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Track(s) taken from CDA67551

String Quartet in A minor, Op 51 No 2

preliminary version circa 1865; published by Simrock in 1873; dedicated to Theodor Billroth, though probably written for Joseph Joachim

Takács Quartet
Recording details: May 2007
St George's, Brandon Hill, United Kingdom
Produced by Andrew Keener
Engineered by Simon Eadon
Release date: November 2007
Total duration: 33 minutes 10 seconds

Cover artwork: Swiss Landscape (detail) by Alexandre Calame (1810-1864)
Victoria & Albert Museum, London / Bridgeman Art Library, London

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'The Takács Quartet … reveal anew the extraordinarily imaginative way in which [String Quartet No 2 Op 51] begins, and breath air into the intricate textures which precede the vacillating second theme. There's an absolute unanimity to their playing … this latest reading [Piano Quintet] has fire and passion aplenty, and the recording places Hough pleasingly within the overall texture … there's a feeling of coming together of ideas, with these artists—masters of colour all of them—sparking off one another in a very unstudio-ish way. And throughout, Hough's virtuosity makes light of Brahms's unforgiving textures' (Gramophone)

'These new versions from Stephen Hough and the Takács Quartet strike me as even better, and in more modern sound … in both Quintet and Quartet the performers give bright, focused, alert, almost 'classical' readings, very different from the ponderous brown studies that marked Brahms performances of yesteryear … this is an altogether recommendable release' (BBC Music Magazine)

'I'm not a fan of thick-stringed, turgid Brahms; I like to hear the inner details. That's something these players offer: everything is audible, and balances are good. The Takács create lean transparent textures with a quick, light touch; and Hough (as usual) is light on the pedal, with translucent details. Movement I is fleet, movement II has excellent flow and transparency, movement III conveys a youthful rather than 'old before his time' Brahms, with an almost magical continuity into the trio; and in movement IV, after a moody introduction, the allegro is especially effective, with waltzing hemiolas and a finale that would put Queen Mab en pointe' (American Record Guide)

'This is the finest recording of Brahms's Piano Quintet since the electrifying Eschenbach/Amadeus version … Stephen Hough and the Takács Quartet push the music about as far as it can go … one senses from the start that [Hough] is really fired up and the Takács follow him every inch of the way with playing of beguiling tonal sophistication and thrilling intensity … this is an exceptional account of a truly exceptional masterwork … the Takács gently caress and cosset this extraordinary music with a glowing sensitivity and insight … highly recommended, especially to those who normally find Brahms a composer they admire rather than fall in love with' (International Record Review)

'Stephen Hough and the Takács know what they are doing, and they do the glorious work proud. The beautiful A minor quartet also gave me pleasure' (The Sunday Times)

'The Takács Quartet bring a huge sense of enjoyment to both the Piano Quintet and the String Quartet Op 51 No 2, and it's clear that this chamber music is being revelled in by its players as much as its listeners. Stephen Hough's playing—shiny-toned, conversational, intelligent, well-balanced—is a special delight' (Classic FM Magazine)

'This is music-making on a high plane' (Fanfare, USA)

'These elegant Brahms performances manage to elucidate the darker, more turbulent emotions of the composer while maintaining a sense of intimacy' (Audiophile Audition, USA)

'The first and last movements are serious essays in solid musical thought, with ideas clothed in solid harmonic dress. The inner ones are hardly less weighty, but serenely beautiful and energetically vigorous, respectively. The Takács Quartet and Stephen Hough are ideal interpreters, and the quartet's approach to the mellower—but equally rewarding—A minor work is likewise impressive' (Manchester Evening News)

''Definitive' is a dangerous word to use about any performance, especially when the work in question is the rich and repeatedly recorded Piano Quintet Op 34 by Brahms. But this eloquent, expansive and altogether thrilling account by the Takács Quartet and pianist Stephen Hough tempts a listener to invoke every superlative in the book. Both in its broad design and in its attentively wrought details, this is music making of a very high order. Phrasing is by turns lyrically wistful, swaggering and teasingly restrained. The Andante dies away mysteriously. The Scherzo strides off with almost frightening intensity. The final movement unfolds as a seamless, gripping narrative. A choice performance of the String Quartet Op 51, No 2, made sly, tender and muscular by the Takács, is a worthy companion piece' (San Francisco Chronicle)

'Stephen Hough's Brahmsian credentials were established relatively early in his recording career, with a scintillatingly brilliant, grandly heroic and refreshingly individual account of the B flat Concerto. A recording of the F minor Quintet with him and the Takács Quartet was predestined to be a 'must have'. And so it is. The integration of piano and strings, like the integration of the strings amongst themselves, is exemplary, textures are clear and monumental in equal measure. the rhythmic thrust, on the whole, is weighty but never stodgy, and the music never for a moment flags … the scherzo, with its combination of immensity, intimacy and vital physicality, gives us, as does the finale, the very essence of Brahms playing at its best' (Piano, Germany)
It was Brahms’s early biographer Max Kalbeck who first drew attention to the significance of the fact that the opening theme of the A minor String Quartet Op 51 No 2 was centred around the notes F–A–E—an apparent allusion to Joachim’s personal motto, ‘Frei, aber einsam’ (‘free, but lonely’). Those notes are followed by a rhythmically more strongly defined motif which is to become the focus of much attention during the movement’s central development section. The main theme itself has a ‘rocking’ accompaniment in triplet rhythm on the viola; and the viola is to resume that same rhythm as a background to the gently swaying second subject in the major (sempre mezza voce, grazioso ed animato is Brahms’s evocative performance direction). As for the little motif that follows Joachim’s motto, the seamless transition from development to recapitulation sees it smoothed out; and it is this smoother version that is subsequently used to launch the movement’s quicker coda.

Whether or not Brahms was consciously aware of it, the theme of the slow movement is essentially an inverted form of the opening Allegro’s second subject. The sonority in which the theme is first heard is of a leanness that might have appealed to Haydn. It has the melody entrusted to the first violin, while viola and cello accompany with a smoothly flowing line moving in parallel octaves. Following this two-stranded texture, the full quartet sound emerges only gradually. For his contrasting middle section Brahms again takes a leaf out of Schubert’s book, and writes a dramatic, agitated passage in the minor. But the outburst is short-lived, before the emergence of a resigned, warmly lyrical theme in the major. It is this new theme that will later be used to bring the piece to a gentle conclusion—but not before Brahms has presented a full-scale reprise of the opening theme in the ‘wrong’ key of F major. The false reprise, if such it is, is perhaps Brahms’s compensation for the fact that all four of the quartet’s movements are in the same tonality of A.

For his third movement, Brahms makes a nostalgic return to the world of the eighteenth-century minuet. But this is no straightforward minuet, and in place of a trio it has a delicate scherzo-like passage in a quicker tempo. It is, then, a dual-purpose piece of a kind more often found in Brahms’s three-movement works, where the centrepiece can function as slow movement and scherzo rolled into one—as it does in the Violin Sonata in A major Op 100 and the String Quintet in F major Op 88. In the A minor String Quartet the integration between the two opposing types of material is particularly subtle: the scherzo-like passage is briefly interrupted by a return to the tempo of the minuet—once again in the ‘wrong’ key; but rather than invoke the minuet’s actual theme, the intervention is based on the melodic outline of the scherzo.

The finale derives much of its tension from a metrical conflict between theme and accompaniment. The main subject gives the impression of being largely in duple metre, while its emphatic chordal accompaniment is in a firm triple time. The phrases of the theme’s second half, moreover, divide the 3/4 bar into two equal halves of one-and-half beats, so that the accompaniment, remaining very much on the beat, sounds more dislocated than ever. The conflict is resolved towards the end of the piece, where the theme is transmuted into a gentle, albeit syncopated, waltz in the major. But in the end Brahms will have none of such whimsy, and the music turns back to the minor, and hurtles inexorably towards an accelerated conclusion.

from notes by Misha Donat © 2007

Max Kalbeck, l’un des premiers biographes de Brahms, souligna l’importance du fait que le thème d’ouverture du Quatuor en la mineur, op. 51 no 2 soit centré autour des notes fa-la-mi [F-A-E], allusion évidente à la devise de Joachim, «Frei, aber einsam» («Libre, mais seul»). Ces notes sont suivies d’un motif rythmiquement plus défini, qui va focaliser une bonne partie de l’attention durant la section de développement centrale du mouvement. Le thème principal même a un accompagnement «berçant» en rythme de triolets, à l’alto—rythme que le même alto reprendra, en fond, pour le second sujet doucement ondoyant, en majeur (sempre mezza voce, grazioso ed animato, telle est l’évocatrice indication pour l’exécution donnée par Brahms). Quant au petit motif qui suit la devise de Joachim, il est lissé dans la transition sans à-coups entre le développement et la réexposition; et c’est cette version lénifiée qui sert ensuite de tremplin à la coda plus rapide du mouvement.

Que Brahms en fût ou non conscient, le thème du mouvement lent est fondamentalement une forme renversée du second sujet de l’Allegro initial. La sonorité dans laquelle ce thème apparaît pour la première fois est d’une ténuité qui n’aurait peut-être pas déplu à Haydn. La mélodie est confiée au premier violon, tandis que l’alto et le violoncelle l’accompagnent avec une ligne au flux régulier évoluant en octaves parallèles. Suivant cette texture à deux brins, le plein son du quatuor émerge seulement à petits pas. Pour sa section centrale contrastée, Brahms prend encore modèle sur Schubert pour écrire un passage dramatique, agité, en mineur. Mais cette explosion ne fait pas long feu et un thème émerge bientôt, résigné, chaleureusement lyrique, en majeur. C’est ce nouveau thème qui servira à conclure la pièce en douceur—mais pas avant que Brahms ait présenté une reprise à grande échelle du thème d’ouverture dans la «fausse» tonalité de fa majeur. Cette fausse reprise, si c’est bien ce qu’elle est, est peut-être pour lui une manière de compenser le fait que chacun des quatre mouvements de son quatuor est dans la même tonalité.

Pour son troisième mouvement, Brahms fait un retour nostalgique au menuet du XVIIIe siècle. Mais ce n’est pas là un menuet simple, car le trio est remplacé par un délicat passage en manière de scherzo, dans un tempo accéléré. C’est, alors, une pièce à double fonction, de celles qu’on rencontre surtout dans les œuvres brahmsiennes en trois mouvements, où la partie centrale peut fonctionner comme un mouvement lent et un scherzo roulés en un—à l’image de ce qui se passe dans la Sonate pour violon en la majeur, op. 100 et dans le Quintette à cordes en fa majeur, op. 88. Dans le présent quatuor, l’intégration entre les deux types de matériau opposés est particulièrement subtile: le passage en manière de scherzo est brièvement interrompu par un retour au tempo du menuet (de nouveau dans la fausse tonalité); mais plutôt que d’évoquer le thème du menuet, l’intervention repose sur le contour mélodique du scherzo.

Le finale tire l’essentiel de sa tension d’un conflit métrique entre le thème et l’accompagnement. Le sujet principal donne l’impression d’être largement en mètre binaire, tandis que son vigoureux accompagnement en accords est dans une solide mesure ternaire. Au surplus, les phrases de la seconde moitié du thème scindent la mesure à 3/4 en deux portions égales d’un temps et demi, si bien que l’accompagnement, qui reste essentiellement sur le temps, semble plus disloqué que jamais. Ce conflit est résolu vers la fin, quand le thème est transmué en une valse douce, quoique syncopée, en majeur. Mais Brahms finit par cesser ce genre de foucades: la musique revient au mineur et file inexorablement, à tombeau ouvert, vers une conclusion accélérée.

extrait des notes rédigées par Misha Donat © 2007
Français: Hypérion

Als erster wies Brahms’ früher Biograf Max Kalbeck auf den Umstand hin, dass das Anfangsthema des Quartetts in a-Moll op. 51, Nr. 2 um die Noten F-A-E kreist—eine deutliche Bezugnahme auf Joachims persönliches Motto „Frei, aber einsam“. Diese Noten werden von einem rhythmisch stärker artikulierten Motiv gefolgt, das im zentralen Durchführungsabschnitt des Satzes ins Zentrum der Aufmerksamkeit rücken soll. Das Hauptthema selber hat eine „schaukelnde“ Bratschenbegleitung im Triolenrhythmus. Jene Bratsche nimmt den Rhythmus auch wieder als Hintergrund zu dem in Dur gehaltenen, sanft hin und her schwankenden zweiten Thema auf (sempre mezza voce, grazioso ed animato lautet Brahms’ bildhafter Aufführungshinweis). Das kleine, auf Joachims Motto folgende Motiv wiederum wird in der Überleitung von der Durchführung zur Reprise geglättet, und in dieser geglätteten Fassung dient es schließlich zur Zündung der schnelleren Satzkoda.

Unabhängig davon, ob sich nun Brahms der Tatsache bewusst war oder nicht, erweist sich das Thema des langsamen Satzes im Wesentlichen als eine umgekehrte Form des zweiten Themas aus dem einleitenden Allegro. Der Klang beim ersten Auftritt des Themas ist so schlank, dass er Haydn gefallen hätte. Die Themenmelodie wird der ersten Violine anvertraut, während die Bratsche und das Violoncello mit einer geschmeidig fließenden, sich in Oktavparallelen bewegenden Linie begleiten. Nach dieser zweigleisigen Textur schält sich der volle Quartettklang nur allmählich heraus. Für seinen kontrastierenden Mittelteil nimmt Brahms wieder bei Schubert Anleihe und schreibt eine dramatische, aufgeregte Passage in Moll. Aber der Ausbruch ist nur kurzlebig. Ihm schließt sich ein ergebenes, warm lyrisches Thema in Dur an. Dieses neue Thema wird später herangezogen, um das Werk zu einem sanften Abschluss zu bringen—das geschieht aber erst, nachdem Brahms eine vollständige Reprise des Anfangsthemas in der „falschen“ Tonart F-Dur abgewickelt hat. Die falsche Reprise, falls man sie überhaupt so bezeichnen kann, ist womöglich Brahms’ Ausgleich für den Umstand, dass alle vier Quartsätze in der gleichen Tonart, A-Dur, stehen.

Für seinen dritten Satz kehrt Brahms nostalgisch zurück zur Welt des Menuetts im 18. Jahrhundert. Das ist allerdings kein gewöhnliches Menuett, und anstelle eines Trios erklingt eine delikate scherzoartige Passage in einem schnelleren Tempo. Es ist also ein Mehrzweckstück von der Art, die man häufiger in Brahms’ dreisätzigen Werken findet, wo der Mittelsatz sowohl die Funktion eines langsamen Satzes als auch eines Scherzos übernehmen kann—wie zum Beispiel in der Violinsonate in A-Dur op. 100 und im Streichquintett in F-Dur op. 88. Im a-Moll-Streichquartett ist die Integration zwischen den zwei gegensätzlichen Materialtypen besonders geschickt: die scherzoartige Passage wird kurz von einer Rückkehr zum Menuetttempo unterbrochen—wiederum in der „falschen“ Tonart. Anstatt aber das eigentliche Menuettthema zu beschwören, beruht die Unterbrechung auf den melodischen Grundzügen des Scherzos.

Der Schlusssatz gewinnt den Großteil seiner Spannung aus dem metrischen Konflikt zwischen Thema und Begleitung. Das Hauptthema hinterlässt den Eindruck, als herrsche hier hauptsächlich ein Zweiertakt, während seine emphatische Akkordbegleitung in einem strengen Dreiertakt steht. Die musikalischen Phrasen der zweiten Themenhälfte unterteilen zudem den 3/4-Takt in zwei gleiche Hälften aus eineinhalb Schlägen, so dass die Begleitung, die sich sehr stark an den Schlag hält, noch deplatzierter als zuvor klingt. Der Konflikt wird gegen Ende des Stückes gelöst, wo das Thema eine Verwandlung in einen sanften, wenn auch synkopierten Walzer in Dur erfährt. Aber am Schluss mag Brahms solche Launenhaftigkeit nicht, und die Musik kehrt nach Moll zurück, wo sie unerbittlich einem beschleunigten Ausklang entgegenrast.

aus dem Begleittext von Misha Donat © 2007
Deutsch: Elke Hockings

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