erbe von Glinkas Forderung nach einem russischen nationalen Ausdruck und von Anton Rubinsteins Wunsch, die russische Kunst in die Hauptrichtung der europäischen Kultur zu integrieren. Der nationale Komponist Balakirew engagierte sich für ihn, und von dessen Schüler Rimski-Korsakow wurde er unterrichtet. Beeinflußt von seinem Freund Tschaikowski, teilte er trotzdem Anton Rubinsteins Ansichten – am bemerkenswertesten als Leiter des St. Petersburger Konservatoriums. Obwohl seine Hinterlassenschaft vom Westen im großen und ganzen ignoriert wurde, bestand sein Einfluß als der größte Vermittler russischer Musik auf die nachfolgenden Generationen von Komponisten der Zeit nach der Revolution weiter – am nachdrücklichsten in der Musik seines größten Schülers, Schostakowitsch.

Glasunow war nach Tschaikowski (mit acht vollendeten Sinfonien) der größte Sinfonist Rußlands und gab dieses Vermächtnis persönlich an Schostakowitsch weiter. Auf ähnliche Weise vermochten auch seine Balletts (denen von Tschaikowski nur in ihrer Anziehungskraft unterlegen) den russischen Beitrag auf diesem Gebiet aufrechtzuerhalten und sicherten die zukünftigen Möglichkeiten späterer Komponisten wie Strawinski. Es ist unwahrscheinlich, daß Rachmaninow in der Lage gewesen sein sollte, seine eigene erste Sinfonie so früh in seiner Karriere uraufzuführen, wenn nicht Glasunow einen so ungewöhnlichen Erfolg mit seiner gehabt hätte; und seine Begeisterung für das Medium der Streichquartette beeinflußte nachfolgende Generationen russischer Komponisten.

Alexander Konstantinowitsch Glasunow wurde am 10. August 1865 in Petersburg geboren. Sein Vater, Konstantin Iljitsch, war ein wohlhabender Verleger und begeisterter Amateurviolinist. Seine Mutter, Elena Pawlowna, war eine anerkannte, fast professionelle Pianistin; es ist demnach nicht überraschend, daß Alexanders musikalische Übungen früh begannen. Als Sechsjähriger begann er sein Studium als Pianist, und wahrscheinlich um es der Familie zu ermöglichen, gemeinsam Kammermusik zu spielen, wurde er auch zum Spielen der Violine und des Cellos ermuntert.

Im Alter von zwölf Jahren begann er seine seriösen Studien mit Nikolai Elenkowski, dem Klavierlehrer seiner Mutter. Kaum ein Jahr später jedoch verließ Elenkowski St. Petersburg und Elena Pawlowna wandte sich auf der Suche nach einem neuen Lehrer für sich selbst und Alexander an Mili Balakirew. Dieser Zug sollte die entscheidendste Begebenheit in der Karriere Glasunows werden. Balakirew, den Alexanders frühe Kompositionsversuche imponierten, schlug vor, daß er mit seinem eigenen Schützling Rimski-Korsakow studieren sollte. Glasunow begann seine Studien mit Rimski-Korsakow Anfang 1880. Seine Fortschritte waren phänomenal. Um 1881 arbeitete er an den Entwürfen seiner ersten Sinfonie, und im März 1882 wurde diese unter Balakirew bei einem Konzert der Freien Musikschule mit großem Lob uraufgeführt. Glasunow war damals erst sechszehn Jahre alt.

Der Erfolg seiner ersten Sinfonie bewirkte, daß der junge Glasunow sich nun im Rampenlicht befand. Obwohl es Menschen gab, die die Arbeit als alleiniges Werk Glasunows anzweifelten, war es seine Arbeit (es gab sogar ein Gerücht, das besagte, daß seine Eltern für die Komposition bezahlt hätten), andere begannen dem neuen Star besondere Aufmerksamkeit zu schenken. Der wichtigste unter ihnen für Glasunow und die künftigen Veröffentlichungen russischer Musik war Mirofan Petrowitsch Balajew.

Balajew war ein millionenreicher Großgrundbesitzer. Er hatte eine Leidenschaft für Musik, und im Alter von sechsundvierzig Jahren weckte Glasunows Sinfonie seine Aufmerksamkeit. Er wendete sich an den Komponisten in der Absicht, die Arbeit veröffentlichen zu wollen. Sein Plan war es, ein Verlagshaus in Leipzig einzurichten und nicht in Rußland, wie sonst damals üblich (wo es nur geringen Schutz der Urheberrechte gab). Die Sinfonie wurde das erste Stück, das von M. P. Balajew akzeptiert wurde, jenem Verleger, der in der Veröffentlichung russischer Musik bis zur Revolution dominierend sein sollte.

Glasunow baute schnell auf diesen frühen Erfolg auf und reiste 1884 erstmals ins Ausland, um Liszt in Weimar zu treffen, der den jungen Glasunow ehrte, indem er die Erstaufführung dessen erster Sinfonie außerhalb Rußlands arrangierte. Dieses Treffen sollte ein Wendepunkt in der Karriere Glasunows werden. Innerhalb weniger Jahre entwickelte er sich zu einem der einflußreichsten Komponisten in Rußland. Um seinen außergewöhnlichen Erfolg verstehen zu können, ist es wichtig, die damalige Situation im musikalischen Rußland näher zu betrachten.

1865, das Geburtsjahr Glasunows (wie auch das der Komponisten Carl Nielsen, Paul Dukas und Jean Sibelius) war russische Musik von den kontrastiven Anschauungen Balakirews und Anton Rubinsteins dominiert. Obwohl beide den früheren nationalen Komponisten Glinka ihre Ehrerbietung erwiesen, hatten sie doch unterschiedliche Auffassungen über die Richtung, die die russische Musik einschlagen sollte. Rubinstein sah Inspiration im Westen. Balakirew dagegen wendete den Blick gen Osten auf Rußlands eigenes kulturelles Erbe an Volksmusik und ethnischer Vielfalt. Die Ansichten Balakirews beeinflußten letztendlich eine ganze Generation von Komponisten in St. Petersburg. Eine einflußreiche und machtvolle Gruppe, bestehend aus Balakirew zusammen mit Mussorgski, Borodin, Rimski-Korsakow und Cui wurde als „Die Mächtige Hand“ bekannt. Doch ihre Dominanz sollte nur von kurzer Dauer sein. Denn in 1887, als Mussorgski schon tot war, ging „Die Mächtige Hand“ mit dem unerwarteten Tod Borodins praktisch in die Geschichte über. Die Gruppe hatte nun ihre zwei originellsten, kaum produktiven Komponisten verloren. César Cui hatte sich von seinen früheren Freunden distanziert, im großen und ganzen wegen seinen beißenden, wenn unterhaltsamen, musikalischen Ansichten (seine Beschreibung von Rachmaninovs erster Sinfonie als eine „Programmsinfonie der sieben Plagen von Ägypten“ ist ein gutes Beispiel der Art von Bemerkungen, die ihn das Wohlwollen seiner Komponistenfreunde kostete). Inzwischen hatte sich auch Balakirew wegen seiner andauernden nationalistischen Besessenheit und seinem schwierigen Charakter von seinen Kollegen entfernt. In Anbetracht dieses Vakuums, stieg das Ansehen Glasunows. Drei Jahre nach dem Tod Borodins übernahm Glasunow im Alter von nur fünfundzwanzig Jahren das Dirigat der russischen Sinfoniekonzerte Rimski-Korsakows, der sich nun verstärkt der Oper zuwendete. Mit dem Tod von Tschaikowski 1893 und im darauffolgenden Jahr Anton Rubinstein, nahm Glasunow nun eine zentrale und nicht weniger führende Rolle in der neuen russischen Musikszene ein.

Glasunow hatte sich schon als profilierter Komponist bewährt. In den vier Jahren zwischen 1888 und 1892 veröffentlichte er siebenundzwanzig Stücke, womöglich als Respons auf den Druck Balajews, dessen immer noch keimhaften Katalog zu füllen, doch auch um der Tradition des Aufführens einer neuen Arbeit Glasunows in jedem neuen russischen Sinfoniekonzert (normalerweise sechs jährlich) zu folgen. Gegen Ende des Jahrhunderts hatte Glasunow fünf Streichquartette, sechs Sinfonien, seine drei Balletts (Raymonda, Les Ruses d’Amour und Die Jahreszeiten) zusammen mit den meisten seiner Klavierstücke, zahlreichen anderen Kammermusikstücken, vier Liedersätzen und verschiedenen Ouvertüren, Serenaden und sinfonischen Gedichten für Orchester vollendet. Das Ende des Jahrhunderts war auch in einem anderen Zusammenhang bemerkenswert, denn 1899 begann Glasunow mit einer Professur für Instrumentierung seine Ansstellung am St. Petersburg Konservatorium, die dreißig Jahre dauern sollte.

Trotz der steigenden Unterrichtsnachfrage stellt die Periode von 1899 bis 1906 einen kreativen Höhepunkt in der Karriere Glasunows dar. Obwohl er nicht länger aus Gründen des Verdienens schrieb, blieb die Qualität seiner vollendeten Werke hoch. Seine letzten zwei Sinfonien, das Violinkonzert, das fünfte Streichquartett und seine zwei Pianosonaten stammen alle aus dieser Zeit und verdienen einen Platz unter den feinsten Stücken russischer Musik. Ab 1907 beanspruchte das Konservatorium mehr und mehr seiner Zeit, besonders nach seiner Ernennung zum Direktor im November 1905. Der einst geldverdienende und energisch aktive Komponist war nur im Laufe eines Jahrzehnts zu einem verehrten Pädagogen geworden. Das kometenhafte Emporsteigen wurde nun von einem plötzlichen Abstieg abgelöst.

1912 hatte die russische Avantgarde die Aufmerksamkeit der Welt gefunden. Strawinski hatte seine Balletts Der Feuervogel und Petruschka schon uraufgeführt und arbeitete nun an Le sacre du printemps, während am St. Petersburg Konservatorium Liadows brillianter Schüler Serge Prokofjew mit seinem ersten Klavierkonzert den Rubinsteinpreis gewann.

Im erhöhten Maße isoliert und verwirrt (zu dieser Zeit waren alle seine engsten Freunde und Kollegen tot) beobachtete Glasunow, wie die neue Musik nun die Klangwelt, in der er lebte, eroberte. Obwohl er immer noch von seinen Studenten verehrt wurde, fand er sich selbst, entfernt von der Position des großen neuen Hoffnungträgers in der russischen Musik, nun als spießiger Aufpasser wieder – all dieses im Laufe zweier Jahrzehnte. Mit der Revolution hatte seine Welt und sein kreativer Ausdruck praktisch sein Ende gefunden. Seine kreative Produktion war zu einem bloßen Tropfen geworden, obwohl er bis 1936 lebte.

1922 wurde Glasunow, der jetzt chronisch alkoholabhängig war, zum Anlaß seines vierzigsten Geburtstages zum „Volkskünstler der Republik“ ernannt. Bei den Konzertfeierlichkeiten wurde bekanntgegeben, daß in Anerkennung seiner Dienste seine Lebens- und Wohnverhältnisse verbessert werden würden (er lebte in einem Zimmer, da er die Aufforderungen der sowjetischen Regierung, Musik für die Revolution zu schreiben, wiederholt abgelehnt hatte, ansonsten hätte man ihn augenblicklich mit Luxus umgeben). Seine einzige Antwort war, daß er persönlich nichts brauche, wenn die Regierung aber wirklich helfen wolle, so könne sie das bitterkalte Konservatorium mit Brennstoff versorgen.

Am 15. Juni 1928 verließ Glasunow Leningrad, um Rußland bei den Schubert-Jahrhundert-feierlichkeiten in Wien zu vertreten. Er kehrte nie zurück. Die Sowjetbehörden nannten ihn, der sich in Paris niedergelassen hatte, einen Botschafter sowjetischer Musik und ein lebendes Beispiel von Kontinuität. Glasunow war hin und her gerissen zwischen seiner Loyalität dem Konservatorium gegenüber und der in Paris angebotenen Möglichkeit, sein vorrevolutionäres Leben wiederaufnehmen zu können; letzteres siegte. 1930 schließlich trat er nach über einem Vierteljahrhundert von seiner Stellung am Konservatorium zurück. In den nächsten paar Jahren unternahm er ausgedehnte Reisen durch Europa und Nordamerika, auf denen er dirigierte und mit seiner kurz zuvor adoptierten Tochter Elena, die auch seine Klavierkonzerte überall in Europa unter seinem Dirigat spielte, auftrat.

Alexander Glasunow starb am 21. März 1936 in Paris im Alter von siebzig Jahren. Sechsunddreißig Jahre später, am 13. November 1972, wurden seine Überreste nach Rußland zurückgeführt, wo er zwischen seinen Freunden Borodin, Mussorgski, Tschaikowski und Rimski-Korsakow auf dem Alexander Newski Friedhof in Leningrad begraben wurde.

Die Suite über die Name „Sascha“, Op 2, ist die erste veröffentlichte Klavierkomposition Glasunows und seiner Mutter Elena Glasunowa gewidmet. Es ist ein beachtenswert selbstsicheres Stück, geschrieben 1883, das viele der pianistischen Aspekte, die ein Merkmal Glasunows späterer Pianowerke werden sollte, beinhaltet. Die Noten bilden die Rufform seines Namens SASCHA, und es ist ein Werk großer Bravour, das dem Interpreten keinerlei Zugeständnisse macht. Es enthält den Reichtum kontrastierender Details und eine Überschwenglichkeit, die natürlich einen Komponisten begleitet, der ein neues Medium erforscht. Dieses Stück war Liszt 1884 bereits bekannt – eine interessante Bestätigung der Vorteile, die durch die Veröffentlichung durch Balajew in Leipzig entstanden, im Gegensatz zu den eher isolierten Verlagshäusern in Rußland. Glasunow beschreibt, wie Liszt, den er im selben Jahr in Weimar besuchte, „… seinen Schüler Friedheim, ein Russe, daransetzte, meine Klaviersuite zu spielen; er spielte das Präludium jedoch so schlecht, daß Liszt ihn vom Klavierhocker scheuchte und mich bat, fortzusetzen. Ihm gefiel im besonderen das Agitato des Präludiums. In der Zwischenzeit waren mehr und mehr Leute eingetroffen. Verschiedene Komponisten kamen, unter ihnen auch Saint-Saëns. Sie spielten ihre Stücke. Apropos, Liszt sagte, daß, wenn eine Arbeit etwas Russisches enthielte, es mit Sicherheit ein gutes Stück sei. Er war sehr geistreich. Als ich mich ans Klavier setzte und mich für mein schlechtes Spielen entschuldigte, bemerkte er, daß es wohl so sein solle. Wenn ein Komponist gut spielt oder ein Pianist gut komponiert, sagte er, dann gibt es guten Grund anzunehmen, daß jeder der beiden die Arbeiten anderer als ihre eigenen präsentiert. Liszt ist voll von solchen geistreichen Bemerkungen.“

Mit diesem Walzer des Themas „SABELA“, Op 23, nimmt Glasunow genau dort die Arbeit wieder auf, wo er die Suite beendet hatte. Diesesmal bilden die Noten den Namen der Person, der dieses Stück gewidmet ist, Nadjeschda Sabela, ein ausgesprochen abwechslungsreicher Sopran der damaligen Zeit. Glasunow hatte eine Neigung zu Walzern, und sie sind alle wahrhaftig herrliche Schöpfungen. Alle seine Pianowalzer sind in einer besonders fruchtbaren Periode seines Lebens geschrieben worden – zwischen 1890 und 1893. Obgleich sie zweifellos vollendete eigenständige Stücke darstellen, liegt der Gedanke nahe, daß ihre Komposition vielleicht der Vorbereitung seines berühmteren orchestralen Walzers Valse de concert, Op 47, und seinen späteren Ballettwalzern dienten. Sein Grande valse de concert, Op 41, wurde 1891 vollendet und ist in jeder Hinsicht eine tour de force (eindringliches Stück). Seine anderen Walzer, der Petite valse, Op 36, und der Valse de salon, Op 43, sind 1892, bzw. 1893 geschrieben worden und obwohl sie nicht den gleichen Umfang wie sein Grande valse erreichen, spiegeln sie genau die glitzernde kosmopolitische Gesellschaft St. Petersburgs im neunzehnten Jahrhundert wider.

Die Drei Miniaturen, Op 42, setzen das Tanzthema diesesmal als Polka und Walzer, begleitet von einem einleitenden Hirtenlied, fort. Sie waren 1893 geschrieben worden, ein für Glasunow in vieler Hinsicht wichtiges Jahr. Mit der Vollendung seiner Sinfonie Nr. 4 und dem schon erwähnten Valse de concert für Orchester hatte Glasunow letztendlich bewiesen, daß er sich mit Tschaikowski in seinem Meistern der Orchestration und seinen mühelos melodiösen Schöpfungen messen kann – genau wie er es vorher schon mit Borodin, Balakirew und Rimski-Korsakow aufnehmen konnte. Daß das Jahr 1893 diesen Wendepunkt ausmachen sollte, ist besonders ergreifend, da dieses auch das Jahr ist, in dem Tschaikowski starb. Eine Zeitlang fand Tschaikowski die Gesellschaft Glasunows besonders unterhaltsam; er traf mit ihm zusammen, wann immer er sich in St. Petersburg aufhielt. Eines Abends im November 1893, vier Tage nach der Premiere seiner Sinfonie „Pathétique“, verließ Tschaikowski das Theater und verbrachte den Abend zusammen mit Glasunow, seinem Bruder Modest und zwei Neffen. Sie tranken reichlich bis zwei Uhr nachts, und es heißt, daß es gegen Mittag diesen Tages war, als Tschaikowski das berühmte Glas ungekochtes Wasser trank und fünf Tage darauf starb.

Die Pianosonate Nr. 1 in b-Moll, Op 74, war 1900 geschrieben worden. Sie ist eine von zwei Klaviersonaten, die von Glasunow geschrieben wurden, und beide Arbeiten sind kolossale Leistungen. In B-Moll geschrieben ist es Nadjeschda Rimski-Korsakow gewidmet, der Frau seines Freundes und ehemaligen Lehrers, die selbst eine anerkannte Pianistin war. Da seine Zeit in größerem Maße von seinen Unterrichtspflichten am St. Petersburg Konservatorium beansprucht wurde, vollendete Glasunow 1900 nur vier Werke (interessanterweise ist eines dieser Werke seine Melodie und Variationen, Op 72, seine einzige andere größere Klavierarbeit neben den Sonaten). Es wurde am 6. Oktober 1901 von Alexander Siloti, einem Anhänger Liszts und Lehrer Rachmaninows uraufgeführt und wurde bei den Kritikern mit gemischten Gefühlen empfangen. Mit technischen Schwierigkeiten gespickt ist nicht sicher, ob Siloti selbst den Anforderungen, die das Stück an den Interpreten stellt, gerecht werden konnte. Trotz seiner Brillianz als Klavierkomposition ist es ein sehr kontrolliertes Stück. Glasunow ließ nie zu, daß die Musik zu gefühlsbeladen wird, und hier sehen wir sehr deutlich den eher schmucklosen Einfluß Tanejews auf Glasunow. Wahrscheinlich ist die Sonate wegen ihrer enormen Anforderungen so selten in den Konzertsälen zu hören – ein möglicher Grund für Balajew später ein Arrangement dieser Arbeit für zwei Pianos durch Blumenfeld zu veröffentlichen.

Stephen Coombs © 1995

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