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Track(s) taken from CDA67941/2

Cello Suite No 1, Op 72

November & December 1964; first performance by dedicatee Mstislav Rostropovich at the Aldeburgh Festival on 27 June 1965

Alban Gerhardt (cello)
Studio Master FLAC & ALAC downloads available
Studio Master:
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Recording details: December 2011
Henry Wood Hall, London, United Kingdom
Produced by Andrew Keener
Engineered by David Hinitt
Release date: January 2013
Total duration: 24 minutes 40 seconds

Cover artwork: Valerian Glory at Aldeburgh (2012) by Mita Higton

Other recordings available for download

Jamie Walton (cello)
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'Given Gerhardt's fine Britten credentials, this makes a recommendable package: performances are well judged, with clean-cut rhythms and good attention to detail' (Gramophone)

'Gerhardt plunges into the labyrinthine mazes of the solo suites and strikes gold. This is a real tour de force: in such late works Britten reached expressive extremities found nowhere else in his oeuvre. Gerhardt is a fearless guide, blazing a trail with utter conviction, his powerful rhythmic impetus pulling us through each intricate chamber … last but not least his reading of Britten's Sonata with Steven Osborne is utterly thrilling. A must-have set for all Britten enthusiasts' (BBC Music Magazine)

'This poetic, virtuosic player makes a powerful case for the three unaccompanied Cello Suites' (The Observer)

'There is every reason to explore this set with Alban Gerhardt. He is fully in command of the technical subtleties, detailed expressive facets and structural scope of the Cello Symphony, and Andrew Manze … has the measure of the music's spectrum of deep reflectiveness and dramatic force. Strongly and sensitively partnered by Steven Osborne, Gerhardt gives a wonderfully vital performance of the Cello Sonata, alert to the cunning interplay between the two instruments and to the rhythmic wiliness that characterises the opening movement … in the solo suites … Gerhardt's playing is supple, richly coloured and articulated with the utmost finesse. These performances demonstrate a mature affinity with Britten's personal style in an important and compelling body of music' (The Daily Telegraph)

'The listener is struck by the remarkable variety and richness of sound the composer conjures up from a single instrument, rather than any feeling of limitation. Alban Gerhardt's performances underline this impresssion: his tone is gorgeously opulent and he revels in the composer's aural inventiveness … Gerhardt produces a stunning range of colour in 'Bordone' and uncannily transforms his cello into a guitar in 'Serenata' … the brilliance of the cellist's playing, as well as his vision of the work, is more than matched by the outstanding pianism of Steven Osborne. The Cello Symphony is one of Britten's supreme masterpieces' (International Record Review)

'Here we have Britten at the height of his powers, inspired by the charismatic personality of one of the 20th century's greatest musicians … the Cello Symphony is less frequently performed than the more accessible earlier concertos, but Gerhardt makes one of the strongest cases for it on disc … he truly comes into his own in the solo suites' (The Sunday Times)

'This is a brilliant anthology, wonderfully performed and beautifully recorded' (TheArtsDesk.com)
Britten composed for Rostropovich a trilogy of suites for solo cello that constitute rare and valuable examples of a genre sadly neglected by composers since it reached a peak of perfection at the hands of Bach around 1720. The compositional idiom of Britten’s suites harks back in some respects to the precociously inventive instrumental works of his youth, when he had been branded as merely ‘clever’ by astonished critics as he first made his name in the 1930s, and before he devoted most of his attention to composing operas and vocal music.

The suites’ self evident delight in technical wizardry, their exploration of the contrast between drama, lyricism and wit, together with the evocative titles of the individual character pieces which make up each suite, all form a direct link with Britten’s early instrumental display pieces such as the Variations on a Theme of Frank Bridge. (His use of sometimes flamboyant Italian tempo markings in the suites is perhaps symptomatic of the relish with which he returned to instrumental composition, since he generally avoided them in his vocal works.) Britten’s cello writing reveals the influence of Bach in its skilful suggestion of a harmonic dimension by purely linear means, and in the fugues which appear in all three suites Britten even shows himself able to create the illusion of several apparently independent contrapuntal parts by subtle displacements of a single melodic line. In spite of these intriguing technical experiments, Britten’s musical conceptions are never superficial: the technical demands placed on the soloist are always inextricable from genuine musical substance, much in the manner of Chopin’s Études or Bach’s ‘48’.

The Suite No 1 was composed in November and December 1964 and was Britten’s first major score after completing the church parable Curlew River; it received its premiere at the Aldeburgh Festival on 27 June 1965. In the manner of much of Britten’s music in this period, a ritornello theme (here entitled Canto) is used to link the constituent sections, and to provide an outer frame. The remainder of the music falls into six distinct movements: an ingenious Fuga (Andante moderato), Lamento (Lento rubato), a pizzicato Serenata (Allegretto; the homage here is to Debussy, whose Cello Sonata Britten had recorded with Rostropovich in 1961), Marcia (Alla marcia moderato), Bordone (Moderato quasi recitativo) and a concluding Moto perpetuo (Presto) that merges with the final restatement of the ritornello. When Britten had first sent Rostropovich the score and expressed some lack of confidence in it, the cellist responded in January 1965: ‘Dear, darling, beloved Ben of genius, the surprise which I received here in Paris via Marion [Harewood, Britten’s friend, who had delivered a copy of the manuscript], was stupefying!!!!!!!!!!!!!!!!! You write in the letter that you don’t consider this work too successful. I looked at it, so far only on paper, but I tell you honestly: either you are too stupid to understand what a piece you have created or it is simply pretence! You have again produced a masterpiece! The greatest thanks for making me so happy.’

from notes by Mervyn Cooke © 2013

Britten composa pour Rostropovitch une trilogie de suites pour violoncelle seul qui constituent des exemples rares et précieux d’un genre malheureusement négligé par les compositeurs depuis que Bach l’a hissé à un sommet de perfection vers 1720. Le langage des suites de Britten rappelle à certains égards les œuvres instrumentales d’une inventivité précoce de sa jeunesse, lorsque certains critiques étonnés l’avaient trouvé simplement «doué» au moment où il commença à se faire un nom dans les années 1930 et avant de se consacrer presque exclusivement à la composition d’opéras et de musique vocale.

Le plaisir évident que procure la magie technique des suites, leur exploration du contraste entre le drame, le lyrisme et l’esprit , ainsi que les titres évocateurs des différentes pièces de caractère qui composent chacune d’entre elles, constituent un lien direct avec les œuvres instrumentales antérieures plus démonstratives comme les Variations sur un thème de Frank Bridge (les indications de tempo italiennes parfois hautes en couleurs auxquelles il a recours dans les suites sont peut-être symptomatiques du plaisir évident avec lequel il revient à la composition instrumentale, car il les évitaient généralement dans ses œuvres vocales). L’écriture pour violoncelle de Britten révèle l’influence de Bach dans sa suggestion habile d’une dimension harmonique par des moyens purement linéaires et, dans les fugues qui apparaissent dans les trois suites, Britten se montre même capable de créer l’illusion de plusieurs parties contrapuntiques apparemment indépendantes par de subtiles déplacements d’une seule ligne mélodique. Malgré ces expériences techniques intéressantes, les conceptions musicales de Britten ne sont jamais superficielles: les exigences techniques placées sur le soliste sont toujours indissociables de la véritable substance musicale, un peu à la manière des Études de Chopin ou du Clavier bien tempéré de Bach.

La Suite nº 1 fut composée en novembre et décembre 1964; c’est la première partition majeure de Britten après l’achèvement de la parabole d’église Curlew River («La Rivière au courlis»); elle fut créée au Festival d’Aldeburgh, le 27 juin 1965. Comme dans la plupart des œuvres de Britten à cette époque, il y a un thème ritournelle (ici intitulé Canto) qui sert de lien entre les sections constitutives et de cadre extérieur. Le reste de la musique se compose de six mouvements distincts: une ingénieuse Fuga (Andante moderato), Lamento (Lento rubato), une Serenata pizzicato (Allegretto; hommage à Debussy, dont Britten avait enregistré la Sonate pour violoncelle et piano avec Rostropovitch en 1961), Marcia (Alla marcia moderato), Bordone (Moderato quasi recitativo) et un Moto perpetuo (Presto) final qui se fond dans la réexposition finale de la ritournelle. Lorsque Britten envoya pour la première fois la partition à Rostropovitch et exprima un certain manque de confiance à son sujet, le violoncelliste lui répondit en janvier 1965: «Cher, mon cher Ben de génie, la surprise que j’ai reçue ici à Paris par l’intermédiaire de Marion [Harewood, amie de Britten, qui avait livré une copie du manuscrit], a été stupéfiante!!!!!!!!!!!!!!!!! Vous écrivez dans la lettre que vous ne considérez pas vraiment cette œuvre comme une réussite. Je l’ai regardée, juste sur le papier jusqu’alors, mais je vous dis honnêtement: soit vous êtes trop stupide pour comprendre quelle pièce vous avez créée, soit tout cela n’est que pure comédie! Vous avez à nouveau produit un chef-d’œuvre! Mes plus vifs remerciements de me rendre si heureux.»

extrait des notes rédigées par Mervyn Cooke © 2013
Français: Marie-Stella Pâris

Britten komponierte für Rostropowitsch eine Trilogie von Suiten für Violoncello solo, die seltene und wertvolle Beispiele eines Genres darstellen, das von den Komponisten leider vernachlässigt worden ist, nachdem es in den Händen Bachs um 1720 herum den Höhepunkt der Perfektion erreicht hatte. Brittens kompositorischer Ausdruck in den Suiten bezieht sich in gewisser Weise auf die frühreifen und einfallsreichen Instrumentalwerke seiner Jugend—von den erstaunten Kritikern lediglich als „clever“ abgestempelt—als er sich in den 1930er Jahren erstmals einen Namen machte und bevor er sich hauptsächlich der Komposition von Opern und Vokalmusik zuwandte.

Das offensichtliche Vergnügen an technischer Virtuosität und das Erforschen der Kontraste zwischen Drama, Lyrik und Witz in den Suiten, sowie die sinnträchtigen Titel der einzelnen Charakterstücke, aus denen die Suiten jeweils bestehen, stellen alle eine direkte Verbindung zu Brittens frühen instrumentalen Schaustücken dar, wie etwa den Variationen über ein Thema von Frank Bridge. (Sein Einsatz von zuweilen extravaganten italienischen Tempobezeichnungen in den Suiten ist möglicherweise symptomatisch für den Genuss, mit dem er zur Instrumentalkomposition zurückkehrte, da er sie in seinen Vokalwerken zumeist vermied.) Brittens Oeuvre für Cello offenbart in seiner gewandten Andeutung einer harmonischen Dimension durch rein lineare Mittel den Einfluss J.S. Bachs, und in den Fugen, die in allen drei Suiten erklingen, gelingt es Britten sogar, die Illusion mehrerer, offenbar unabhängiger kontrapunktischer Stimmen zu erzeugen, indem er in einer einzelnen Melodielinie subtile Verschiebungen vornimmt. Trotz diesen interessanten technischen Experimenten sind Brittens musikalische Konzepte nie oberflächlich: die technischen Anforderungen an den Solisten sind stets untrennbar von wirklicher musikalischer Substanz, ähnlich wie in den Etüden Chopins oder in dem Wohltemperierten Klavier von Bach.

Die Suite Nr. 1 entstand im November und Dezember 1964 und war Brittens erstes großes Werk nach seiner Kirchenparabel Curlew River. Sie wurde erstmals am 27. Juni 1965 im Rahmen des Aldeburgh Festival aufgeführt. Wie so viele Werke Brittens, die in dieser Zeit entstanden, wird auch hier ein Ritornell-Thema (in diesem Falle mit dem Titel Canto) verwendet, um die einzelnen Abschnitte miteinander zu verbinden und einen äußeren Rahmen zu bilden. Die restliche Musik gliedert sich in sechs markante Sätze: eine geniale Fuga (Andante moderato), ein Lamento (Lento rubato), eine Serenata im Pizzicato (Allegretto; es ist dies eine Hommage an Debussy, dessen Cellosonate Britten zusammen mit Rostropowitsch im Jahre 1961 eingespielt hatte), eine Marcia (Alla marcia moderato), ein Bordone (Moderato quasi recitativo) sowie ein abschließendes Moto perpetuo (Presto), das sich mit dem letzten Erscheinen des Ritornells verbindet. Als Britten Rostropowitsch die Partitur schickte und bemerkte, dass er sich bei diesem Stück seiner Sache nicht ganz sicher sei, antwortete der Cellist im Januar 1965: „Lieber, Liebling, geliebtes Ben-Genie, die Überraschung, die ich hier in Paris über Marion [Harewood, Brittens Freundin, die ihm eine Kopie des Manuskript gebracht hatte] erhielt, machte mich ganz benommen!!!!!!!!!!!!!!!!! Du schreibst in Deinem Brief, dass Du das Werk als nicht besonders gelungen betrachtest. Ich habe es mir angesehen, bisher nur auf Papier, aber ich sage Dir ganz ehrlich: entweder bist Du zu dumm, um zu verstehen, was für ein Stück Du komponiert hast, oder es ist schlichte Verstellung! Du hast wieder einmal ein Meisterwerk geschrieben! Dir sei der größte Dank, dass Du mich so glücklich machst.“

aus dem Begleittext von Mervyn Cooke © 2013
Deutsch: Viola Scheffel

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