Tchaikovsky’s friendship and music had a powerful impact on Arensky, and one work that made a deep impression was Tchaikovsky’s epic Piano Trio of 1881–2, subtitled ‘in memory of a great artist’ and composed as a memorial for the pianist Nikolai Rubinstein. The genre had hardly existed in Russia before this work, and with it Tchaikovsky initiated a tradition of elegiac or commemorative trios. Rachmaninov, for example, composed a pair of Trios élégiaques in 1892–3, the second of them in memory of Tchaikovsky himself. Just one year later Arensky composed his own Piano Trio No 1 in D minor Op 32, conceived as a memorial to his (and Tchaikovsky’s) friend, the cellist Karl Davidoff, who had been director of the St Petersburg Conservatoire when Arensky was a student there, and who had died in 1889. Davidoff is regarded as the founder of the Russian school of cello playing, and Arensky’s dedication accounts for the fact that the cello plays such a prominent role, having most of the principal themes and often seeming to eclipse the violin in importance; at times this work might almost be described as a duo for cello and piano with obbligato violin.

The lyrical and rhapsodic theme that opens the expansive first movement—stated by the violin at first, but taken up by the cello and then elaborated by both instruments in duet—has been believed by some commentators to be a portrait of the generous and outgoing Davidoff. Here, as throughout the movement, accents of regret and melancholy can be detected among the melodic riches. A quicker, more capricious transitional theme, rather dance-like, leads to a warmly expressive second subject announced by the cello, and a more dramatic theme, with the piano to the fore, rounds off the exposition, which is repeated in full. The development is comparatively short and mainly based on the opening theme and the dance-like idea, working up to a full-scale recapitulation and a quiet, elegiac coda.

The second movement Scherzo is in the form of a scintillating waltz, full of the spirit of the dance as well as good humour and delightful bursts of bravura from all three instruments, especially the piano. In this whimsical confection Arensky largely bases the music around a little stuttering figure in the violin, swooping scales and sparkling keyboard decorations. The cello leads off a more ponderous but still humorous trio section in which it seems the dancers are doing their best not to be wrong-footed. The waltz returns, and stutters to its end.

The Adagio slow movement, titled Elegia, is the heart of the D minor Trio. Muted cello, supported by piano chords, introduces a theme at once doleful and tender; the violin is also muted, and takes it up before the two instruments share the theme together. The grief-stricken atmosphere is unmistakable, though there is a certain dream-like quality to the music, too—it could almost be by Fauré rather than any Russian composer. The piano then has a contrasting, almost childlike theme supported by gentle figuration in the string instruments. Roles are reversed as violin and cello take up this second theme against different figuration from the piano. When the first theme returns on the strings the piano part is different again until the coda, where cello and piano are heard as at the movement’s opening.

The finale, whose function is very much to pull together and round off the work’s disparate threads, begins with a dramatic, even explosive theme full of rhythmic momentum. This idea injects drive and impetus throughout the movement, although it really functions as a ritornello between which Arensky places reminders of previous movements. Soon, for instance, we hear a lyrical tune that resembles the main theme of the Elegia, and a further helping of the dramatic theme simply introduces the gentle music from Elegia’s central section. The ritornello idea itself is then developed at more length, and this time leads, in a mood of nostalgic reminiscence, to the opening theme of the entire work. The finale’s theme breaks back in, insistently, and drives the work to an exciting but rather grim conclusion.

from notes by Calum MacDonald © 2014

Arenski fut très marqué par l’amitié et la musique de Tchaïkovski, surtout par l’épique Trio avec piano de 1881–2, sous-titré «en souvenir d’un grand artiste» et voulu comme un mémorial au pianiste Nicolaï Rubinstein. La Russie ne connaissait guère le trio avec piano avant celui de Tchaïkovski, instaurateur d’une tradition de trios élégiaques ou commémoratifs, comme les deux Trios élégiaques (le second est en souvenir de Tchaïkovski) composés par Rachmaninov en 1892–3. Tout juste un an plus tard, Arenski rédigea son propre Trio avec piano nº 1 en ré mineur op.32, conçu comme un mémorial à son ami (qui était aussi celui de Tchaïkovski) le violoncelliste Karl Davidoff, mort en 1889 et qui dirigeait le Conservatoire de Saint-Pétersbourg quand il y était élève. Davidoff étant tenu pour le fondateur de l’école russe de violoncelle, la dédicace d’Arenski explique le rôle prééminent de cet instrument, qui se voit confier la plupart des thèmes principaux et semble souvent voler la vedette au violon; parfois, on pourrait presque décrire cette œuvre comme un duo pour violoncelle et piano avec violon obligé.

Le thème lyrique et rhapsodique qui inaugure l’expansif premier mouvement—d’abord exposé au violon, puis repris au violoncelle avant que tous deux le développent en duo—serait, selon certains commentateurs, un portrait de Davidoff, homme généreux et ouvert. Ici, comme dans tout le mouvement, les richesses mélodiques laissent poindre des accents de regret et de mélancolie. Un thème de transition plutôt dansant, davantage véloce et capricieux, mène à un second sujet ardemment expressif, annoncé au violoncelle. Un thème plus dramatique, avec le piano en avant-plan, vient clore l’exposition, reprise en entier. Assez court, le développement, fondé essentiellement sur le thème liminaire et sur l’idée dansante, croît jusqu’à la réexposition à grande échelle et à une coda paisible, élégiaque.

Le deuxième mouvement Scherzo est gorgé de l’entrain de la valse scintillante dont il affecte la forme, mêlé de bonhomie, avec de délicieux accès de bravoure de la part des trois instruments, du piano surtout. Dans cette œuvre fantasque et apprêtée, Arenski bâtit avant tout sa musique sur une petite figure qui bégaie au violon, sur des gammes qui s’abattent en piqué et sur de miroitantes décorations claviéristiques. Le violoncelle amorce une section en trio plus pesante mais toujours amusante, où les danseurs semblent faire de leur mieux pour ne pas être pris à contre-pied. Puis la valse revient, qui bredouille jusqu’à la fin.

Le mouvement lent Adagio, intitulé Elegia, constitue le cœur du Trio en ré mineur. Le violoncelle avec sourdine, étayé d’accords pianistiques, expose un thème tout à la fois dolent et tendre, que le violon, également avec sourdine, reprend avant de le partager avec le violoncelle. L’atmosphère est indéniablement affligée, malgré un certain onirisme—ce pourrait presque être du Fauré. Le piano présente ensuite un thème contrastif, aux limites de l’enfantin et soutenu par une douce figuration aux cordes. Puis c’est l’inverse: violon et violoncelle reprennent ce second thème sur fond de nouvelle figuration pianistique. Quand le premier thème revient aux cordes, le piano joue encore une autre partie jusqu’à la coda, où le violoncelle et lui se font entendre comme au début du mouvement.

Le finale, qui doit surtout rassembler et terminer les fils disparates de l’œuvre, s’ouvre sur un thème dramatique, voire explosif, tout d’élan rythmique, qui insuffle allant et impulsion au mouvement tout entier. Ce qui n’empêche pas cette idée de fonctionner, en réalité, comme un ritornello permettant à Arenski d’intercaler des vestiges des mouvements antérieurs. Ainsi ne tarde-t-on pas à entendre un air lyrique qui ressemble au thème principal de l’Elegia, tandis qu’une autre portion du thème dramatique introduit simplement la musique douce de la section centrale de cette même Elegia. L’idée du ritornello est ensuite plus longuement développée pour mener, cette fois, dans un climat de réminiscence nostalgique, au thème inaugural de l’œuvre. Le thème du finale surgit, avec insistance, et mène l’œuvre à une conclusion palpitante, bien qu’assez sombre.

extrait des notes rédigées par Calum MacDonald © 2014
Français: Hypérion

Die Musik Tschaikowskys und seine Freundschaft zu dem Komponisten prägten Arensky nachhaltig, und ein Werk, welches ihn besonders beeindruckte, war Tschaikowskys episches Klaviertrio von 1881/2, das den Untertitel „zum Andenken an einen großen Künstler“ trägt und zu Ehren des Pianisten Nikolai Rubinstein entstand. Vor diesem Werk hatte es in Russland kaum Klaviertrios gegeben und mit seiner Komposition eröffnete Tschaikowsky eine Tradition elegischer Trios, die oft dem Andenken einer Person gewidmet waren. So schrieb Rachmaninow zum Beispiel 1892/3 zwei Trios élégiaques, von denen das zweite ein Gedenkwerk für Tschaikowsky selbst ist. Bereits ein Jahr später komponierte Arensky sein Klaviertrio Nr. 1 in d-Moll op. 32, das zum Andenken an den Cellisten Karl Davidoff entstand, einer seiner (und Tschaikowskys) Freunde, der zu Arenskys Studienzeit das Petersburger Konservatorium geleitet hatte und 1889 gestorben war. Davidoff wird als Begründer der russischen Schule des Cellospiels betrachtet und Arenskys Widmung erklärt, weshalb das Cello hier eine so prominente Rolle einnimmt, die meisten Hauptthemen hat und oft die Violine in den Schatten zu stellen scheint; zuweilen wirkt das Werk fast wie ein Duo für Violoncello und Klavier mit obligater Violine.

Das lyrische und rhapsodische Thema, mit dem der großangelegte erste Satz beginnt, wird zunächst von der Geige gespielt, dann jedoch vom Cello übernommen und von beiden Instrumenten duettartig weitergeführt. Verschiedene Forscher gehen davon aus, dass es sich hierbei um ein Porträt des großzügigen und extravertierten Davidoff handelt. Hier und auch im restlichen Satz sind Akzente der Trauer und Melancholie innerhalb der reichhaltigen Melodik spürbar. Ein schnelleres und kapriziöseres Übergangsthema leitet in tänzerischer Weise in ein warmes, expressives zweites Thema hinein, das vom Cello angekündigt wird; ein dramatischeres Thema mit dem Klavier in der Führungsrolle beendet die Exposition, die dann vollständig wiederholt wird. Die Durchführung ist relativ kurz und bezieht sich größtenteils auf das Anfangsthema und das tänzerische Motiv; es folgt eine große Reprise und eine ruhige, elegische Coda.

Der zweite Satz, ein Scherzo, hat die Form eines brillanten Walzers, ist voller Humor und alle drei Instrumente haben reizvolle virtuose Passagen zu spielen, insbesondere das Klavier. In dieser originellen Nummer basiert die Musik hauptsächlich auf einer kleinen Stotterfigur der Violine, abfallenden Tonleitern und brillanten Klavierverzierungen. Das Cello eröffnet ein behäbigeres, jedoch immer noch humorvolles Trio, in dem die Tänzer sich darum bemühen, nicht auf dem falschen Fuß zu landen. Der Walzer kehrt zurück und bewegt sich stotternd dem Ende zu.

Das Adagio trägt den Titel Elegia und ist das Herzstück des d-Moll-Trios. Das Cello stellt, mit der Unterstützung von Klavierakkorden, gedämpft ein gleichzeitig trübseliges und zartes Thema vor; die Geige ist ebenso gedämpft und übernimmt das Thema, bevor die beiden Instrumente es gemeinsam spielen. Die kummervolle Atmosphäre ist unmissverständlich, obwohl die Musik hier auch eine gewisse traumhafte Note hat—sie könnte fast von Fauré stammen, weniger von einem russischen Komponisten. Dann spielt das Klavier ein gegensätzliches, fast kindliches Thema, das von sanften Figurationen der Streichinstrumente begleitet wird. Die Rollen werden vertauscht, wenn Violine und Violoncello dieses zweite Thema fortführen und von unterschiedlichen Klavierfigurationen begleitet werden. Wenn das erste Thema in den Streicherstimmen zurückkehrt, ändert sich der Klavierpart wiederum, bis in der Coda das Cello und das Klavier den Satzbeginn wiederholen.

Das Finale, das die Funktion hat, die verschiedenen Stränge zusammenzuführen und das Werk abzurunden, beginnt mit einem dramatischen, sogar explosiven Thema voll rhythmischer Schwungkraft. Dieses Thema sorgt in dem Satz durchgehend für Antrieb und Impulse, obwohl es tatsächlich als Ritornell funktioniert, das Arensky mit Erinnerungen an die vorherigen Sätze abwechselt. Schon bald hören wir etwa eine lyrische Melodie, die an das Hauptthema der Elegia erinnert, und ein weiteres Auftreten des dramatischen Themas leitet auf schlichte Weise die sanfte Musik des Mittelteils der Elegia ein. Das Ritornell-Thema selbst wird dann ausführlicher weiterentwickelt und leitet diesmal in einer Stimmung nostalgischer Reminiszenz zu dem Anfangsthema des Werks insgesamt zurück. Das Thema des Finales bricht wieder herein, ist sehr insistierend und führt das Werk zu einem spannenden, jedoch unerbittlichen Ende.

aus dem Begleittext von Calum MacDonald © 2014
Deutsch: Viola Scheffel