The Piano Quintet in G minor was composed in 1940, following extensive work on two large-scale projects – the Sixth Symphony Op 54 and the re-orchestration of Mussorgsky’s Boris Godunov Op 58. The Quintet was first performed on 23 November 1940 by the Beethoven Quartet and Shostakovich himself. The composition was awarded a Stalin Prize of 100,000 roubles. A glance at the list of movements might lead one to imagine that this is a neoclassical work, but its direct emotional power and thematic integration place it on altogether a higher level than mere pastiche. The piano begins the Quintet, lento, with a solo packed with a tiny three-note cell that can be traced all through the work – this is nothing more than the first three notes of the tonic minor scale. The tone colour of the first entry of the strings is also noteworthy, for it is the cello that is heard above the other instruments. A full close leads to the poco più mosso in 3/8, beginning as a duo for piano and viola. As the other instruments gradually join in, a crescendo leads to the concluding section, lento. In the closing bars G major is touched upon, but is not firmly established as a new region in its own right.

The second movement is a four-voiced fugue beginning with a strict exposition by the muted strings in this order: violin I, violin II, cello, viola. The subject’s answer is tonal, and the fugue continues with the entry of the piano, which almost paradoxically reduces the texture to two lines, reverting to four later. Towards the end of the fugue G major is again tentatively established, but this time by its first inversion – which has B as the root. This subtle point leads directly to the B major tonality of the central movement, the whirlwind Scherzo. This is the first occasion all five instruments have played together for an extended passage in the Quintet, and the central (in classical procedure, the trio) section begins as a danse macabre from first violin, taken up by the piano in high octaves. A reprise of the scherzo leads to a breathless coda.

The Intermezzo is cool and relaxed, with unhurried and essentially single-line music over a gentle walking bass. This builds into a fine and impassioned climax which dies away, finally leaving Ds separated by six octaves. At last, the deep tonal plan of this masterpiece becomes clear: D both completes the major triadic endings of the movements (G, B and now D), implying the final major mode, and is also the classical dominant of G, in which major key the Finale follows, attacca, stealing in with a gentle piano theme, itself having grown thematically from the intial germinal ideas. As the movement progresses, other ideas are recalled, and the music now smiles rather than laughs until, in the closing bars, the Quintet ends gently but swiftly in a complaisant G major.

from notes by Robert Matthew-Walker © 2004

Le Quintette pour piano et cordes en sol mineur fut composé en 1940, suite à un travail intensif sur deux projets de grande envergure, la Sixième symphonie op. 54 et la nouvelle orchestration du Boris Godunov op. 58 de Moussorgski. Le quintette est exécuté pour la première fois en public le 23 novembre 1940 par le Quatuor Beethoven et Chostakovitch lui-même. La composition reçoit le Prix Staline de 100,000 roubles. Un premier coup d’œil donne à la liste des mouvements peut donner l’impression d’une œuvre néoclassique, mais cette impression est trompeuse. La puissance émotionnelle directe et l’intégration thématique de la pièce la situent bien au-delà du simple pastiche. Le piano ouvre le quintette dans un mouvement marqué lento, par un solo ponctué de petites cellules de trois notes que l’on retrouve dans toute l’œuvre. Ces trois petites notes ne sont autres que les trois premiers degrés de la gamme dans la tonique mineure. Le timbre de l’entrée aux cordes est aussi assez remarquable, car c’est le violoncelle que l’on entend par dessus les autres instruments. La conclusion nous mène au poco più mosso en 3/8, qui commence comme un duo pour piano et alto. Alors que les autres instruments se joignent au duo, un crescendo mène à la section finale, lento. Dans les dernières mesures, le compositeur effleure le sol majeur mais sans jamais l’établir de son plein droit.

Le deuxième mouvement est une fugue à quatre voix qui commence par une exposition stricte aux cordes en sourdine, dans cet ordre: violon I, violon II, violoncelle, alto. La réponse du sujet est tonale et la fugue se poursuit avec l’entrée du piano qui, presque paradoxalement, réduit la texture à deux lignes pour revenir à quatre lignes ultérieurement. Vers la fin de la fugue, le sol majeur est de nouveau timidement rétabli, cette fois dans sa première inversion, avec le si à sa racine. Ce point subtil mène directement à la tonalité de si majeur dans le scherzo tourbillonnant du mouvement central. Pour la première fois, les cinq instruments jouent un long passage ensemble, et la section centrale (à la manière classique, représentée par le trio) entame une danse macabre au premier violon, empruntée par le piano aux octaves supérieures. La reprise du scherzo mène à une coda haletante.

L’Intermezzo est calme et détendu. Le mouvement prend son temps, marqué par une ligne unique de musique sur une basse douce et régulière. L’ensemble progresse vers un sommet subtil et exalté qui se termine en mourant, sur des ré que séparent six octaves. Enfin, le plan tonal profond de ce chef d’œuvre devient plus clair: le ré complète la conclusion triadique des mouvements (sol, si et maintenant ré), suggérant le mode majeur final. Mais il s’agit aussi de la dominante classique de sol, tonalité majeure du finale. Il entre en scène par un thème très doux au piano, thème marqué lui-même par une évolution depuis ses idées d’origine. Alors que le mouvement progresse, d’autres idées sont rappelées, et la musique sourit, à défaut de rire, dans les mesures finales, jusqu’à ce que le quintette ne s’envole rapidement sur une tonalité complaisante de sol majeur.

extrait des notes rédigées par Robert Matthew-Walker © 2004
Français: Marie Luccheta

Das Klavierquintett in g-Moll wurde 1940 nach umfangreichen Arbeiten an zwei großen Projekten komponiert – die 6. Sinfonie, op. 54 und die neuerliche Orchestrierung von Mussorgskys Boris Godunow, op. 58. Das Quintett erlebte am 23. November 1940 seine Uraufführung durch das Beethoven-Quartett und Schostakowitsch selber. Die Komposition wurde mit dem Stalin-Preis geehrt, der mit 100 000 Rubel dotiert war. Ein Blick auf die Auflistung der Sätze mag den Eindruck erwecken, es handle sich hier um ein neoklassisch-konventionelles Werk, aber seine direkte emotionale Kraft und thematische Integration heben es auf eine ganz andere Ebene als nur ein Pastiche. Das Klavier leitet das Quintett, Lento, mit einem Solo voller winziger Zellen aus drei Noten ein, denen man im Verlauf des ganzen Werkes immer wieder begegnet – sie sind nichts anderes als die ersten drei Noten der auf der Tonika beginnenden Molltonleiter. Auch die Klangfarbe des ersten Streichereinsatzes ist bemerkenswert, weil man das Violoncello vor den anderen Instrumenten hören kann. Eine vollständige Kadenz führt zum Poco più mosso im 3/8-Takt, das wie ein Duett für Klavier und Bratsche beginnt. Mit dem gestaffelten Einsatz der anderen Instrumente leitet ein Crescendo zum abschließenden Abschnitt, Lento, über. In den letzten Takten wird G-Dur berührt, aber nicht eindeutig als eigenständige neue Tonart bestätigt.

Der zweite Satz ist eine vierstimmige Fuge, die mit einer strengen Exposition beginnt, in der die sordinierten Streicher in der folgenden Reihefolge einsetzen: I. Violine, II. Violine, Violoncello und Viola. Die Beantwortung des Themas ist tonal. Dann fährt die Fuge mit dem Einsatz des Klaviers fort, das auf fast paradoxe Weise den Stimmsatz zur Zweistimmigkeit reduziert und erst später zur Vierstimmigkeit zurückkehrt. Gegen Ende der Fuge wird wiederum G-Dur wage eingeführt, aber diesmal in Form seiner ersten Umkehrung – wo H den Grundton bildet. Dieser feine Kunstgriff führt direkt zur Tonart H-Dur des Mittelsatzes: das stürmische Scherzo. Hier spielen zum ersten Mal im Quintett alle fünf Instrumente eine längere Passage zusammen. Der mittlere Abschnitt (konventionell käme hier ein Trio) beginnt in der ersten Violine als ein Danse macabre, der vom Klavier in hohen Oktaven übernommen wird. Eine Reprise des Scherzos führt zu einer atemlosen Coda.

Das Intermezzo ist kühl und entspannt mit einer ruhigen, im Wesentlichen einstimmigen Musik über einen gemächlich fortschreitenden Bass. Das entwickelt sich zu einem feinen und leidenschaftlichen Höhepunkt, der verklingt, bis schließlich nur die Note D auf sechs Oktaven verteilt übrig bleibt. Endlich entpuppt sich das zugrunde liegende Tonartenschema dieses Meisterwerkes: D war in allen aus Durakkorden bestehenden Satzschlüssen (G, H und jetzt D) enthalten und lässt vermuten, das das Werk auch als Ganzes in Dur enden wird. D ist aber auch die klassische Dominante von G, in dessen Dur-Variante der Schlusssatz attacca folgt. Dieser Satz schleicht sich mit einem zarten Klavierthema ein, das selber thematisch aus den anfänglichen Grundgedanken erwachsen ist. Im Verlauf des Satzes werden auch andere musikalische Motive in Erinnerung gerufen. Die Musik lächelt nun eher, als das sie lacht, bis in den abschließenden Takten das Quintett sanft und doch geschwind in einem gefälligen G-Dur endet.

aus dem Begleittext von Robert Matthew-Walker © 2004
Deutsch: Elke Hockings