Pizzetti’s Rondò veneziano for orchestra, conceived entirely for the concert hall from the beginning—although later performed as a ballet with the composer conducting—was written in 1929, soon after Toscanini had conducted the premiere in New York of Pizzetti’s Concerto dell’estate for orchestra. Toscanini also gave the New York premiere of the Rondò veneziano, in February 1930. The Rondò veneziano is dedicated ‘to Bruno’ (the composer’s eldest son) and is a single-movement Venetian impression which, broadly speaking, falls into three parts, making it a study not unlike that of a sonata rondo. Throughout this score, Pizzetti’s mastery of orchestral colour, tonal and melodic organization, and of contrasting elements maintained within an untroubled—even consistently light-hearted—character, comes into play for the first time in his music in a concert work.

The result is a highly accomplished piece which begins, almost impressionistically, in a relaxed frame of mind, Andante abbandonato, with a fluid string texture in D minor against which a languorous theme is heard on flutes and bassoons. This is restated in various guises before a brief idea on solo horn leads to the first dance—an extended Sarabande, marked Molto sostenuto. The key is E minor, with a contrasting third section in F, and is based on two themes, both heard initially on violas—the first solely on the violas, the second combined with horns. These themes initially appear very different (although the second is derived from the first), but are wholly redolent of the stateliness of this old dance form. They are developed, first in an archaic texture of solo violin, harpsichord and strings and, secondly, Torbido e agitato, by larger forces, before both sarabande themes are restated by the full orchestra. This subsides, and the opening rondo theme is recalled, leading to the second main part of the work, Largo, which is dominated by a new theme on solo cello, later combined with florid solo violin melismata. A superbly controlled accelerando leads to a recapitulation of the rondo theme, for the first time in full orchestra, luxuriantly scored.

The final section, Allegro, movimento di Forlana in 6/8, is another stylization of an old dance. This is in three unequal parts, the third of which marks a big climax which gradually dies down to reveal the connection between the Forlane theme and that of the Rondo. A brief coda ends the work quietly in G major—subtly revealing also that the preponderant D minor has been the dominant all along.

from notes by Robert Matthew-Walker ©

Le Rondò veneziano pour orchestre de Pizzetti, conçu d’emblée pour la salle de concerts—mais ultérieurement interprété sous forme de ballet, sous la baguette du compositeur—fut écrit en 1929, peu après que Toscanini eut dirigé la première, à New York, du Concerto dell’estate pour orchestre. Ce même chef assura la première new-yorkaise du Rondò veneziano, en février 1930. Dédié «à Bruno» (fils aîné de Pizzetti), le Rondò veneziano est une impression vénitienne en un mouvement découpé grosso modo en trois parties, ce qui en fait une étude un peu similaire à celle d’un rondo de sonate. Tout au long de cette partition, la maîtrise pizzettienne de la couleur orchestrale, de l’organisation tonalo-mélodique et d’éléments opposés maintenus au sein d’une atmosphère sereine—voire constamment enjouée—apparaît pour la première fois dans une œuvre de concert du compositeur.

D’où une musique fort accomplie, qui débute, de manière quasi impressionniste, dans une tournure d’esprit détendue, Andante abbandonato, avec une fluide texture de cordes en ré mineur sise contre un thème langoureux entendu aux flûtes et aux bassons. Ce thème est réénoncé sous divers dehors, puis une brève idée (cor solo) conduit à la première danse—une Sarabande prolongée, marquée Molto sostenuto. Écrite en mi mineur, avec une troisième section contrastante, en fa, elle repose sur deux thèmes joués initialement aux altos—le premier par les altos seuls, le second par une combinaison altos/cors. Ces thèmes semblent d’emblée fort différents (quoique le second dérive du premier), mais n’en rappellent pas moins la majesté de cette vieille danse. Ils sont développés d’abord dans une archaïque texture de violon solo/ clavecin/cordes, puis, Torbido e agitato, par des forces plus imposantes, avant d’être réénoncés par le grand orchestre. Le thème de rondo initial est ensuite repris, qui conduit à la deuxième grande partie (Largo), dominée par un nouveau thème au violoncelle solo, ultérieurement combiné à des mélismes ornés (violon solo). Un accelerando superbement maîtrisé mène à une réexposition du thème de rondo, exécuté pour la première fois par le grand orchestre, à l’instrumentation luxuriante.

La section finale, Allegro, movimento di Forlana, à 6/8, est une autre stylisation d’une danse ancienne, dotée de trois parties inégales—la troisième marquant un grand apogée qui va en mourant pour révéler le lien entre le thème de la Forlane et celui du Rondo. Une brève coda clôt paisiblement l’œuvre en sol majeur—dévoilant avec subtilité que le ré mineur, prépondérant, n’a cessé d’être la dominante.

extrait des notes rédigées par Robert Matthew-Walker © 1999
Français: Hypérion

Pizzettis Rondò veneziano für Orchester, das von Anfang an für den Konzertsaal gedacht war—auch wenn es später unter der musikalischen Leitung des Komponisten als Ballett aufgeführt wurde—entstand 1929, bald nachdem Toscanini in New York die Premiere von Pizzettis Concerto dell’estate für Orchester dirigiert hatte. Toscanini besorgte auch die New Yorker Uraufführung des Rondò veneziano im Februar 1930. Das Stück ist Bruno gewidmet, dem ältesten Sohn des Komponisten, und ist eine einsätzige venezianische Impression, die grob gesagt in drei Teile zerfällt und dadurch gewisse Ähnlichkeiten mit einem Sonatenrondo hat. Das ganze Stück hindurch kommt Pizzettis meisterhafter Umgang mit Orchesterklängen, mit tonalen und melodischen Ordnungsprinzipien und mit kontrastierenden Elementen innerhalb einer sorglosen, ja durchgehend gut gelaunten Atmosphäre zum ersten Mal in einem konzertanten Werk zur Geltung.

Das Ergebnis ist ein höchst kunstfertiges Stück, das beinahe impressionistisch in entspannter Gemütslage Andante abbandonato beginnt, mit einem fließenden Streichergefüge in d-Moll, gegen das ein mattes Thema auf Flöten und Fagotten gesetzt ist. Dieses Thema wird in unterschiedlicher Gestalt mehrfach wiederholt, ehe eine kurze Idee auf dem Solohorn zum ersten Tanz überleitet—einer erweiterten Sarabande mit der Bezeichnung Molto sostenuto. Die Grundtonart ist e-Moll, mit einem davon abgehobenen dritten Teil in F. Die Sarabande stützt sich auf zwei Themen—die beide erst einmal von den Bratschen zu Gehör gebracht werden und zunächst einen sehr unterschiedlichen Eindruck machen (obwohl das zweite aus dem ersten abgeleitet ist). Dennoch fügen sich beide ganz und gar in die Getragenheit dieser alten Tanzform ein. Sie werden zunächst in einem archaischen Gefüge aus Solovioline, Cembalo und Streichern durchgeführt, dann Torbido e agitato in umfangreicherer Besetzung. Danach erfolgt die Wiederholung beider Themen der Sarabande durch das ganze Orchester. Sie klingt aus und es wird an das einleitende Rondothema erinnert, woraufhin der zweite Hauptteil des Werkes beginnt. In diesem Abschnitt, einem Largo, dominiert ein neues Thema auf dem Solocello, das später mit verschlungenen Melismen der Solovioline verbunden wird. Ein wunderbar beherrschtes Accelerando führt zu einer Reprise des Rondothemas, das üppig instrumentiert zum ersten Mal vom gesamten Orchester dargebracht wird.

Das abschließende Allegro, movimento di Forlana im 6/8-Takt ist eine weitere Stilisierung eines alten Tanzes. Es besteht aus drei ungleich langen Abschnitten, und der dritte ist durch einen großen Höhepunkt gekennzeichnet, der allmählich erstirbt, nur um den Zusammenhang zwischen dem Thema der Forlana und dem des Rondos zu offenbaren. Eine kurze Coda läßt das Werk ruhig in G-Dur enden—wodurch geschickt klargestellt wird, daß das vorherrschende d-Moll von Anfang an nur die Dominante gewesen ist.

aus dem Begleittext von Robert Matthew-Walker © 1999
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller

Il Rondò veneziano per orchestra di Pizzetti, sin dall’inizio interamente concepito per le sale dei concerti—sebbene in una fase successiva fu eseguito con un balletto mentre il compositore conduceva—fu scritto nel 1929, dopo la prima dell’opera di Pizzetti Concerto dell’estate eseguita da Toscanini a New York. Toscanini eseguí anche la prima del Rondò veneziano a New Yok, nel febbraio del 1930. Il Rondò veneziano è dedicato «A Bruno» (il figlio maggiore del compositore), costituito di un movimento singolo d’impressione veneziana il quale, genericamente parlando, si divide in tre parti, rendendo uno studio non dissimile da una sonata rondò. In tutto questo spartito, la maestria di Pizzetti nel rendimento del colore orchestrale, dell’organizzazione tonale e melodica, e, degli elementi contrastanti, tenuti insieme all’interno di un personaggio aproblematico—persino gaio—vengono alla luce per la prima volta nella sua musica in un lavoro destinato ad una sala di concerto.

Il risultato è quello di un brano musicale di notevole qualità che inizia, quasi impressionisticamente, con una predisposizione rilassata, Andante abbandonato, con un consistenza fluida di strumenti a corda in re minore rispetto ai quali un tema languido viene eseguito con flauti e fagotti. Questo viene ripetuto in varie modalità prima di un’idea breve di un assolo di corno che conduce alla prima danza—una versione più lunga di Sarabanda, denominata Molto sostenuto. La chiave è in mi minore, con una terza sezione contrastante in fa, e si basa su due temi—entrambi ascoltati inizialmente con le viole; il primo interamente trattato in questa sezione, il secondo combinato con i corni. Inizialmente questi temi sembrano essere molto differenti (sebbene il secondo derivi dal primo), ma completamente inebriati dalla imponenza di questa antica forma di danza. Questi temi vengono sviluppati dapprima con una consistenza musicale arcaica di assolo di violino, clavicembalo e strumenti a corda e, successivamente, in un movimento Torbido e agitato, con forze più grandi, prima che entrambi i temi della sarabanda vengano rieseguiti con intensità dall’intera orchestra. Tutto ciò si placa, ed il tema di apertura rondò viene ripreso, conducendo alla seconda parte principale dell’opera, Largo, dominata da un nuovo tema con assolo di violoncello, successivamente combinato con una melismata di assolo di violino. Un accelerando controllato superbamente conduce ad un ricapitolamento del tema rondò, per la prima volta con l’orchestra completa, eseguito in modo lussureggiante.

La sezione finale, Allegro, movimento di Forlana in 6/8, è un’altra stilizzazione di una vecchia forma di danza. Questa si svolge in tre parti non uguali, la terza si distingue con un grande momento emozionante che gradualmente decresce e rivela la connessione tra il tema di Forlana e quello del Rondo. Una coda breve termina l’opera quietamente in sol maggiore—rivelando sottilmente anche che la preponderante re minore ha dominato per tutta la durata dell’opera.

Robert Matthew-Walker © 1999
Italiano: Atlas Translations