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Sir Edward Elgar (1857-1934)

Symphony No 2 & Introduction and Allegro

The Hallé Orchestra, Sir Mark Elder (conductor) Detailed performer information
Download only
Recording details: Various dates
Various recording venues
Produced by Andrew Keener
Engineered by Various engineers
Release date: September 2004
Total duration: 75 minutes 7 seconds
 

Reviews

'Add this marvellous performance to your collection and be grateful that there are still Elgarians of this stature making such fine recordings' (MusicWeb International)

'Mark Elder has a knack for Elgar's wide ranging and expansive style and the Hallé are obviously past masters in this repertoire' (Classical.net)» More
Some themes of the Second Symphony were sketched in 1904 and perhaps even earlier, but the work as a whole was composed and scored from the sketches within two months at the beginning of 1911, remarkably quick for Elgar. ‘I have worked at fever heat’, he wrote to a friend, ‘and the thing is tremendous in energy.’ The slow movement was written in one week. At the end of the score he wrote a quotation from Shelley: ‘Rarely, rarely comest thou, Spirit of Delight’, and also the place-names Venice and Tintagel. The former was where the Rondo movement was sketched. In St Mark’s Square he took down the rhythm of the opening bars from some itinerant musicians; the latter was the holiday home of his muse Alice Stuart Wortley, with whom the Symphony and Violin Concerto are intimately associated. He had visited her there the previous year. ‘I have recorded last year in the first movement’, he told her. In a letter to his publisher in April 1911, Elgar referred to the ‘Spirit of Delight’ quotation and wrote: ‘To get near the mood of the Symphony, the whole of Shelley’s poem may be read, but the music does not illustrate the whole of the poem, neither does the poem entirely elucidate the music. My attitude toward the poem, or rather to the “Spirit of Delight”, was an attempt to give the reticent Spirit a hint (with sad enough retrospections) as to what we should like to have’. On this CD, Mark Elder reads the complete poem, from which we can hear how ‘Elgarian’ some of it is. For example, ‘I love all that thou lovest, / Spirit of Delight, / The fresh Earth in new leaves dressed / and the starry night; / Autumn evening, and the morn / When the golden mists are born …’ Elgar, like Shelley, loved ‘everything which is Nature’s and, may be, untainted by man’s misery’. The poem ends: ‘I love Love … / But above all things, / Spirit, I love thee—/ Thou art love and life! O come, / Make once more my heart thy home’. To another friend Elgar quoted some lines from another Shelley poem: ‘I do but hide under these notes, like embers, every spark of that which has consumed me’. Elgar conducted the symphony’s first performance in London on 24 May 1911. The hall was not full and the reception was muted. ‘What’s the matter with them, Billy?’ he asked W.H. Reed, leader of the orchestra, ‘They sit there like a lot of stuffed pigs.’ But the quiet and reflective ending of the work hardly invited a noisy ovation and, in any case, such a complex work cannot have been easy to take in at a first hearing when compared with the First Symphony and Violin Concerto, both of which had been wildly applauded at their premieres.

‘Tremendous in energy’ describes the opening. Violins and cellos play repeated B flats followed by an upward swoop of a sixth. The ‘Spirit of Delight’ motto-theme is the descending phrase in the third bar. The second subject, after nearly 50 bars, relaxes the mood of exuberance into a nostalgic and poetic vein, but the exuberance returns until it subsides into a ghostly episode introduced by muted strings, muted horns and eight hollow-sounding notes on the harp. Then, over throbbing timpani and plucked basses, the cellos have a new and yearning melody, described by Elgar as ‘a sort of malign influence wandering thro’ the summer night in the garden’. This sinister nocturne vanishes when the motto-theme returns. But its influence lingers, as does the poetry of the second subject in the long recapitulation, which ends in a blaze of resurgent energy.

The Larghetto has the character of a funeral march, but although the symphony is dedicated to the memory of King Edward VII, this is not a state funeral. It was sketched in November 1903 when Elgar’s friend, the Liverpool businessman and amateur musician Alfred E. Rodewald, died suddenly at the age of 43. Elgar was deeply distressed. The movement, therefore, is a personal elegy, in C minor, but the simple grandeur of its marchlike melody, wonderfully scored, also makes it apt for national mourning. At one point the oboe sings its own threnody (ad. lib.) above the tread of the brass and basses and the surge of the string tone. In a letter to his publisher written before the first performance, Elgar referred to this oboe passage as a ‘feminine voice lamenting over the broad manly first theme … and like a woman dropping a flower on the man’s grave’. An impassioned climax is followed by the benedictory return of the ‘Spirit of Delight’ theme.

A Rondo takes the place of a scherzo. ‘Very wild and headstrong, with soothing pastoral strains in between and very brilliant’ was Elgar’s description. It begins restlessly, but the second subject has a more measured stride. One of the pastoral strains, introduced by woodwind, generates an extraordinary episode when the ‘malign influence’ from the first movement returns aggressively and is hammered out by drums and roared by the brass, obliterating all else. Elgar associated this passage with lines from Tennyson’s Maud: ‘And my heart is a handful of dust / And the wheels go over my head … / The hoofs of the horses beat / Beat into my scalp and brain’. He described it to orchestras in rehearsal as ‘like that horrible throbbing in the head during some fever’. The nightmare fades and the music slips easily back into its former mode. A dignified, flowing theme opens the finale, followed by a jauntier theme and then by a nobilmente tune written many years earlier as a description of the Hallé’s conductor Hans Richter. These themes are developed, often restlessly, sometimes fugally, until the ‘Spirit of Delight’, expanded and slow, returns in a consolatory coda of rich beauty to end this ‘passionate pilgrimage of a soul’, to use Elgar’s words.

The Introduction and Allegro was first performed in March 1905 by the strings of the London Symphony Orchestra, for whom it was written. It was not well played and the work took several years to be recognised as a masterpiece. It is laid out for string quartet and full strings and ‘is really a tribute to that sweet borderland [Herefordshire] where I have made my home’. After the grand opening statement for the full strings, the quartet answers with an allegretto theme over which Elgar wrote a quotation from Cymbeline, ‘Smiling with a sigh’. Then a solo viola plays the gorgeous ‘Welsh melody’, so called because Elgar had planned to use it in 1901 in a ‘Welsh Overture’. The Allegro section is in G major. It incorporates ‘a devil of a fugue’ and the work ends with a richly harmonised re-statement of the Welsh theme. Every means of exploiting and exploring the power and variety of string-tone is employed in this concise, wide-ranging yet almost classically designed work.

Michael Kennedy © 2004

Certains thèmes de la Symphonie nº 2 furent ébauchés en 1904 et sans doute même plus tôt, mais l’ouvrage dans son ensemble fut composé et orchestré à partir des ébauches en l’espace de deux mois début 1911, gestation remarquablement rapide de la part d’Elgar. «J’ai travaillé fiévreusement», écrivit-il à un ami, «et ces pages débordent d’énergie.» Le mouvement lent fut écrit en une semaine. À la fin de la partition, il écrivit une citation de Shelley: «Rarement, rarement viens-tu, Esprit du Délice», et aussi les noms de ces deux lieux, Venise et Tintagel. C’est à Venise que fut ébauché le Rondo; sur la place Saint-Marc il nota le rythme des mesures d’ouverture de ce que jouaient des musiciens itinérants. C’est à Tintagel se trouvait la résidence secondaire de sa muse, Alice Stuart Wortley, avec qui sont intimement associés la Symphonie et le Concerto pour violon. Il lui avait rendu visite à Tintagel l’année précédente. «J’ai gravé l’année passée dans le premier mouvement», lui apprit-il. Dans une lettre à son éditeur datée d'avril 1911, Elgar faisait référence à la citation de «Esprit du Délice» et écrivait: «Pour se faire une idée de l’atmosphère de la symphonie, on peut lire l’ensemble du poème de Shelley, mais la musique n'illustre pas tout le poème, et le poème n'explicite pas toute la musique. Mon attitude envers le poème, ou plutôt envers l’Esprit du délice, a été une tentative de donner à cet esprit réticent une idée (ponctuée de réminiscences assez tristes) de ce que nous désirerions obtenir.» Sur le présent CD, Mark Elder lit le poème complet, ce qui nous permet de voir à quel point certains de ses passages sont elgariens. Par exemple, «J'aime tout ce que tu aimes, / Esprit du Délice! / La jeune Terre vêtue de feuilles fraîches, / Et la nuit étoilée; / Les soirs d'automne et l'aurore / Où naissent les brumes d'or.» Comme Shelley, Elgar adorait «tout ce qui est à la Nature et demeure intact a l'abri du malheur des hommes.» Le poème s'achève sur: «J'aime l'amour … / Mais par-dessus toutes choses, / Esprit, c'est toi que j'aime … / Tu es l'amour et la vie! Oh, viens, / fais encore une fois de mon cœur ta demeure». À un autre ami, Elgar cita certains vers d'un autre poème de Shelley: «Je ne fais que cacher derrière ces notes, comme des braises, chaque étincelle de ce qui m’a consumé». Elgar dirigea la création de la symphonie à Londres le 24 mai 1911. La salle n’était pas pleine et le public demeura coi. «Qu’est-ce qu’ils ont, Billy?» demanda-t-il à W.H. Reed, premier violon de l’orchestre, «Ils restent assis là comme un ramassis de cochons farcis.» Mais la conclusion paisible et pensive de l’ouvrage n’invitait guère à une bruyante ovation et, quoi qu’il en fût, une œuvre aussi complexe ne peut avoir été facile à assimiler à la première écoute si on la compare à la Symphonie nº 1 et au Concerto pour violon, qui avaient tous deux été applaudis à tout rompre lors de leurs créations respectives.

Les mesures d’ouverture débordent bel et bien d’énergie. Les violons et les violoncelles jouent des si bémol répétés suivis d’une fougueuse sixte ascendante. Le thème-signature de l’«Esprit du Délice» est la phrase descendante de la troisième mesure. Le second sujet, après près de cinquante mesures, détend l’atmosphère d’exubérance, amorçant une veine nostalgique et poétique, mais l’exubérance reparaît pour se dissoudre ensuite en un épisode fantomatique introduit par les cordes en sourdine, les cors en sourdine et huit notes de harpe aux résonances sourdes. Puis, par-dessus une pulsation de timbales et de basses pizzicato, les violoncelles introduisent une nouvelle mélodie pleine d’ardeur, décrite par Elgar comme «une sorte d’influence maléfique qui vagabonde dans le jardin par une nuit d’été». Ce sinistre nocturne disparaît au retour du thème-signature. Mais son influence perdure, tout comme la poésie du second sujet, dans la longue récapitulation qui s’achève sur un éclat d’énergie renouvelée.

Le Larghetto présente le caractère d’une marche funèbre, mais bien que la symphonie soit dédiée à la mémoire du roi Edward VII, ce ne sont pas des funérailles royales. Ce mouvement fut ébauché en novembre 1903, lorsque l’ami d’Elgar, l’homme d’affaires et musicien amateur de Liverpool Alfred E. Rodewald, mourut soudain à quarante-trois ans. Elgar en fut profondément bouleversé, aussi ce mouvement est-il une élégie personnelle, en ut mineur, mais la simple grandeur de sa mélodie apparentée à une marche, merveilleusement orchestrée, en fait également un morceau convenant à un deuil national. À un moment, le hautbois chante son propre thème (ad. lib.) par-dessus le fil des cuivres et des basses et l’essor des cordes. Dans une lettre à son éditeur écrite avant la création, Elgar parlait de ce passage de hautbois comme d’une «voix féminine se lamentant par-dessus le premier thème ample et viril … et comme une femme posant une fleur sur la tombe d’un homme». Un apogée passionné est suivi du retour du thème de l’«Esprit du Délice», comme une bénédiction.

C’est ensuite un Rondo qui fait office de scherzo. Elgar le décrivait ainsi: «Endiablé, obstiné et brillant, ponctué d’accents pastoraux apaisants». Il débute de façon agitée, mais l’allure du second sujet est plus mesurée. L’une des phrases pastorales, introduite par les bois, génère un extraordinaire épisode où l’«influence maléfique» du premier mouvement revient agressivement et est martelée par les tambours et rugie par les cuivres, oblitérant tout le reste. Elgar associait ce passage avec des vers de Maud de Tennyson: «Et mon cœur est une poignée de poussière / Et les roues passent au-dessus de ma tête … / Les sabots des chevaux martèlent / Martèlent mon crâne et mon cerveau». En répétition, il le décrivait aux orchestres «comme cet horrible élancement dans la tête quand on a de la fièvre». Le cauchemar s’estompe et la musique retrouve aisément son caractère précédent. Un thème compassé et fluide ouvre le finale, suivi d’un thème plus primesautier puis par une mélodie noblement écrite de nombreuses années auparavant pour décrire le chef d’orchestre du Hallé, Hans Richter. Ces thèmes sont développés, souvent de façon agitée, parfois en contrepoint, jusqu’à ce que l’«Esprit de Délice», développé et lent, revienne dans une coda consolatrice somptueuse pour conclure ce «pèlerinage passionné de l’âme», selon les propres termes d’Elgar.

L’Introduction et Allegro fut créé en mars 1905 par la section de cordes de l’Orchestre symphonique de Londres, pour laquelle elle avait été écrite. L’interprétation laissa à désirer et cet ouvrage mit plusieurs années à être reconnu comme le chef-d’œuvre qu’il est. Écrit pour quatuor à cordes et cordes au complet il s’agit «vraiment d’un hommage à ce doux pays frontalier [le Herefordshire] où j’ai élu domicile». Après la grandiose affirmation d’ouverture pour toutes les cordes, le quatuor répond par un thème allegretto au-dessus duquel Elgar cite Cymbeline, «Souriant avec un soupir». Puis un alto solo joue la magnifique «mélodie galloise», ainsi nommée parce qu’Elgar avait projeté de l’utiliser en 1901 dans une «Ouverture galloise». La section Allegro est en sol majeur. Elle incorpore «une fugue endiablée» et l’ouvrage s’achève avec une reprise richement harmonisée du thème gallois. Tous les moyens permettant d’exploiter et d’explorer les capacités et la diversité des sonorités des cordes sont employés dans cet ouvrage concis, d’une vaste portée et pourtant presque classique dans sa conception.

Michael Kennedy © 2004
Français: David Ylla-Somers

Einige Themen der Zweiten Sinfonie lagen bereits 1904 oder noch früher im Entwurf vor, doch das eigentliche Werk komponierte Elgar anhand der Skizzen Anfang 1911 im Zeitraum von zwei Monaten, was für ihn erstaunlich schnell war. „Ich habe in fieberhafter Eile gearbeitet“, schrieb er an einen Freund, „und das Ding hat ungeheuer viel Energie.“ Der langsame Satz war in einer Woche fertig. Ans Ende der Partitur schrieb Elgar ein Shelley-Zitat: „Selten nur, selten nahst du dich, Geist der Freude“ und dazu die Ortsbezeichnungen Venedig und Tintagel. In Venedig waren die Skizzen zum Rondo-Satz entstanden. Auf dem Markusplatz hatte Elgar den Rhythmus der einleitenden Takte von Straßensängern übernommen. Und in Tintagel befand sich das Ferienhaus seiner Muse Alice Stuart Wortley, mit der die Sinfonie und das Violinkonzert eng verbunden sind. Elgar war dort im Vorjahr zu Besuch gewesen. „Ich habe im ersten Satz das vergangene Jahr festgehalten“, teilte er ihr damals mit. In einem Brief an seinen Verleger vom April 1911 bezog sich Elgar auf das „Geist-der-Freude“-Zitat und schrieb: „Um sich mit der Stimmung der Sinfonie vertraut zu machen, kann man das ganze Gedicht von Shelley lesen, aber die Musik ist nicht als Veranschaulichung des gesamten Gedichts anzusehen, noch erhellt das Gedicht insgesamt die Musik. Meine Einstellung zu dem Gedicht, oder vielmehr zum ‘Geist der Freude’, ging dahin, dem widerstrebenden Geist (in doch recht trauriger Rückschau) einen Hinweis darauf zu geben, was wir gerne hätten.“ Auf der vorliegenden CD liest Mark Elder das vollständige Gedicht, so dass man hören kann, wie “Elgarisch„ Teile davon zu sein scheinen. Ein Beispiel: „Ich liebe alles, das du liebest, / Geist der Freude! / Die frische Erde, geschmückt von neuen Blättern, / und auch die Sternennacht; / den Herbstabend und den Morgen, / der goldene Nebel gebiert.“ Elgar liebte ebenso wie Shelley „alles, das der Natur entspringt und wohl von Menschenelend unverdorben blieb“. Das Gedicht endet mit den Zeilen: „Ich liebe Amor … / doch vor allen andern Dingen / liebe ich dich, Geist, / bist du Leben doch und Liebe! O komm / und lass aufs Neue dich in meinem Herzen nieder.“ Gegenüber einem anderen Freund zitierte Elgar einige Zeilen aus einem weiteren Gedicht von Shelley: „Ich verberge unter diesen Tönen, wie unter letzter Glut, ein jedes Fünkchen dessen, das mich verzehrte“. Elgar leitete die Uraufführung der Sinfonie in London am 24. Mai 1911. Der Saal war nicht voll, und die Aufnahme des Konzerts war gedämpft. „Was ist denn mit denen los, Billy?“ fragte Elgar W.H. Reed, den Konzertmeister des Orchesters. „Die sitzen da wie ein Haufen gemästeter Schweine.“ Allerdings war der ruhige, besinnliche Ausklang des Werks auch nicht die richtige Vorbereitung für eine lautstarke Ovation und auf jeden Fall kann ein so komplexes Werk im Vergleich zur Ersten Sinfonie und dem Sinfoniekonzert, die bei ihrer Uraufführung beide wild beklatscht worden waren, beim ersten Anhören nicht so leicht zu verdauen gewesen sein.

„Ungeheuer viel Energie“ beschreibt die Eröffnung. Geigen und Celli spielen erst wiederholte Bs, dann ein Emporrauschen über eine Sexte. Das Mottothema „Geist der Freude“ ist die absteigende Phrase im dritten Takt. Das Seitenthema nimmt, nachdem fast fünfzig Takte vergangen sind, der Stimmung den Überschwang und ersetzt ihn durch nostalgische, poetische Gefühle, doch das Überschwängliche kehrt zurück und verklingt erst in einer geisterhaften Episode, die von gedämpften Streichern, gedämpften Hörnern und acht hohl klingenden Tönen auf der Harfe eingeleitet wird. Dann spielen über pulsierenden Pauken und gezupften Bässen die Celli eine neue schmachtende Melodie, die Elgar als „irgendwie bösen Einfluss“ beschreibt, „der im Garten durch die Sommernacht zieht“. Die düstere Nocturne entschwindet, sobald das Mottothema zurückkehrt. Doch ihr Einfluss klingt ebenso nach wie die Poesie des Seitenthemas in der langen Reprise, die mit einem Ausbruch neu aufwallender Energie endet.

Das Larghetto hat den Charakter eines Trauermarschs, doch geht es, obwohl die Musik dem Gedenken König Eduards VII. Gewidmet ist, hier nicht um ein Staatsbegräbnis. Elgar hat das Stück im November 1903 skizziert, als sein Freund, der Geschäftsmann und Amateurmusiker Alfred E. Rodewald aus Liverpool, mit dreiundvierzig Jahren plötzlich verstarb. Elgar war zutiefst betrübt. Der Satz ist daher eine persönliche Elegie in c-Moll, doch die schlichte Erhabenheit seiner wunderbar instrumentierten Marschmelodie lässt ihn auch für Anlässe von Staatstrauer geeignet erscheinen. An einer Stelle singt die Oboe ihre eigene Threnodie (ad libitum) über den gleichmäßigen Schritten der Blechbläser und Bässe und dem Aufbranden von Streicherklängen. In einem Brief an seinen Verleger, den Elgar vor der Uraufführung verfasst hat, bezeichnete er diese Oboenpassage als „eine klagende weibliche Stimme über dem insgesamt männlichen Hauptthema … und wie eine Frau, die eine Blume ins Grab des Mannes fallen lässt“. Einem leidenschaftlichen Höhepunkt folgt die wohltuende Rückkehr des Themas „Geist der Freude“.

Ein Rondo ersetzt das Scherzo. „Sehr wild und eigensinnig, mit beruhigenden pastoralen Klängen dazwischen und äußerst brillant“ lautet Elgars Beschreibung. Das Rondo beginnt rastlos, doch das Seitenthema hat eine maßvollere Gangart. Aus einem der pastoralen Motive, eingeführt von den Holzbläsern, geht eine außergewöhnliche Episode hervor, wenn sich der „böse Einfluss“ aus dem ersten Satz aggressiv wieder einstellt, um von den Trommeln heruntergehämmert und den Blechbläsern heraustrompetet zu werden, so dass alles andere ausgelöscht wird. Elgar verband diese Passage mit einigen Zeilen aus Tennysons Maud: „Und mein Herz ist eine Handvoll Staub / und die Räder rollen über mein Haupt … / Die Hufe der Pferde schlagen / schlagen auf meinen Schädel ein, auf mein Gehirn“. Gegenüber den Orchestern, mit denen er das Stück probte, verglich er diese Passage mit dem „gräßlichen Pochen im Kopf, wenn man Fieber hat“. Der Albtraum verblasst und die Musik gleitet mühelos in ihre vorherige Stimmung zurück. Ein würdevoll fließendes Thema eröffnet das Finale, gefolgt von einem keckeren Motiv und dann einer nobilmente bezeichneten Melodie, die viele Jahre zuvor als Porträt von Hans Richter komponiert worden war, dem Dirigenten des Hallé. Diese Themen werden oft rastlos, manchmal fugal durchgeführt, bis der „Geist der Freude“ stark erweitert und langsam in einer tröstlichen Coda von üppiger Schönheit wiederkehrt, um die, wie Elgar gesagt hat, „leidenschaftliche Pilgerfahrt einer Seele“ zu beschließen.

Introduktion und Allegro wurden im März 1905 von den Streichern des London Symphony Orchestra uraufgeführt, für die sie komponiert waren. Sie wurden nicht gut gespielt, und das Werk brauchte mehrere Jahre, um als Meisterwerk anerkannt zu werden. Es ist für Streichquartett und vollständiges Streicherensemble angelegt und „ist eigentlich eine Huldigung an jenes liebliche Grenzgebiet [Herefordshire], das ich zu meiner Heimat gemacht habe“. Auf die prunkvolle Einleitung für das Streicherensemble antwortet das Quartett mit einem Allegretto-Thema, über das Elgar ein Zitat aus Cymbeline geschrieben hat: „Ein Lächeln mit dem Seufzer“. Dann spielt eine Solobratsche die herrliche „walisische Melodie“, so genannt, weil Elgar vorgehabt hatte, sie 1901 für eine „Walisische Ouvertüre“ einzusetzen. Das Allegro steht in G-Dur. Es umfasst eine „teuflische Fuge“, und das Werk endet mit einer üppig harmonisierten erneuten Darbietung des walisischen Themas. In diesem prägnanten, weit ausgreifenden, aber regelrecht klassisch angelegten Werk wird jedes Mittel eingesetzt, die Wirkung und Vielfalt des Streicherklangs auszunutzen und zu erkunden.

Michael Kennedy © 2004
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller

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