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American Light Music Classics

New London Orchestra, Ronald Corp (conductor)
Download only
Label: Hyperion
Recording details: February 1998
St Jude-on-the-Hill, Hampstead Garden Suburb, London, United Kingdom
Produced by Oliver Rivers
Engineered by Tony Faulkner
Release date: June 1998
Total duration: 73 minutes 22 seconds

They don't write 'em like this anymore. Some of the composers' names may not be familiar (Arndt, Pryor, Bratton, etc.) but it's a fair bet that most of their music will be—at least if you're over 'a certain age'. Here are some much-loved American light-music favorites to follow our best-selling CDs of British and European 'light music classics'. Some of these pieces have not been recorded in many a long year (we had great difficulty finding some of the music), and never as well as they are here (there are many intriguing sound effects, from a barking dog to the growling of teddy bears).

With its high 'nostalgia' factor we confidently predict that this CD is going to give a great deal of pleasure and put a smile of recognition on lots of faces. (By the way, in case you don't know, Rudolf Friml's Chanson is the original orchestral version of the tune which later became famous as The Donkey Serenade when sung by Allan Jones in the 1938 film The Firefly.)




‘These lovely old tunes have a freshness and charm akin to the best light-hearted literature or illustration from the same period. A splendid successor to the previous volumes’ (Gramophone)

‘These guys can take on the Boston Pops any day!’ (Classic FM)

‘A lovely, irresistible record’ (Birmingham Post)

«Une collection indispensable aux amateurs du genre!» (Diapason, France)

„Hewitt’s Liszt interpretations are both refined and dramatic, very personal and technically flawless. For anyone keen on getting a new view of Liszt this is enriching listening“ (Pizzicato, Luxembourg)

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In ‘popular music’ terms we tend to think of America as the home of jazz and vernacular song. Yet it has an enviable reputation for what the British call ‘light music’, albeit with an ample display of the greater rhythmic flexibility which typifies American popular music. Eloquent testimony is provided by this collection of nineteen pieces originating from a period covering the mid-nineteenth to the mid-twentieth century.

The marches of John Philip Sousa (1854–1932) are as much a staple part of any American light music collection as Strauss waltzes are of any European. The son of a Spanish-born father of Portuguese parentage and a Bavarian mother, Sousa was born in Washington DC. The Washington Post (1889) was one of his earliest worldwide hits and has remained one of the favourites. It was commissioned from him, as leader of the US Marine Band, by the newspaper of the same name for a ceremony attended by President Harrison on 15 June 1889 when awards were presented to winners of a schoolchildren’s essay competition run by the newspaper. The composition’s suitability for the fashionable two-step ensured its rapid worldwide fame. This recording uses an orchestral version by the British arranger Aubrey Winter (1870–1955).

Frederick Allen Mills (1869–1948), who composed under the name of ‘Kerry Mills’, was born in Philadelphia and, as a young man, taught violin at the University of Michigan. He formed his own publishing company, F A Mills, and composed minstrel songs and other numbers such as the enduring Meet me in St Louis, Louis (1904). However, his most distinctive contribution to popular music came with his jaunty, lightly syncopated ‘characteristic marches’, composed during the 1890s to satisfy the craze for the cakewalk, a forerunner of ragtime. His first such success was with Rastus on Parade (1895) which was followed most notably by At a Georgia Camp Meeting (1897) and Whistling Rufus (1899). This last is heard here in an orchestral version by Sidney Crooke.

A native of New York State of mixed Austrian and Russian parentage, Morton Gould (1913–1996) was another who successfully balanced popular and serious traditions. This he did particularly through compositions in popular idiom but modern symphonic garb. These are evidenced above all by his series of American Symphonettes, composed during the late 1930s. It was the third (1938) that contained the popular Pavanne, a modern evocation of the sixteenth-century dance whose title Gould apparently deliberately mis-spelled (with a double ‘n’) because he believed the result sounded more musical.

While both Ethelbert Nevin and George Gershwin died before they were forty, Felix Arndt (1889–1918) failed even to reach the age of thirty. Like Holzmann he was a native New Yorker and a student of the Conservatory. He became staff pianist for various publishers and is reckoned to have made some three thousand piano rolls. Chief among his own compositions is the rhythmically invigorating novelty piece Nola (1915), which is named after his wife—a fellow composer who survived him by almost sixty years. Nola is played here in its original American orchestration by John S Zamecnik (1872–1953).

Arthur Pryor (1870–1942) was one of three accomplished musician brothers from St Joseph, Missouri. He became so well known as a trombonist that he was styled the ‘Paganini of the trombone’. He was in turn a leading attraction of the bands of Patrick S Gilmore and John Philip Sousa, whose assistant conductor he became before forming his own band in 1903. Besides marches and trombone solos he composed many dances and novelty pieces, among which The Whistler and his Dog (1905) has proved the most enduring. Besides its extensive solo for the piccolo, it provides the opportunity for a brief but virtuoso demonstration of whistling and barking!

Undoubtedly the greatest exponent of American light orchestral music pure and simple was Leroy Anderson (1908–1975). Born in Cambridge, Massachusetts, he was educated at the New England Conservatory and at Harvard University, and then played the double bass and became freelance conductor and arranger for the Boston Pops and other orchestras. It was in the years immediately after World War II that he produced a remarkably successful sequence of short orchestral pieces full of delightful melody and inventive effects and admirably reflecting his own modest and unassuming nature. The first piece chosen here is the lilting waltz Belle of the Ball (1952).

Easily the oldest melody in the collection is that of The Arkansas Traveller. This old American fiddle tune dates back to 1847, being for ever associated with a dialogue story of a farmer playing the violin on his porch when a traveller stops and asks for directions. During the conversation it transpires that the farmer knows only the first part of his tune. When the traveller shows how the piece should end, he is invited in for musical entertain­ment and alcoholic refreshment. If the piece has the suggestion of Irish fiddle music about it, this may have something to do with it originating from the time of high Irish emigration to America because of the potato famine of 1845–1850. This recording uses a transcription of the tune by David Guion (1892–1981), orchestrated by Adolf Schmid (1868–1958).

John W Bratton (1867–1947) came from Wilmington, Delaware, and had experience as a baritone soloist, actor and theatre manager as well as as a composer of theatre music and novelty pieces. His most successful compositions were In a Cosey Corner (1901) and, above all, the novelty piece The Teddy Bears’ Picnic (1907). This latter enjoys the curiosity of being an American instrumental composition but a British song, having had words added for London dance-bands during the 1930s. Here we hear it in the splendid original orchestration, with its remarkable bear growls and delightful string touches, by Frank Saddler (died 1921) who also orchestrated many of Jerome Kern’s early shows.

New Yorker Edward MacDowell (1860–1908) was one of the first American composers to achieve a worldwide reputation for ‘serious’ music. His compositions include symphonic poems and two piano concertos, but his specialities were songs and, above all, piano pieces. These last include a collection of ten Woodland Sketches, Op 51 (1896), from which the first, the tender To a Wild Rose, became a hugely popular international salon piece. Legend has it that after writing it the composer consigned the manuscript to his waste-paper basket as not worth preserving. It was found by his wife when tidying up his study and she persuaded him to think again. The piece is heard here in an orchestration by the English composer-arranger Charles Woodhouse (1879–1939).

Abe Holzmann (1874–1939) was born in New York City and studied at the New York Conservatory before becoming a staff composer and arranger for various publishers. He wrote many songs and other pieces but was most successful with his two-step marches, of which the rousing Blaze Away! (1901) achieved the greatest success. Its swinging rhythms and ebullient melody make it one of the select number of marches that can be ranked with the best of Sousa, being as familiar on the dance floor as a two-step as on the parade ground as a march.

Rudolf Friml (1879–1972) needs no introduction as composer of Rose Marie, The Vagabond King and other successful theatre shows. Educated at the Conservatory in his native Prague where he was a composition pupil of Dvorák, he became a fine pianist and, as such, accompanist to the violinist Jan Kubelík. After touring the United States with Kubelík in 1906 he remained there, appearing as soloist with major symphony orchestras before launching himself as composer of theatre and instrumental works. The principal melody of his Chanson (1918) enjoyed popularity in two further forms. It reappeared in 1923 in a foxtrot version as Chansonette, in which form it was included (along with MacDowell’s To a Wild Rose) in the celebrated 1924 Paul Whiteman concert of ‘symphonic jazz’ at the Aeolian Hall in New York which introduced George Gershwin’s Rhapsody in Blue. It finally reached its widest audience when Herbert Stothart arranged its melody into ‘The Donkey Serenade’ for the 1937 Hollywood film of Friml’s The Firefly. Here we hear the original composition. Subtitled ‘In Love’ and described as a ‘mélodie’, it features a passionate central section in contrast to the familiar main theme. This recording uses the original orchestration by Adolf Minot.

‘Raymond Scott’ was the nom d’artiste of Harry Warnow (1908–1994), another native of New York. Educated at the Juilliard School of Music, he pursued a career as dance-band pianist and musical director for Hollywood films and for CBS in New York. He achieved fame during the late 1930s with an experimental dance quintet for which he composed light novelty pieces of which the best known is The Toy Trumpet (1937). It is heard here in an orchestral version by Philip Lane (b1950).

Before he died of a brain tumour, George Gershwin (1898–1937) achieved enough to establish a place as one of the most revered American composers in both the classical and popular musical fields. Born in Brooklyn to a Russian immigrant family, he was a brilliant pianist who was soon composing captivating jazz-tinted songs for the popular theatre. He then extended his compositional activities to embrace a piano concerto and the classic American folk-opera Porgy and Bess (1935). His final work was for Hollywood, and the piece known as Promenade was used as the accompaniment to Fred Astaire’s ‘Walking the dog’ sequence in the film Shall We Dance? (1936). The orchestral version used here is by Sol Berkowitz (b1922).

The second work by Leroy Anderson on this disc is the pizzicato piece Plink, Plank, Plunk! (1954). Anderson demonstrates his remarkable use of original effects by complementing the plucked strings with other sounds created by the string players rubbing the palms of their hands across the faces of their instruments.

Victor Herbert (1859–1924) was the first great Broadway composer. Born in Dublin, he trained as a cellist in Germany and Austria, and arrived in New York in 1886 as principal cellist of the Metropolitan Opera Orchestra. Famed later as bandmaster, conductor of the Pittsburgh Symphony Orchestra, and composer of two cello concertos and much else, he was above all a master of melody. Perhaps his most widely popular orchestral composition is The March of the Toys from his children’s show Babes in Toyland (1903), performed here in a version by Herbert’s fellow cellist and prolific orchestrator Otto Langey (1851–1922).

David Rose (1910–1990) was born in London but emigrated to the USA with his family at the age of four. He was educated at the Chicago Musical College and went on to compose scores for numerous films and television series. He also conducted for many long-playing albums and appeared as guest conductor with many orchestras. His best-known compositions include The Stripper (1961) and, above all, Holiday for Strings (1943), which has become one of the classics of the light orchestral repertory.

Pennsylvania-born Ethelbert Nevin (1862–1901) was partly educated in Europe and was another who charmed the salons of the world. This was as much with his songs The Rosary (1898) and Mighty Lak’ a Rose (1901) as with piano pieces such as Narcissus, the fourth of his five Water Scenes, Op 13 (1891). If its very familiarity has helped make it the occasional butt of humour, this performance in an orchestration by the British arranger W H Myddleton (c1858–1917) provides an excellent chance to appreciate its gentle charms afresh.

Don Gillis (1912–1978) hailed from Cameron, Missouri, and studied trombone and conducting at university in Texas. He became staff trombonist for a Fort Worth radio station and went on to conduct bands and orchestras throughout the United States. From 1944 to 1954 he was programme arranger for the National Broadcasting Company, producing Toscanini’s radio broadcasts. His compositions span both the popular and serious fields, embracing symphonies and piano concertos. His light-hearted attitude to classical tradition is demonstrated in the Symphony No 5½ (1948). Styled ‘A Symphony for Fun’, it embraces the classical symphonic four-movement structure in some fifteen minutes without ever becoming weighed down by conventional symphonic seriousness.

Richard Rodgers (1902–1979) was another of the greatest composers of American popular song. New York-born, he enjoyed a remarkably long career that divides into two contrasted but equally successful periods. During the first period he composed delightful song-and-dance musicals with librettist Lorenz Hart. In the second, with lyricist Oscar Hammerstein II, he significantly extended the range of the American musical with works of unprecedented international success. One of the greatest of these was Carousel (1945), whose ground-breaking nature is demonstrated by its symphonic waltz which sets the scene for the show in place of the traditional medley overture. This recording uses the original orchestration by Don Walker (1907–1989).

Andrew Lamb © 1998

En matière de «musique populaire», nous avons tendance à considérer l’Amérique comme le berceau du jazz et de la mélodie vernaculaire. Elle jouit pourtant d’une réputation enviable dans ce que les Britanniques appellent la «musique légère», non sans faire amplement montre d’une flexibilité rythmique plus grande, sceau de sa musique populaire. Ce florilège de dix-neuf pièces, qui couvre une période allant du milieu du XIXe siècle au milieu du XXe siècle, en est un témoignage éloquent.

Les marches de John Philip Sousa (1854–1932) sont à la musique légère américaine ce que les valses de Strauss sont à la musique légère européenne. Fils d’un Espagnol d’origine portugaise et d’une Bavaroise, Sousa naquit à Washington DC. The Washington Post (1889,) fut l’un de ses tout premiers succès mondiaux, et est resté l’un des plus en faveur. Directeur de l’US Marine Band, Sousa se vit commander cette pièce par le journal du même nom, qui avait organisé un concours de composition à l’intention des écoliers et requérait une musique pour la cérémonie de remise des prix—laquelle se déroula le 15 juin 1889, en présence du président Harrison. L’adaptabilité du morceau au «two-step» alors en vogue lui assura une rapide renommée internationale. Cet enregistrement reprend une version orchestrale de l’arrangeur britannique Aubrey Winter (1870–1955).

Natif de Philadelphie, Frederick Allen Mills (1869–1948), qui composa sous le nom de «Kerry Mills», enseigna, jeune homme, le violon à l’University of Michigan. Il monta sa propre maison d’édition, F.A. Mills, et composa des chansons de ménestrel et d’autres pièces, comme la durable Meet me in St Louis, Louis (1904). Mais sa contribution la plus typique à la musique populaire fut ses «marches caractéristiques» enjouées, légèrement syncopées, composées dans les années 1890 afin de satisfaire à l’engouement pour le cakewalk, avant-coureur du ragtime. Son premier succès du genre fut Rastus on Parade (1895), suivi surtout de At a Georgia Camp Meeting (1897) et de Whistling Rufus (1899), entendu ici dans une version orchestrale de Sidney Crooke.

Né à New York State de parents autrichien et russe, Morton Gould (1913–1996) rencontra, lui aussi, un égal succès dans les traditions populaire et sérieuse, notamment grâce à des compositions de style populaire coulées dans un vêtement symphonique moderne—ce que reflète surtout sa série d’American Symphonettes, écrites à la fin des années 1930. La troisième de ces pièces (1938) contenait la populaire Pavanne, évocation moderne de la danse du XVIe siècle, dont Gould orthographia délibérément mal le titre (avec deux «n»), apparemment persuadé que le résultat serait plus musical.

Si Ethelbert Nevin et George Gershwin moururent avant quarante ans, Felix Arndt (1889–1918) n’atteignit même pas ses trente ans. New-Yorkais de naissance, il étudia au Conservatoire, comme Holzmann, et devint pianiste pour divers éditeurs—on lui reconnaît la réalisation de quelque trois mille rouleaux pour piano mécanique. Il baptisa sa composition la plus remarquable, la nouveauté Nola (1915), au rythme revigorant, du nom de son épouse—une compositrice qui lui survécut près de soixante ans. Nola est jouée ici dans son orchestration américaine originale, de John S. Zamecnik (1872–1953).

Arthur Pryor (1870–1942) fut l’un des trois frères musiciens accomplis de St Joseph, Missouri. Surnommé le «Paganini du trombone», il fut tour à tour une attraction majeure des orchestres d’harmonie de Patrick S. Gilmore et de John Philip Sousa, dont il devint le chef d’orchestre adjoint avant de former son propre ensemble, en 1903. Auteur de marches et de solos de trombones, il composa aussi de nombreuses danses et nouveautés—dont The Whistler and his Dog (1905), sa pièce la plus durable, qui offre, outre son vaste solo pour le piccolo, l’occasion d’une démonstration, brève mais virtuose, de sifflements et d’aboiements!

Le plus grand apôtre de la musique légère orchestrale américaine fut indubitablement Leroy Anderson (1908–1975). Né à Cambridge, Massachusetts, il fit ses études au New England Conservatory et à Harvard University puis joua de la contrebasse et devint chef d’orchestre et arrangeur indépendant pour les Boston Pops, entre autres. Juste après la Seconde Guerre mondiale, il produisit une série de brèves pièces orchestrales, au succès remarquable; regorgeant de mélodies ravissantes et d’effets inventifs, elles reflètent admirablement la nature modeste et humble de leur compositeur. Les deux morceaux proposés ici sont la mélodieuse valse Belle of the Ball (1952) et la pièce en pizzicato Plink, Plank, Plunk! (1954), où Anderson démontre son extraordinaire capacité à user d’effets originaux, telle l’adjonction aux cordes en pizzicato d’autres sonorités créées par les contrebassistes frottant leurs paumes contre les faces de leurs instruments.

La plus ancienne mélodie de cette anthologie est, sans aucun doute, celle de The Arkansas Traveller. Ce vieil air pour violon américain, qui remonte à 1847, est à jamais associé à l’histoire dialoguée d’un fermier jouant du violon sur son perron et d’un voyageur venu lui demander son chemin. Durant la conversation, il apparaît que le fermier ne connaît que la première partie de la mélodie. Le voyageur lui montre comment le morceau finit et est invité à entrer pour un divertissement musical et un rafraîchissement alcoolisé. L’évocation de la musique pour violon irlandaise tient peut-être au contexte originel de cette pièce, qui naquit au moment de la grande émigration irlandaise en Amérique, suite à la disette de la pomme de terre (1845–1850). Cet enregistrement utilise une transcription de la mélodie réalisée par David Guion (1892–1981), orchestrée par Adolf Schmid (1868–1958).

Baryton soliste, acteur et directeur de théâtre originaire de Wilmington, Delaware, John W. Bratton (1867–1947) fut également compositeur de musiques de scène et de nouveautés. Ses œuvres les plus célèbres furent In a Cosey Corner (1901) et, surtout, la nouveauté The Teddy Bears’ Picnic (1907), qui présente la curiosité d’être et une composition instrumentale américaine, main une chanson britannique, des paroles ayant été ajoutées pour les orchestres de danse londoniens, dans les années 1930. Nous l’entendons ici dans la splendide orchestration originale—avec ses remarquables grognements d’ours et ses délicieux touchers de cordes—de Frank Saddler (mort en 1921), qui orchestra, en outre, nombre des premiers spectacles de Jerome Kern.

Le New-Yorkais Edward MacDowell (1860–1908) fut l’un des premiers compositeurs américains à atteindre à une réputation mondiale en matière de musique «sérieuse». Des poèmes symphoniques et deux concertos pour piano figurent parmi ses œuvres, mais ses spécialités furent les mélodies et, surtout, les pièces pour piano. Citons, notamment, un recueil de dix pièces pour piano, Woodland Sketches, op.51 (1896), dont la première, la tendre To a Wild Rose, devint une pièce de salon internationale immensément populaire. La légende veut que, son manuscrit achevé, le compositeur le jetât dans sa corbeille à papiers, jugeant qu’il ne valait pas d’être conservé. Sa femme le découvrit en rangeant le bureau et le persuada d’y repenser. Cette pièce est entendue ici dans une orchestration du compositeur-arrangeur anglais Charles Woodhouse (1879–1939).

Abe Holzmann (1874–1939), né à New York City, étudia au New York Conservatory avant de devenir compositeur et arrangeur pour divers éditeurs. Il écrivit de multiples mélodies et pièces, mais son plus grand succès fut les marches de pas de deux, notamment l’entraînante Blaze Away!. Ses rythmes swinguants et sa mélodie exubérante en font l’une des rares marches du même rang que les meilleures pièces de Sousa, aussi familière sur la piste de danse, comme «two-step», que sur le terrain de manœuvres, comme marche.

Il n’est nul besoin de présenter Rudolf Friml (1879–1972), compositeur de Rose Marie, de The Vagabond King et d’autres spectacles de théâtre à succès. Formé au conservatoire de son Prague natal, où il étudia la composition avec Dvorák, il devint bon pianiste et accompagna, à ce titre, le violoniste Jan Kubelík. Au terme d’une tournée aux États-Unis avec Kubelík, en 1906, il resta dans le pays et apparut comme soliste dans divers grands orchestres symphoniques avant de se lancer comme compositeur d’œuvres de scène et de pièces instrumentales. La mélodie principale de sa Chanson (1918) connut la popularité sous deux autres formes. Elle réapparut en 1923, dans une version en fox-trot intitulée Chansonette, qui fut incluse (avec le To a Wild Rose de MacDowell) dans le fameux concert de «jazz symphonique» donné par Paul Whiteman à l’Aeolian Hall de New York, en 1924—lequel concert présenta aussi la Rhapsody in Blue de George Gershwin. Mais elle trouva finalement son plus large public lorsque Herbert Stothart l’arrangea en «The Donkey Serenade» pour le film hollywoodien (1937) inspiré de The Firefly de Friml. Nous entendons ici la version originale; sous-titrée «In Love» et décrite comme une «mélodie», elle présente une section centrale passionnée qui contraste avec le thème principal familier. Cet enregistrement utilise l’orchestration originale d’Adolf Minot.

«Raymond Scott» fut le nom d’artiste d’un autre New-Yorkais, Harry Warnow (1908–1994). Ses études à la Juilliard School of Music achevées, il poursuivit une carrière de pianiste d’orchestre de danse et de directeur musical pour les films d’Hollywood et pour CBS, à New York. Il devint célèbre, à la fin des années 1930, avec un quintette de danse expérimental pour lequel il composa des nouveautés légères, dont la plus célèbre, The Toy Trumpet (1937), est entendue ici dans une version orchestrale de Philip Lane (né en 1950).

Avant de mourir d’une tumeur au cerveau, George Gershwin (1898–1937) réalisa suffisamment d’œuvres pour s’affirmer comme l’un des compositeurs américains les plus vénérés, dans la musique tant classique que populaire. Né à Brooklyn dans une famille d’immigrants russes, ce brillant pianiste composa bientôt de captivantes mélodies de saveur jazz, destinées au théâtre populaire. Puis, il étendit ses activités créatrices au point de composer un concerto pour piano et l’opéra populaire classique américain Porgy and Bess (1935). Sa dernière œuvre fut pour Hollywood, et la pièce connue sous le titre de Promenade servit d’accompagnement à la séquence de Fred Astaire «Walking the dog», dans le film Shall We Dance? (1936). La présente version orchestrale est de Sol Berkowitz (né en 1922).

Victor Herbert (1859–1924) fut le premier grand compositeur de Broadway. Né à Dublin, il reçut une formation de violoncelliste en Allemagne et en Autriche, puis vint à New York, en 1886, comme violoncelliste du Metropolitan Opera Orchestra. Célèbre, par la suite, comme chef d’harmonie, chef d’orchestre du Pittsburgh Symphony Orchestra et compositeur, entre autres, de deux concertos pour violoncelle, il fut avant tout l’un des maîtres de la mélodie. Peut-être sa composition orchestrale la plus populaire est-elle The March of the Toys, extraite de son spectacle pour enfants Babes in Toyland (1903), interprétée ici dans une version d’Otto Langey (1851–1922), collègue violoncelliste d’Herbert et orchestrateur prolifique.

David Rose (1910–1990) naquit à Londres mais émigra, avec sa famille, aux États-Unis, à l’âge de quatre ans. Passé des études au Chicago Musical College, il composa des partitions pour quantité de films et de séries télévisées. Il assura également la direction de nombreux albums microsillons et fut chef invité auprès de maints orchestres. Parmi ses compositions les plus connues, citons The Stripper (1961) et, surtout, Holiday for Strings (1943), devenu l’un des classiques du répertoire orchestral léger.

Le Pennsylvanien Ethelbert Nevin (1862–1901), en partie éduqué en Europe, charma, lui aussi, les salons du monde entier, et ce autant avec ses mélodies The Rosary (1898) et Mighty Lak’ a Rose (1901) qu’avec des pièces pour piano comme Narcissus, la quatrième de ses cinq Water Scenes, op.13 (1891). Si sa simplicité même a pu contribuer à en faire, parfois, la cible de l’humour, cette interprétation, dans une orchestration de l’arrangeur britannique W.H. Myddleton (ca1858–1917), fournit une excellente occasion d’apprécier de nouveau ses charmes doux.

Don Gillis (1912–1978), originaire de Cameron, Missouri, étudia le trombone et la direction d’orchestre l’université de Texas, puis devint tromboniste pour une station de radio de Fort Worth avant de diriger des orchestres d’harmonie et symphoniques à travers tous les États-Unis. De 1944 à 1954, il fut arrangeur des programmes de la National Broadcasting Company, produisant les émissions de radio de Toscanini. Ses compositions embrassèrent les genres populaire et sérieux, avec des symphonies et des concertos pour piano. Son attitude bon enfant envers la tradition classique est attestée dans la Symphonie no5½ (1948). Surnommée «A Symphony for Fun», elle couvre la structure classique, à quatre mouvements, en une quinzaine de minutes, sans jamais être alourdie par un sérieux symphonique conventionnel.

Richard Rodgers (1902–1979) compta, lui aussi, parmi les plus grands compositeurs de mélodies populaires américaines. Originaire de New York, il jouit d’une carrière remarquablement longue, scindée en deux périodes contrastées mais également heureuses. Après avoir composé de ravissantes comédies musicales, chantées et dansées, avec le librettiste Lorenz Hart, il étendit largement le registre de la comédie musicale américaine en concevant, avec le parolier Oscar Hammerstein II, des œuvres qui connurent un succès international sans précédent. Parmi les plus majeures figure Carousel (1945), dont la nature pionnière est attestée par la valse symphonique qui met en place le spectacle, supplantant la traditionnelle ouverture de pot-pourri. Cet enregistrement reprend l’orchestration originale de Don Walker (1907–1989).

Andrew Lamb © 1998
Français: Hypérion

Was die popularmusik betrifft, so betrachten wir Amerika im allgemeinen als die Heimat des Jazz und des volkstümlichen Song. Doch das Land hat auch einen beneidenswerten Ruf für das, was auf deutsch als Unterhaltungsmusik bezeichnet wird, wenn auch mit einer umfassenden Zuschaustellung der für amerikanische Popularmusik typischen größeren rhythmischen Flexibilität. Ein ausdrucksvolles Zeugnis dessen gibt diese aus neunzehn Stücken bestehende Sammlung, die sich über einen Zeitraum von der Mitte des neunzehnten bis zur Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts erstreckt.

Die Märsche von John Philip Sousa (1854–1932) sind mit der gleichen Häufigkeit in jeder Sammlung amerikanischer Unterhaltungsmusik vertreten wie die Strauß-Walzer in einer europäischen. Sousa wurde als Sohn eines spanischen Vaters portugiesischer Abstammung und einer bayerischen Mutter in Washington DC geboren. The Washington Post (1889) war einer seiner frühesten Welthits und ist auch heute noch ein Favorit. Das Stück war bei ihm in seiner Funktion als Leiter der US Marine Band von der gleichnamigen Zeitung für eine Zeremonie, der Präsident Harrison am 15. Juni 1889 beiwohnte, in Auftrag gegeben worden. Bei dieser sollte die Preisverleihung für einen von der Zeitung veranstalteten Schüleraufsatzwettbewerb stattfinden. Die Tatsache, daß sich das Werk für den modischen Twostep eignete, sicherte ihm schnellen weltweiten Ruhm. In dieser Aufnahme ist eine Orchesterversion von der britischen Arrangeurin Aubrey Winter (1870–1955) zu hören.

Frederick Allen Mills (1869-1948), der unter dem Namen „Kerry Mills“ komponierte, ist in Philadelphia geboren und gab als junger Mann Violinenunterricht an der Universität von Michigan. Er gründete seinen eigenen Verlag, F. A. Mills, und komponierte Minstrels und andere Stücke wie Meet me in St Louis, Louis (1904), das sich bis heute gehalten hat. Sein bezeichnendster Beitrag zur Unterhaltungsmusik kam jedoch mit seinen flotten, leicht synkopierten „Charaktermärschen“, die er in den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts schrieb, um einer Riesennachfrage nach dem Cakewalk, einem Vorgänger des Ragtime, nachzukommen. Seinen ersten Erfolg dieser Art verzeichnete er mit Rastus on Parade (1895), gefolgt, von denen At a Georgia Camp Meeting (1897) und Whistling Rufus (1899) besonders beachtenswert sind. Letzteres ist hier in einer Orchesterversion von Sidney Crooke zu hören.

Ein weiterer Komponist, der das richtige Gleichgewicht zwischen den Traditionen der Unterhaltungsmusik und der ernsten Musik gefunden hat, war Morton Gould (1913–1996), der im Bundesstaat New York als Sohn eines österreichisch-russischen Elternpaares geboren war. Dieses Gleichgewicht erreichte er insbesondere durch Kompositionen, die in unterhaltsamer Tonsprache geschrieben waren, jedoch in einer moderenen symphonischen Hülle steckten. All dies wird mit seiner Reihe American Symphonettes bestätigt, die er Ende der 30er Jahre schrieb. Das dritte Stück in dieser Reihe von 1938 enthält die beliebte Pavanne, eine moderne Heraufbeschwörung des Tanzes aus dem 17. Jahrhunderts, dessen Titel Gould anscheinend mit Absicht falsch schrieb (mit zwei N), weil er glaubte, daß das Ergebnis musikalischer klinge.

Während weder Ethelbert Nevin noch George Gershwin ihren vierzigsten Geburtstag erlebten, erreichte Felix Arndt (1889–1918) nicht einmal das dreißigste Lebensjahr. Wie Holzmann war er gebürtiger New Yorker und studierte am dortigen Konservatorium. Er wurde festangestellter Musiker bei diversen Verlegern, und man schätzt, daß er circa dreitausend Klavierrollen produziert hat. An erster Stelle unter seinen eigenen Kompositionen steht das rhythmisch belebende „Novelty Piece“ Nola (1915). Es ist nach seiner ebenfalls als Komponistin tätigen Frau benannt, die ihn um beinahe sechzig Jahre überlebte. Nola wird hier in seiner ursprünglichen amerikanischen Orchestrierung von John S. Zamecnik (1872–1953) gespielt.

Arthur Pryor (1870–1942) war einer der drei vorzüglichen Musikerbrüdern aus St. Joseph im Bundesstaat Missouri. Als Posaunist wurde er so bekannt, daß man ihn als „Paganini der Posaune“ bezeichnete. Er war die größte Attraktion der Bands von Patrick S. Gilmore und John Philip Sousa, dessen assistierender Dirigent er wurde, bevor er 1903 seine eigene Band gründete. Neben Märschen und Posaunensoli komponierte er zahlreiche Tänze und „Novelty Pieces“, von denen sich The Whistler and his Dog (1905) als am dauerhaftesten erwiesen haben. Außer einem langen Pikkolosolo bietet es Gelegenheit für eine kurze, jedoch virtuose Zuschaustellung von Pfeif- und Bellgeräuschen!

Zweifelsohne der größte Vertreter schlichter und einfacher amerikanischer Unterhaltungsmusik für Orchester war Leroy Anderson (1908–1975). Der in Cambridge im Bundesstaat Massachusetts geborene Musiker studierte am New England Conservatory und in Harvard, spielte sodann den Kontrabaß und wurde freischaffenden Dirigent und Arrangeur für das Boston Pops und andere Orchester. In der Zeit unmittelbar nach dem zweiten Weltkrieg brachte er eine bemerkenswert erfolgreichen Reihe kurzer Orchesterstücke hervor, die voller herrlicher Melodik und einfallsreicher Effekte sind und sein eigenes bescheidenes und anspruchsloses Wesen vortrefflich widerspiegeln. Bei den beiden für diese Einspielung gewählten Stücken handelt es sich um den beschwingten Walzer Belle of the Ball (1952) und das Pizzicato-Stück Plink, Plank, Plunk! (1954). In letzterem demonstriert Anderson seinen ungewöhnlichen Einsatz von originellen Effekten, indem er die gezupften Saiteninstrumente mit anderen, von den Kontrabaßspielern durch Reiben der Handflächen über den Resonanzboden ihrer Instrumente produzierten Klängen vervollständigt.

Leicht die älteste Melodie in dieser Sammlung ist The Arkansas Traveller. Diese alte amerikanische Fiddle-Melodie stammt aus dem Jahr 1847 und ist auf alle Ewigkeit mit einer Geschichte verbunden, dem Dialog zwischen einem Farmer, der auf seiner Veranda die Fiddle spielt, und einem Reisenden, der dort halt macht und nach dem Weg fragt. Im Laufe der Unterhaltung kommt heraus, daß der Farmer nur den ersten Teil seiner Melodie kennt. Als der Reisende ihm zeigt, wie das Stück enden sollte, wird er zu Musik und auf ein Gläschen ins Haus eingeladen. Wenn einen das Stück an irische Fiddle-Musik denken läßt, so mag es damit etwas zu tun haben, daß sie aus einer Zeit stammt, in der zahlreiche Iren aufgrund der von 1845 bis 1850 andauernden Hungersnot nach Amerika auswanderten. In dieser Aufnahme verwenden wir eine Transkription der Melodie von David Guion (1892–1981), die von Adolf Schmid (1868–1958) orchestriert wurde.

John W. Bratton (1867–1947) kam aus Wilmington im Bundesstaat Delaware, und hatte Erfahrung als Bariton Solist, Schauspieler und Schauspieldirekter ebenso wie als Komponist von Bühnenmusik und „Novelty Pieces“, also als musikalische Scherze konzipierte Stücke—In a Cosey Corner (1901) und vor allem das „Novelty Piece“ The Teddy Bears’ Picnic (1907). Was an letzterem kurios ist, ist daß es sich um eine amerikanische Instrumentalkomposition, jedoch ein britisches Lied handelt, dessen Text Londoner Tanzbands in den 30er Jahren hinzugefügt hatten. Hier hören wir es in seiner wunderbaren Originalorchestrierung mit dem augefallenen Bärenbrummen und köstlichen Streichernoten von Frank Saddler (gest. 1921), der auch viele von Jerome Kerns frühen Shows orchestrierte.

Der New Yorker Edward MacDowell (1860–1908) war einer der ersten amerikanischen Komponisten, der sich einen weltweiten Ruf für „ernste“ Musik machte. Zu seinen Kompositionen zählen symphonische Dichtungen und zwei Klavierkonzerte, doch seine Spezialität waren Songs und vor allem Klavierstücke. Letztere umfassen eine Sammlung von zehn Woodland Sketches, Op. 51 (1896), von denen die erste, das zärtliche To a Wild Rose, ein sich außerordentlicher Popularität erfreundendes internationales Salonstück wurde. Der Komponist soll das Manuskript zu dieser Komposition nach getaner Arbeit in den Papierkorb verbannt haben, da es des Aufhebens nicht wert war. Dort fand es jedoch seine Gattin beim Saubermachen des Arbeitszimmers, und sie überredete ihn, es sich noch einmal zu überlegen. Das Stück, das Sie hier hören, ist eine Orchestrierung des englischen Komponisten und Arrangeur Charles Woodhouse (1879–1939).

Abe Holzmann (1874–1939) wurde in New York City geboren und studierte am New Yorker Konservatorium, bevor er bei diversen Verlegern eine feste Stellung als Komponist und Arrangeur hatte. Er komponierte zahlreiche Songs und andere Nummern, doch am erfolgreichsten war er mit seinen Twostep-Märschen, von denen der mitreißende Blaze Away! (1901) den größten Erfolg hatte. Sein schwingender Rhythmus und seine überschwengliche Melodie machen ihn zu einem der wenigen Märsche, die, dadurch, daß er auf der Tanzfläche als Twostep ebenso bekannt ist wie als Parademarsch, einem Vergleich mit Sousas besten Märschen standhalten können.

Rudolf Friml (1879–1972) muß man nicht erst als den Komponisten von Rose Marie, The Vagabond King und anderen erfolgreichen Revuen vorstellen. Friml, der in seiner Heimatstadt Prag am Konservatorium studierte, wo er von Dvorák in Kompositionslehre unterrichtet wurde, entwickelte sich zu einem vorzüglichen Pianisten und wurde als solcher Begleiter des Violinisten Jan Kubelík. Nachdem er 1906 mit Kubelík auf eine USA-Tournee gegangen war, blieb er dort und trat als Solist mit bedeutenden Symphonieorchestern auf, bevor er seine eigene Karriere als Komponist von Bühnen- und Instrumentalmusik startete. Die Hauptmelodie seines Chanson (1918) war in zwei weitere Formen beliebt. Sie tauchte 1923 noch einmal als Foxtrott-Version unter dem Titel Chansonette auf. In dieser Form wurde sie (zusammen mit MacDowells To a Wild Rose) bei Paul Whitemans gefeierten Konzert des „symphonischen Jazz“, das 1924 in der Aeolian Hall in New York stattfand und bei dem George Gershwins Rhapsody in Blue vorgestellt wurde, gespielt. Seine größte Verbreitung fand das Stück schließlich, als Herbert Stothart es als „Donkey Serenade“ für die Hollywood-Verfilmung von Frimls The Firefly bearbeitete. Hier hören wir jedoch die Originalkomposition. Die mit dem Untertitel „In Love“ versehene und als „mélodie“ beschriebene Version beistzt als Kontrast zum bekannten Hauptthema einen leidenschaftlichen Mittelteil. Bei dieser Einspielung wird die Originalorchestrierung von Adolf Minot verwendet.

„Raymond Scott“ war der Künstlername von Harry Warnow (1908–1994), einem weiteren gebürtigen New Yorker. Er wurde an der Juilliard School of Music ausgebildet und ging einer Karriere als Tanzkapellenpianist und musikalischer Leiter für Hollywoodfilme und für CBS in New York nach. In den späten 30er Jahren kam er mit einem experimentellen Tanzquintett zu Ruhm, für das er leichte „Novelty Pieces“ komponierte. Das bekannteste ist The Toy Trumpet (1937). Es ist hier in einer Orchesterversion von Philip Lane (geb. 1950) zu hören.

Bevor George Gershwin (1898–1937) an einem Gehirntumor starb, hatte er genügend erreicht, um sich einen Platz als einer der angesehendsten Komponisten sowohl der ernsten Musik als auch der Unterhaltungsmusik zu sichern. Der in Brooklyn in eine russische Einwandererfamilie geborene Gershwin war ein glänzender Klavierspieler, der schon bald fesselnde, vom Jazz angehauchte Songs für das Volkstheather schrieb. Er dehnte seine Kompositionstätigkeit auf ein Klavierkonzert und die klassische amerikanische Folk-Oper Porgy and Bess (1935) aus. Sein letztes Werk war für Hollywood, und das unter dem Titel Promenade bekannte Stück wurde als Begleitung zu Fred Astaires „Gassigehen“-Sequenz in dem Film Shall We Dance? (1936) eingesetzt. Die hier verwendete Orchesterversion stammt von Sol Berkowitz (geb. 1922).

Victor Herbert (1859–1924) war der erste große Broadway-Komponist. Er war in Dublin geboren, wurde in Deutschland und Österreich als Cellist ausgebildet und kam 1886 als erster Cellist des Metropolitan Opera Orchestra nach New York. Der später als Kapellmeister, Dirigent des Pittsburgh Sympohny Orchestra und Komponist von zwei Cellokonzerten und vielem mehr berühmte Musika war in allererster Linie ein Meister der Melodie. Seine sich vielleicht der weitesten Beliebtheit erfreuende Orchesterkomposition ist The March of the Toys aus seiner Kinderrevue Babes in Toyland (1903), die hier in einer Version von Herberts Cellistenkollegen und schaffensfreudigen Orchestrierer Otto Langey (1851–1922) gespielt wird.

David Rose (1910–1990), wurde in London geboren, wanderte jedoch im Alter von vier Jahren mit seiner Familie nach Amerika aus. Er erhielt seine Ausbildung am Chicago Musical College und komponierte sodann Partituren für zahlreiche Filme und Fernsehserien. Er dirigierte auch bei vielen LP-Alben und trat als Gastdirigent zahlreicher Orchester auf. Zu seinen bekanntesten Kompositionen zählen The Stripper (1961) und vor allem Holiday for Strings (1943), das zu einem der Klassiker im Repertoire der leichten Orchestermusik geworden ist.

Der im Bundesstaat Pennsylvania geborene Ethelbert Nevin (1862–1901) erhielt einen Teil seiner Bildung in Europa, und auch er verzückte die Salons der Welt, und zwar ebenso mit seinen Songs The Rosary (1898) und Mighty Lak’ a Rose (1901) der wie mit Klavierstücken wie Narcissus, der vierten seiner fünf Water Scenes, Op. 13 (1891). Wenn auch gerade seine Bekanntheit es gelegentlich zum Ziel von Spott machte, so stellt diese Aufführung in einer Orchestrierung des britischen Arrangeurs W.H. Myddleton (ca. 1858–1917) eine ausgezeichnete Gelegenheit dar, um seine sanften Reize von neuem zu schätzen.

Don Gillis (1912–1978) stammte aus Cameron im Bundesstaat Missouri und studierte in Texas Posaune und Dirigieren. Er bekam eine feste Stelle als Posaunist bei einem Radiosender in der texanischen Stadt Fort Worth und dirigierte darauf anschließend Bands und Orchester in den ganzen Vereinigten Staaten. Von 1944 bis 1954 war er Programmplaner für die National Broadcasting Company (NBC) und war der Spielleiter für Toscaninis Radiosendungen. Seine Kompositionen erstrecken sich sowohl über den Bereich der Unterhaltungsmusik als auch der errnsten Musik, einschließlich Symphonien und Klavierkonzerten. Seine unbeschwerte Haltung, was die klassische Tradition betraf, ist aus der Symphony No 5½ (1948) ersichtlich. Bezeichnet als „A Symphony for Fun“ („Eine Symphonie zum Spaß“), enthält sie die klassische viersätzige Struktur einer Symphonie in fünfzehn Minuten, ohne jemals von der konventionellen Ernstheit von Symphonien niedergedrückt zu werden.

Richard Rodgers (1902–1979) zählt ebenfalls zu den größten Komponisten des amerikanischen Schlagers. Der gebürtige New Yorker erfreute sich einer auffallend langen Karriere, die sich in zwei kontrastierende, jedoch gleichermaßen erfolgreiche Perioden unterteilen läßt. Während der ersten komponierte er mit dem Librettisten Lorenz Hart herrliche Sing- und Tanz-Musicals. In der zweiten erweiteterte er den Umfang des amerikanischen Musicals enorm und mit noch nie dagewesenem internationalen Erfolg. Einer der größten Hits war Carousel (1945). Wie bahnbrechend dieses Musical ist, zeigt der symphonische Walzer, der anstelle der herkömmlichen Medley-Ouvertüre der Show ihren Rahmen gibt. Für diese Aufnahme wird die Originalorchestrierung von Don Walker (1907–1989) verwendet.

Andrew Lamb © 1998
Deutsch: Anke Vogelhuber

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