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Track(s) taken from CDA67449

Lux aeterna

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Polyphony, Britten Sinfonia, Stephen Layton (conductor)
Recording details: April 2004
St Jude-on-the-Hill, Hampstead Garden Suburb, London, United Kingdom
Produced by Mark Brown
Engineered by Julian Millard
Release date: March 2005
Total duration: 26 minutes 28 seconds

Cover artwork: Why Seek Ye the Living Among the Dead? (1905) by Howard Pyle (1853-1911)
American Illustrators Gallery, NYC / Bridgeman Art Library, London


'Exquisitely sung by Polyphony with strong support from the Britten Sinfonia under Stephen Layton' (The Observer)

'The music has freshness and an affecting emotional pull to it that explains its popularity with singers and audiences across the pond. Stephen Layton's Polyphony, whose recent recordings of Pärt, Tavener and others have been revelations of choral singing, brings a comparable firmness, tonal opulence and refinement to this new repertoire, which will undoubtedly gain new admirers as a result' (The Daily Telegraph)

'Conventional choral wisdom suggests that the American Morten Lauridsen is a one-work wonder and certainly O magnum mysterium is wonderful, with vocal lines that arch out like fan vaulting. With this new recording Stephen Layton and Hyperion are clearly out to prove that Lauridsen's gifts are not just for Christmas but for all seasons too … now the jury is back: the choir and Layton have acquitted Morten Lauridsen. Here's a three-, perhaps four-work wonder!' (International Record Review)

'Layton and company have here produced the finest I've heard among several excellent collections of Lauridsen's work. None are quite as exquisitely nuanced or sung with such glowing vocal sheen as this. Clear and shimmering sound, plus Hyperion's usual complete and user-friendly booklet, make it all the more attractive. No committed choral fan or singer will ever regret letting Lauridsen into his life' (American Record Guide)

'Stephen Layton's feel for the inner line and structure melts the heart, as does the impeccable, unforced singing of Polyphony. Their music-making remains in heavenly realms throughout the virtuoso Madrigali: pure choral gold' (Classic FM Magazine)

'Every one of the works on this mesmerising Hyperion release is deliciously lyrical and harmonically sumptuous, but spiced with delicate dissonances that are Lauridsen's signature … every performance here is delivered with liquid perfection' (The Scotsman)

'It's not often I have to brush away the tears when I'm reviewing a recording, but I will happily confess that on this occasion Lauridsen got me again and again. I can't give this disc a higher recommendation than that. Run out and buy it as soon as you can' (Fanfare, USA)

'Above all, these performances by Stephen Layton's Polyphony are breathtakingly beautiful, powerfully expressive without trace of forced sentimentality. Hyperion's Disc of the Month for March should become one of the year's classical hits' (Music Week)

'A flawless, perfectly balanced performance from the British choral group Polyphony, directed by the gifted Stephen Layton, and ably assisted by the Britten Sinfonia. If you love choral music, if you appreciate compositions that lift you from the mundane, you should not miss Lux aeterna' (St Louis-Post Dispatch)

'This Hyperion release is superb and the disc is a must. I hope you enjoy it as much as I have' (Classical Music Web)

'This is compelling and challenging music that deserves wider performance. The world-class ensemble Polyphony has made many first-rate recordings, and this is another—and it will be an immediate acquisition for this composer's growing legions of fans … if you love choral music, Lauridsen's work is required listening' (Classics Today)

'The sound is very clean, very focused and detailed, and has remarkable sound-stage depth … the bottom line is, if you aren't familiar with Lux aeterna, your life is the poorer for it. You do need a recording of it' (Stereophile)
Lauridsen had pondered the creation of his Lux aeterna for chorus and orchestra for an extended period before the work began to crystallize in 1995. In an uncanny parallel with both Brahms and Fauré, the composition of Lux aeterna was given an added impetus and poignancy when Lauridsen’s mother died as he began to notate his initial ideas for the score. Written especially for the distinguished conductor Paul Salamunovich and the Los Angeles Master Chorale, Lux aeterna enjoyed a highly successful premiere on 13 April 1997, and has subsequently been performed by countless choral ensembles.

Like Fauré’s Requiem, Lux aeterna is suffused by warmth and consolation; the composer has written that this is an ‘intimate work of quiet serenity’ that expresses ‘hope, reassurance, faith and illumination in all of its manifestations’. Unlike Fauré, however, Lauridsen did not set out to compose a liturgical work, but rather collated texts from a variety of sacred Latin sources. Unified by an emphasis upon heavenly light, Lux aeterna opens and concludes with lines from the Requiem Mass, while the three central movements are drawn from the Te Deum (with a single line interpolated from the Beatus vir, Psalm 111: 4), O nata lux and Veni, Sancte Spiritus. As London Times critic Hilary Finch has noted, Lux aeterna is a ‘classic of new American choral writing. In this light-filled continuum of sacred texts, old world structures and new world spirit intertwine in a cunningly written score, at once sensuous and spare.’

Cast as five movements performed without pause, Lux aeterna is organized as an extended motet, for each new portion of the text calls forth a different musical response. Strands of complex counterpoint, including a multiplicity of canons and double canons, are interlaced to create the sonorous equivalent of supernal light. In a manner that hearkens back to Dunstable and Taverner, these polyphonic passages are contrasted with sections reminiscent of the homophonic fauxbourdon beloved by Renaissance composers. Lauridsen unifies Lux aeterna in part through a single recurring chord – comprising a D major triad with an added note, E – that becomes a harmonic symbol of the luminous. Just as Palestrina and Victoria vary the disposition of triads in their motets to ensure variety of colour and texture, so Lauridsen constantly reconstitutes this basic luminous sonority, producing an effect at once unified and kaleidoscopic.

Throughout the opening movement of Lux aeterna, the composer creates the effect of musical chiaroscuro by deepening the predominant mood of inner poise and grace with touches of solemnity and inwardness. In the second section of the score, In te, Domine, speravi, the solemn chorale Herzliebster Jesu (from the Nuremberg Songbook of 1677) is introduced as a cantus firmus that underpins the musical discourse as it flows above. This severe chorale casts a shadow over the music that is dispelled by succeeding movement, the radiant O nata lux for a cappella chorus, the text of which is a hymn originally sung during Lauds on the Feast of the Transfiguration. The incandescence of the succeeding section, the hymn Veni, Sancte Spiritus, traditionally chanted at Pentecost Matins, dims gradually into a gentle Agnus Dei that is an introspective prayer for peace. The ecstatic ‘alleluias’ that follow express a joyous sense of acceptance reminiscent of the final words of Thornton Wilder’s novel, The Bridge of San Luis Rey: ‘All those impulses of love return to the love that made them … there is a land of the living and a land of the dead and the bridge is love, the only survival, the only meaning.’

from notes by Byron Adams © 2005

Lauridsen a mûrement réfléchi à la création de son Lux aeterna pour chœur et orchestre avant que l’œuvre ne commence de se cristalliser en 1995. Troublant parallèle avec Brahms et Fauré, l’écriture de Lux aeterna se trouva relancée, avec une émotion plus poignante, lorsque le compositeur perdit sa mère – il entreprit alors de noter ses premières idées pour la partition. Composée spécialement pour l’éminent chef d’orchestre Paul Salamunovich et la Los Angeles Master Chorale, cette œuvre rencontra un très vif succès lors de sa création, le 13 avril 1997, avant d’être reprise par d’innombrables ensembles choraux.

Comme le Requiem de Fauré, Lux aeterna baigne dans la chaleur et la consolation; de l’aveu même du compositeur, il s’agit d’une «œuvre intime, à la sérénité paisible» qui exprime «l’espérance, le réconfort, la foi et l’illumination dans toutes ses manifestations». Au rebours de Fauré, toutefois, Lauridsen ne se lança pas dans la composition d’une œuvre liturgique, préférant utiliser des textes colligés dans diverses sources latines sacrées. Unifié par l’accent mis sur la lumière céleste, Lux aeterna s’ouvre et se ferme sur des versets de la messe de requiem, cependant que les trois mouvements centraux sont extraits du Te Deum (avec interpolation du verset 4 du psaume 111, Beatus vir), de O nata lux et de Veni, Sancte Spiritus. Comme le souligne Hilary Finch, critique au London Times, Lux aeterna est un «classique de la nouvelle écriture chorale américaine. Dans ce continuum de textes sacrés, inondé de lumière, les structures de l’ancien monde et l’âme du nouveau monde s’entrelacent en une partition habile, à la fois voluptueuse et clairsemée.»

Coulé en cinq mouvements interprétés à la file, Lux aeterna est organisé comme un motet prolongé, où chaque nouvelle portion du texte appelle une réponse musicale différente. Les fils d’un contrepoint complexe – avec de multiples canons et doubles canons – s’entrecroisent pour créer l’équivalent sonore de la lumière céleste. D’une manière qui nous ramène à Dunstable et à Taverner, ces passages polyphoniques sont mis en contraste avec des sections évoquant le faux-bourdon homophone cher aux compositeurs renaissants. Lauridsen homogénéise Lux aeterna en partie grâce à un seul accord récurrent – où figure un accord parfait majeur de ré avec une note supplémentaire, mi – qui devient un symbole harmonique de la luminosité. Tout comme Palestrina et Victoria varient, dans leurs motets, la disposition des accords parfaits pour garantir une diversité de couleurs et de textures, Lauridsen reconstitue sans cesse cette sonorité lumineuse fondamentale, pour un effet tout à la fois unifié et kaléidoscopique.

Au long du mouvement d’ouverture de Lux aeterna, le compositeur crée un effet de clair-obscur musical en fonçant l’atmosphère prédominante, toute d’apaisement et de grâce intimes, par des touches de solennité et d’intériorité. Dans la deuxième section de la partition, In te, Domine, speravi, le solennel choral Herzliebster Jesu (tiré du cantionnaire de Nuremberg de 1677) est introduit sous la forme d’un cantus firmus, sous-tendant le discours musical qui s’écoule au-dessus. Cet austère choral jette sur la musique une ombre, que vient ensuite chasser le radieux O nata lux pour chœur a cappella, dont le texte est une hymne originellement chantée à laudes, durant la fête de la Transfiguration. L’incandescence de la section suivante – l’hymne Veni, Sancte Spiritus, traditionnellement psalmodiée aux matines de Pentecôte – s’affaiblit peu à peu en un doux Agnus Dei, introspective prière pour la paix. Les extatiques alléluias suivants disent un joyeux sentiment d’acceptation, qui rappelle les derniers mots de The Bridge of San Luis Rey, le roman de Thornton Wilder: «Tous ces élans d’amour retournent à l’amour qui les a créés … il est une terre des vivants et une terre des morts, avec un pont, l’amour, la seule chose qui survive, la seule chose qui ait un sens.»

extrait des notes rédigées par Byron Adams © 2005
Français: Hyperion Records Ltd

Lauridsen hatte es lange erwogen, sein Lux aeterna für Chor und Orchester zu komponieren, bevor das Werk im Jahre 1995 schließlich Gestalt annahm. Ebenso wie bei Brahms und Fauré wurde dem Entstehungsprozess von Lux aeterna noch mehr Antrieb und besondere Bedeutung verliehen, als Lauridsens Mutter starb, als er just damit begonnen hatte, erste Skizzen zu Papier zu bringen. Lux aeterna ist für den bedeutenden Dirigenten Paul Salamunovich und den Los Angeles Master Chorale komponiert; die Premiere fand am 13. April 1997 unter großem Applaus statt und das Werk ist seitdem von zahllosen Chören aufgeführt worden.

Ebenso wie Faurés Requiem ist Lux aeterna erfüllt von Wärme und Trost; der Komponist schrieb es als ein „persönliches Werk ruhiger Gefasstheit“, dass „Hoffnung, Trost, Glaube und Erleuchtung in all ihren Formen“ ausdrückt. Anders als Fauré jedoch schrieb Lauridsen nicht ein liturgisches Werk, sondern stellte geistliche Texte von verschiedenen lateinischen Quellen zusammen, deren gemeinsamer Nenner ein besonderer Akzent auf dem himmlischen Licht ist. Lux aeterna beginnt und schließt mit Zeilen aus der Requiem-Messe, während die drei zentralen Sätze aus dem Te Deum (wobei eine Zeile aus dem Beatus vir Psalm 111,4 extrahiert ist), O nata lux und Veni, Sancte Spiritus stammen. Wie die Musikkritikerin der Londoner Times, Hilary Finch, beobachtet hat, ist Lux aeterna ein „Klassiker unter den neuen amerikanischen Chorwerken. In diesem lichtdurchfluteten Kontinuum geistlicher Texte sind die Strukturen der alten Welt und der Geist der neuen Welt raffiniert miteinander verknüpft, so dass der Notentext zugleich sinnlich und schlank erscheint.“

Lux aeterna hat fünf Sätze (ohne Pause) und ist als ausgedehnte Motette angelegt, da auf jeden neuen Textteil eine neue musikalische Antwort folgt. Verschiedene Stränge komplexen Kontrapunkts, darunter eine Vielfalt von Kanons und Doppelkanons, sind ineinander verflochten und ergeben zusammen das tönende Äquivalent des himmlischen Lichts. Ähnlich wie bei Dunstable oder Taverner werden diese polyphonen Passagen anderen Teilen gegenübergestellt, die an den homophonen Fauxbourdon erinnern, der unter Renaissance Komponisten besonders beliebt war. Ein wichtiges Verbindungsglied in Lauridsens Lux aeterna ist ein einzelner, wiederkehrender Akkord – bestehend aus einem D-Dur Dreiklang mit einer hinzugefügten Note, E – der zum harmonischen Symbol des Strahlenden wird. Ebenso wie Palestrina und Victoria die Disposition von Dreiklängen in ihren Motetten verändern, um die Klangfarben und Struktur zu variieren, so stellt Lauridsen seinen leuchtenden Grundklang immer wieder neu her und erzielt damit einen zugleich vereinenden und kaleidoskopischen Effekt.

Durch den gesamten ersten Satz hinweg erzeugt der Komponist einen musikalischen Chiaroscuro-Effekt, indem er vorherrschende Stimmung innerer Ruhe und Anmut mit Erhabenheit und Innigkeit verstärkt. Im zweiten Teil des Werks, dem In te, Domine, speravi, wird der feierliche Choral Herzliebster Jesu (aus dem Nürnberger Liederbuch von 1677) als Cantus firmus eingeführt, der den darüber fließenden musikalischen Diskurs untermauert. Der recht strenge Choral wirft einen Schatten über die Musik, der im folgenden Satz wieder zerstreut wird: das strahlende O nata lux für Chor a cappella basiert auf einem Text eines Kirchenlieds, das ursprünglich während der Laudes anlässlich des Festtages der Verklärung Jesu Christi gesungen wurde. Das leuchtende Strahlen des nächsten Teils, des Hymnus Veni, Sancte Spiritus, der traditionsgemäß in der Matutin zu Pfingsten erklingt, wird bei dem ruhigen Agnus Dei, einem nach innen gerichteten Friedensgebet, allmählich schwächer. Die darauffolgenden ekstatischen „Alleluias“ drücken eine gutwillige Akzeptanz der Dinge aus, die an die letzten Worte des Romans The Bridge of San Luis Rey von Thornton Wilder erinnern: „All jene Impulse der Liebe kehren zu der Liebe zurück, die sie gemacht hat … es gibt ein Land der Lebenden und ein Land der Toten und die Brücke ist die Liebe, das einzige Überleben, die einzige Bedeutung.“

aus dem Begleittext von Byron Adams © 2005
Deutsch: Viola Scheffel

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