The compositional language of this cycle, and of my music in general, rests on three main pillars. The first is the spectralist movement, where timbre and timbre-harmony duality are essential elements. The second is the use of mathematical and computational processes as generators of musical material. This material is later modeled in a much more practical and intuitive way, without losing the essence of the underlying processes. Finally, the scientific-philosophical concept of 'emergence'. Emergence is a characteristic of complex systems where the whole is richer than the mere sum of its constituent parts. Most natural processes and, in particular, the genesis of life, are emergent processes. In this sense, the intelligent combination of apparently simple musical elements generates a whole of greater richness and complexity than the sum of those elements.

With this cycle I wanted to create a set of works with musical coherence and a sense of aesthetic unity, but at the same time give a unique personality to each one.

Ymarxa, a Guanche word meaning 'brilliant', 'new', is also a place in Tenerife in what is now Monte de la Esperanza. Once covered by the dense laurel forest, there was a lagoon in this location that served as a place of worship for the Guanches. The idea of light, with its innumerable modulations, constitutes the central element of inspiration of Ymarxa. This is achieved musically through the use of carefully crafted orchestral textures. Ymarxa, too, obtains its musical material ‘mining’ the computational universe. It is both contemplative and dynamic, creating its musical discourse from the interaction of these opposing elements. The concept of emergence is also an essential idea in the compositional process of Ymarxa, as is in the rest of the pieces of the cycle. Ymarxa was commissioned by the XXVII Festival de Música de Canarias and received its premiere performance by the Royal Philharmonic Orchestra under the baton of maestro Charles Dutoit.

Ayssuragan—'the place where they froze' in the extinct language of the Guanches—refers to a location where, in the last moments of the European conquest of the island of La Palma, the non-combatant population took refuge and died. Written for my friend Cristo Barrios, it is a clarinet concerto conceived as a symphonic poem, in which the orchestral part is as important as the solo part. The work begins with a clarinet cadenza of desolate character, subtly accompanied by the percussion section. This cadenza introduces much of the thematic material that will be used throughout the work. The rest of the orchestra gradually becomes more and more present, culminating in a climax that gives way to a faster, more vigorous section. This passage is developmental in character and concludes in a very powerful tutti. A second, longer cadenza for the clarinet follows, occasionally interrupted by orchestral interludes, leading to a cold and desolate passage accompanied by string harmonics and solos in the woodwinds. A modified reprise of the rhythmical section previously introduced is heard again, concluding in an energetic climax that dissolves gradually and ascends to the extreme high register, ending with the painful chant of the clarinet.

Guanapay, a location in the municipality of Teguise in Lanzarote, is an ancient extinct volcanic cone. The word Guanapay is undoubtedly of Guanche origin, although nothing is really known about its possible meaning. This location also houses the Santa Bárbara Castle (also known as Guanapay Castle), which dates back to the 16th century and is the oldest in the Canary Islands archipelago. The volcanic element is a fundamental idea in the musical construction of Guanapay. This is achieved through the use of elaborated orchestral textures, often employing extended playing techniques. Guanapay was written for my friend Ricardo Descalzo, champion of the contemporary piano repertoire in Spain. Although Guanapay is a fully fledged piano concerto, the orchestral part is of utmost importance, not just a mere accompaniment. We must think of Guanapay in terms of a duo, in which the soloist and orchestra sometimes oppose, and sometimes complement each other. The timbral complexity of the orchestra is paralleled by the piano through to the use of inside-the-piano extended techniques and electronics. As in the other works of the cycle, the original material is of mathematical-algorithmic origin but has been subsequently ‘filtered’ in order to adapt it to the possibilities of the instruments. Volcanism as well as evocations of natural sounds are depicted through precise use of orchestral combinations. Despite the complexity involved in the compositional process, Guanapay has been written from the perspective of the performer, as I am mindful that the survival of a work of these characteristics depends on this balance.

Chigaday is a Guanche word referring to a rocky formation on the island of La Gomera. The writer and historian Benito Pérez Armas states in his work La baja del secreto that: 'On a Sunday in January 1488, the last islanders who resisted on the cliffs of Chigaday decided to kill themselves before surrendering to the enemy soldiers.' However, this event is not the only motivation for this work, but also the beautiful natural landscapes that this island possesses: its intricate laurel forests; the extraordinary rocky formation of Los Órganos; its wild marine landscapes to name but a few. Numerous sonorities in Chigaday are constructed from natural harmonics (especially the 5th, 7th, and 11th prime harmonics, significantly deviated from equal-tempered tuning). Their use is especially abundant in the strings and brass. The computational universe has served as a source of inspiration and as a starting point to generate melodic, rhythmic, textural, and formal material, which has subsequently been modified and developed throughout the work. The concept of 'emergence' is a fundamental part of the construction of Chigaday. Complexity arises, indeed 'emerges', from the entanglement and interaction of many small, apparently simpler parts, which together make up a whole of greater richness and significance. Chigaday was commissioned by the Foundation Autor-AEOS, and premiered by the Tenerife Symphony Orchestra under the baton of maestro Perry So.

Azaenegue, a place in the island of Gran Canaria known today as Montaña de Altavista, owes its name to its height and the spectacular view that is contemplated from it. Some sources argue that this mountain lost its original aboriginal name, Azaenegue, given by the Guanches. According to the philologist and historian Ignacio Reyes García, it comes from the words 'Assa-enneg', which means 'arrival of dawn'. Azaenegue begins precisely with this idea: a play of pointillist dialogue between the percussion section and the harp, enveloped by the sonority of string harmonics, which symbolizes the night. The mountain, colossal and rugged, is evoked by powerful orchestral tutti. A crescendo in the brass and woodwinds gives way to the sunrise, with its innumerable changes of light and color, realized musically through changes in orchestral timbre. This section is followed by a much faster and rhythmic one that gradually collapses to a single note. This is a musical evocation of the collapse of matter towards a singularity, as if it were a black hole. The opposite also occurs: from a single note, as if it were an embryo, the musical matter grows in complexity and branches out. Azaenegue ends with a musical recreation of one of the possible endings of the universe: the 'Big Rip'. This concept is realized musically through a continuous accelerando where the musical matter evaporates towards the extreme high register. As with the other pieces in the cycle, Azaenegue draws its musical raw material from the computational universe.

Erbane was the name given by the first settlers to the Canary Island of Fuerteventura, before its conquest in the 15th century. It literally means 'stone border', in clear allusion to the wall that crossed its two socio-territorial tribal demarcations. Erbane employs orchestral textures with frequent use of extended techniques to evoke the sound of the natural elements that characterize the island: the whispering of the wind, the sound of sea waves, the song of seabirds, etc. The orchestral textures evoke the smooth, broad landscape, which is characteristic of the island. Once again, the musical raw material is obtained from mathematical-algorithmic structures. These procedures subsequently involve an elaborate process of adaptation to the musical idea and the instrumental possibilities of each orchestral family.

Aranfaybo is a Guanche word associated with the island of El Hierro. It literally means 'the one that provokes rain'. Aranfaybo was a male divinity invoked by the Bimbaches (aborigines from El Hierro) when rain was scarce. It was the first work of the cycle to be composed under a commission by Alberto Roque, chief conductor of the Hungarian Chamber Symphony Orchestra. Much of the musical material in Aranfaybo is derived from an algorithmic process involving the digits of the square root of 2. Formally, Aranfaybo is framed in a quasi-symmetric structure. Most of the natural forms and, certainly, most of the living beings exhibit clearly recognizable symmetries, in particular the bilateral morphology. Aranfaybo uses this concept to generate its temporal structure. In this way, the listener rediscovers the work from another perspective, where the balance between anticipation and surprise is kept alive, making the work speak about itself.

Gustavo Díaz-Jerez © 2020

El lenguaje compositivo de este ciclo, y de mi música en general, descansa sobre tres pilares principales. El primero es la corriente espectralista, donde el timbre y la dualidad timbre-armonía son elementos esenciales. El segundo, el uso de procesos matemáticos y computacionales como generadores de material musical. Esta «materia prima» musical es posteriormente modelada de forma mucho más práctica e intuitiva, sin que ello suponga la pérdida de la esencia original de los procesos subyacentes. Finalmente, el concepto científico-filosófico de «emergencia», o «surgimiento». La emergencia es una característica de los sistemas complejos, donde el todo es más rico que la mera suma de sus partes constituyentes. La mayoría de los procesos naturales y, en particular, la génesis de la vida, son procesos emergentes. En este sentido, la combinación inteligente de elementos musicales aparentemente simples genera un todo de mayor riqueza que la suma de éstos.

He querido crear con este ciclo un conjunto de obras con una coherencia musical y un sentido de unidad estética común, pero al mismo tiempo dar una personalidad diferenciadora a cada una.

Ymarxa, vocablo guanche que significa «brillante», «nuevo», «flamante», es también un topónimo tinerfeño que hace referencia a una localidad en lo que actualmente es el Monte de La Esperanza. Antaño cubierto por el denso bosque de Laurisilva, existió en esta localidad una laguna que era lugar de culto para los guanches. El concepto de la luz, con sus innumerables modulaciones, constituye el elemento central de inspiración. No es una obra descriptiva, pero sí contemplativa y a la vez fuertemente dinámica. Igual que en sus seis hermanas, Ymarxa utiliza procesos algorítmicos y matemáticos como base generadora del material musical. En Ymarxa se dan cita evocaciones del agua, de la montaña, de tupidos y entramados bosques, a través de las posibilidades tímbricas que ofrece una gran orquesta sinfónica. Ymarxa se compuso por encargo del XXVII Festival de Música de Canarias. Fue estrenada por la Royal Philharmonic Orchestra bajo la batuta del maestro Charles Dutoit.

Ayssuragan, que significa «lugar donde se helaron» en la lengua extinta de los Guanches, se refiere al lugar donde, en los últimos momentos de la conquista de la isla de La Palma, la población no combatiente tomó refugio y murió. Escrita para mi amigo el clarinetista Cristo Barrios, está concebida a modo de poema sinfónico en el que la parte orquestal juega un papel primordial. La obra se inicia con una cadenza para el clarinete de carácter desolado, acompañado sutilmente por la percusión. Esta cadenza introduce gran parte del material temático que luego se utilizará a lo largo de la obra. El resto de la orquesta va poco a poco haciéndose más presente hasta culminar en un clímax que da paso a una sección de tempo más rápido, más rítmica y vigorosa. Esta sección se desarrolla hasta concluir en un fortísimo tutti que conduce a una larga cadenza para el clarinete, ocasionalmente acompañada por interludios orquestales. Sigue a esta cadenza un desamparado y frío paisaje bañado en los armónicos de la cuerda y salpicado de solos en los instrumentos de viento. Una recapitulación modificada desemboca en un enérgico clímax que, poco a poco, se diluye ascendiendo gradualmente al registro extremo-agudo, finalizando con el poético canto del clarinete.

Guanapay, ubicación lanzaroteña del municipio de Teguise, es un antiguo cono volcánico de 452 metros de altura. El nombre de Guanapay es de indudable origen guanche, aunque nada se sabe realmente sobre su posible significado. El elemento volcánico es fundamental en el planteamiento musical de Guanapay, traducido musicalmente mediante elaboradas texturas orquestales. Guanapay está escrito para mi amigo Ricardo Descalzo, uno de los máximos exponentes de la música actual en España. Aún siendo un concierto de piano, donde el instrumento solista goza de un papel preponderante en la obra, la parte orquestal es igualmente importante. Casi podríamos pensar en Guanapay en términos de un dúo, en el que los papeles de ambas partes a veces se oponen, a veces se complementan. La complejidad tímbrica es también compartida por el piano, gracias al uso de técnicas extendidas y a la electroacústica. Al igual que en las otras obras del ciclo, el material musical primigenio es de origen matemático-algorítmico, aunque ha sido «filtrado» a posteriori para adecuarlo a las posibilidades instrumentales. A pesar de la complejidad que entraña este proceso, Guanapay está escrita desde la perspectiva del intérprete, consciente de que la supervivencia en el tiempo de una obra de estas características es directamente proporcional a este equilibrio.

En la isla de La Gomera se cree que existió una zona de riscos que los pobladores originales llamaban Chigaday. Según cuenta el escritor e historiador Benito Pérez Armas en su obra La baja del secreto, «un domingo de enero de 1488 los últimos isleños que resistían en los riscos de Chigaday decidieron darse muerte antes que entregarse a la soldadesca enemiga». No es este suceso, sin embargo, la única motivación para la creación de esta obra, sino la belleza natural de la que goza esta isla: sus bosques de Laurisilva, la extraordinaria formación rocosa de Los órganos, sus salvajes paisajes marinos … Numerosas sonoridades en Chigaday están construidas a partir de los armónicos naturales (especialmente los armónicos primos 5º, 7º, y 11º, desviados notablemente de la afinación temperada). Su uso es especialmente abundante en cuerdas y viento metal. El universo de la computación ha servido como fuente de inspiración y punto de partida para generar material melódico, rítmico, textural, y formal, que posteriormente ha sido modificado y desarrollado a lo largo de la obra. El concepto de «emergencia» cobra aquí un especial sentido. La complejidad no se impone gratuitamente, sino que surge, «emerge» por el entrelazamiento y la interacción de multitud de pequeñas partes, aparentemente más simples, pero que juntas conforman un todo de mayor riqueza y trascendencia que la suma de éstas. Chigaday se compuso por encargo de la Fundación Autor-AEOS, y fue estrenada por la Orquesta Sinfónica de Tenerife bajo la batuta del maestro Perry So.

Azaenegue, lugar conocido actualmente como Montaña de Altavista en la isla de Gran Canaria, que debe su nombre a su altura y a la espectacular panorámica que se contempla desde ella. Sostienen algunas fuentes que esta montaña perdió su antigua denominación de Montaña Azaenegue, topónimo aborigen que, según el filólogo e historiador Ignacio Reyes García, proviene de las palabras «Assa-enneg», lo cual podría entenderse como «llegada del alba». La obra comienza precisamente con la idea del amanecer: un juego de sonoridades puntillistas entre la percusión y el arpa, envueltas en un fondo de armónicos naturales en las cuerdas, simboliza a la noche. La montaña, enorme y agreste, se ve representada a través de texturas orquestales de gran poderío sonoro. Un crescendo en los metales y las maderas da paso a la salida del sol, con sus innumerables cambios de luz y color, evocados musicalmente a través de variaciones en la tímbrica orquestal. A esta sección le sigue una mucho más rápida y rítmica que se colapsa poco a poco hacia una única nota. Este pasaje representa el desplome de la materia (en este caso musical) hacia una singularidad, como si de un agujero negro se tratase. Seguidamente ocurre lo contrario: a partir de una sola nota, como si fuera un embrión, la materia musical crece en complejidad y se ramifica. Azaenegue concluye evocando uno de los posibles finales de nuestro universo: el «Big Rip», o Gran Desgarramiento. Este concepto se elabora musicalmente mediante un continuo accelerando donde la materia musical se va evaporando hacia el registro extremo agudo.

Erbane es el nombre que dieron los primeros pobladores a la isla canaria de Fuerteventura antes de su conquista en el siglo XV. Hoy nos consta que el nombre significa «frontera pétrea», en clara alusión a la pared o muro principal que atravesaba sus dos demarcaciones socio-territoriales. La obra emplea texturas orquestales con un uso frecuente de técnicas extendidas para obtener una síntesis sonora de los elementos naturales que caracterizan la isla: el susurro del viento, el romper de las olas, el sonido de aves marinas, etc. Las sonoridades agrestes son frecuentes, como metáforas sonoras del propio significado de Erbane. Una vez más, la materia prima musical se obtiene a partir de procedimientos matemático-algorítmicos. Estos procedimientos conllevan a posteriori un elaborado proceso de adaptación a la idea musical y a las posibilidades instrumentales de cada familia orquestal.

Aranfaybo es una voz guanche asociada a la isla de El Hierro que significa literalmente «El que provoca la lluvia». Era una divinidad masculina a la que acudían los Bimbaches (aborígenes herreños) cuando escaseaba la lluvia. Aranfaybo, primera obra del ciclo en ser compuesta, nace en 2008 por encargo de Alberto Roque, director artístico de la Orquesta Sinfónica de Cámara Húngara. Gran parte del material musical de Aranfaybo está derivado a partir de un proceso algorítmico que emplea dígitos de la raíz cuadrada de 2. A pesar de esto, es el oído del compositor quien ha juzgado en última instancia qué elementos son finalmente incorporados a la textura musical, y si estos son utilizados en su forma original o modificados ligeramente para adecuarlos al entramado armónico/rítmico. Formalmente, Aranfaybo se encuadra en una estructura cuasi-simétrica. La mayoría de las formas naturales y, ciertamente, la mayoría de los seres vivos exhiben simetrías claramente reconocibles, en particular la morfología bilateral, o de las dos «mitades adyacentes». Aranfaybo se vale de este concepto para generar su estructura temporal. De este modo, el oyente redescubre la obra desde otro punto de escucha, donde el equilibrio entre lo esperado y la sorpresa se mantiene vivo, haciendo que la obra hable sobre sí misma.

Gustavo Díaz-Jerez © 2020

This album represents the culmination of more than ten years of compositional work. A unique endeavour in the history of music in the Canary Islands, it comprises seven symphonic poems—almost two and a half hours of music—which evoke the landscapes and natural beauty of the Canaries. The cycle takes its name, Maghek ('the one who creates brightness'), from the sun-goddess of the Guanches, the aboriginal inhabitants of the Canary Islands. Each piece is inspired by a specific locale on a different island; some resurrect forgotten stories. Naturalistic tonal painting (the sea, the wind, the rugged scenery) is a constant feature throughout the cycle.

I wish to thank the BBVA Foundation, the Gobierno de Canarias, and the Cabildos of Tenerife and Gran Canaria for their generous support, without which this project could not have been made possible.
www.maghek.com

Gustavo Díaz-Jerez © 2020

Este álbum representa la culminación de más de diez años de trabajo compositivo. Un proyecto único en la historia de la música en Canarias que supone un corpus orquestal de casi dos horas y media de música inspirada en todas y cada una de las islas. Maghek, «la que crea resplandor», término con el que los guanches denominaban a la diosa-sol, da nombre a este ciclo de siete poemas sinfónicos. Cada uno se inspira en lugares concretos de cada isla, a menudo rescatando historias olvidadas. Las evocaciones a la naturaleza (el mar, el viento, los paisajes agrestes …) son constantes en todas las piezas del ciclo.

La Royal Scottish National Orchestra, una de las principales orquestas del mundo, bajo la batuta de Eduardo Portal, director español de gran proyección internacional, junto con los solistas Cristo Barrios, clarinetista tinerfeño de referencia, y Ricardo Descalzo, exponente pianístico en la música actual, realizan una labor excepcional.

Quiero agradecer a la Fundación BBVA, a través de su beca Leonardo, al Gobierno de Canarias, y a los Cabildos Insulares de Tenerife y Gran Canaria su generoso apoyo, sin el cual este proyecto no se hubiera podido llevar a cabo.
www.maghek.com

Gustavo Díaz-Jerez © 2020