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Label: Helios
Recording details: January 1997
Various recording venues
Produced by Various producers
Engineered by Various engineers
Release date: March 1997
Total duration: 77 minutes 27 seconds

Eugène Ysaÿe was the charismatic and flamboyant successor to Wieniawski in the great French tradition of violin virtuosity. Yet he was to take the genre to new and giddy heights with his Six Sonatas for solo violin of 1924. Each sonata is dedicated to one of the rising stars of the younger generation of virtuosos and the work as a whole is in many ways a twentieth-century response to the Six Sonatas and Partitas for solo violin by Bach.

The two works for violin and piano on this recording are in a rather less virtuosic vein and date from some thirty years earlier. Rêve d'enfant is a short and tender lullaby in the spirit of Fauré, while the Poème élégiaque, itself dedicated to Fauré, combines a sublime atmosphere with unashamedly Wagnerian vision.


‘Even the most demanding of Ysaÿe's flights of fancy sound beautiful, with the accurate tuning complemented by fine tone, thrillingly precise fingerwork, plus excellent recording’ (Gramophone)

‘Graffin's unfailing intonation places this disc at the top of the available versions’ (The Strad)

‘Obviously and enthusiastically recommended’ (Fanfare, USA)

«Excellent enregistrement, transparent, précis, avec une excellents restitution des timbres. Définition parfaite» (Diapason, France)
Born in Liège, famous for its violinistic tradition, Ysaÿe was not a child prodigy but soon became the student first of Henryk Wieniawski in Brussels and then of Henry Vieuxtemps, who brought him to Paris where he spent three important years at the end of the 1870s. Wieniawski and Vieuxtemps are both legendary figures from the history of the violin, in the tradition of virtuoso–composers like Paganini: Ysaÿe was to become their spiritual son. A self-taught composer, his first works were violin showpieces written for his own use—following in the footsteps of his masters—including tarantellas, mazurkas and even concertos, which for the most part remain unpublished. In 1878 a first journey to Germany to play with Clara Schumann opened new horizons, introducing him to the great Joseph Joachim who, upon hearing him, declared: ‘I have never heard anybody play like that.’ This statement, however ambiguous, does underline the novelty of Ysaÿe’s playing for the time, particularly concerning his vibrato. Joachim used it very sparingly, considering it an effect associated with café violinists, whereas Ysaÿe’s vibrato was constant, varied and free. Ysaÿe’s playing was modern, with a full palette of colours, and he was a powerful influence within ‘new’ French music. In 1879 he took some lessons with Joachim and settled in Berlin where he became Konzertmeister for the Brasserie Bilse orchestra, which later became the Berlin Philharmonic. Joachim was a great influence on Ysaÿe, helping the young virtuoso to become a true musician.

In 1882 Ysaÿe returned to Paris and formed ties with the composers of the Société Nationale, active in the renewal of French music. Like Joachim, he immersed himself in the music of his time and soon formed his own string quartet. Ysaÿe inspired numerous masterpieces: first Franck’s sonata, which he received as a wedding present in 1886, then the string quartets of d’Indy and Debussy, the Concert and Poème of Chausson, the lesser-known string quartet of Saint-Saëns, the first piano quintet of Fauré and the sonatas of Lekeu, Magnard, Vierne, Lazzari, Raff, Ropartz, and others. All these works are dedicated to him.

In Brussels Ysaÿe was appointed Professor at the Conservatiore and, with ‘Le groupe des vingts’, which organized concerts during art exhibitions, he premiered numerous French works. It was not long before he created his own concert society bearing his name and thus acquired some experience as a conductor. During the First World War he was forced into exile in London, where he gave numerous concerts for the allied forces. He was offered the Directorship of the New York Philharmonic, which he refused, but he later accepted the equivalent post in Cincinatti, a position he held from 1918 to 1922. French music was to be highly represented during his stay. He then went back to Belgium where his sons helped him to rebuild the ‘Société des Concerts Ysaÿe’. He continued to teach and compose, even writing an opera in the Walloon dialect—Pier ly Houyeu (‘Peter the coal miner’). After hearing it on the radio on his deathbed, Ysaÿe died in Brussels in 1931.

With the Poème élégiaque, Op 12, written in 1892–3, Ysaÿe moved away from the pieces he wrote merely for virtuosic purposes in his youth. The only legacy from the virtuoso practice of the past is the scordatura: the G string is here tuned to an F, giving a dark colour, the violin sounding sometimes like a viola. First written for violin and piano, Ysaÿe later orchestrated the piece. The work is dedicated to Gabriel Fauré, from whom he had already commissioned a piano quintet (Op 89, which the composer was to take a further ten years to finish). However, it was upon Ernest Chausson that the Poème élégiaque was to have a great influence, serving as the example for the famous Poème which he would write three years later. Ysaÿe the interpreter participated here fully in the creative process. The similarities between the two works are striking: the general atmosphere, the Wagnerism, the shape, the sublime trills at the end … Ysaÿe helped in writing the violin part, in particular the cadenza of the work which Chausson eventually called ‘mon– ton poème’ (‘my–your poème’).

At about the same time, during a particularly long tour, Ysaÿe wrote his Rêve d’enfant (‘A child’s dream’), Op 14, which he dedicated to his youngest son Antoine. It is a lullaby close in spirit to Fauré’s Berceuse, Op 16, and its short length allowed its composer, at the beginning of the recording era, to leave with us a particularly touching and inimitable performance.

The Six Sonatas for solo violin, Op 27 constitute the violinistic testament of Ysaÿe. Each of the sonatas is amicably dedicated to a violinist of the younger generation. They were composed with the personality of each dedicatee in mind, but maintain an overall unity of style. Ysaÿe sketched them in twenty-four hours following a recital by Joseph Szigeti, to whom the first sonata is dedicated. Ysaÿe was impressed by the way Szigeti played Bach, and Szigeti saw in the Op 27 ‘an attempt, probably subconscious, from Ysaÿe to interpret this music’. Indeed, I believe that these sonatas are impregnated with Ysaÿe’s own interpretation of Bach’s sonatas as much as with the masterworks themselves.

The first sonata adopts the Bach sonata form: four movements with a fugue, a form that Bartók, a close friend of Szigeti, would take on later in his sonata for solo violin. Based on the Gregorian ‘Dies irae’, the second sonata is dedicated to Jacques Thibaud, who was his student and protégé. The two first movements were inspired by Bach’s third partita in E major and one could link this sonata with the principle of ‘collages’ that the cubist painters started using some fifteen years earlier.

The third sonata (titled ‘Ballade’, a reference to Chopin) is inspired by the character—free and profoundly Romanian—of its dedicatee, George Enescu. Ysaÿe had a special admiration for Enescu both as a composer and violinist. Josef Gingold, while studying with Ysaÿe in Brussels, premiered the work during a dinner in honour of Queen Elisabeth of Belgium. The young violinist, while warming up in a side room, realized that the beginning of the sonata had slipped his mind, discovering with a fright that he had left the manuscript at home. He resigned himself to disturbing Ysaÿe (whose foot had been amputated due to gout and could only leave the table with difficulty). He explained the situation to his master but to his great surprise, Ysaÿe did not remember it either! Ysaÿe advised him to start from the main theme and went back to his table in a very bad mood. A little later, while going on stage, Gingold recovered his memory and could not help laughing throughout his performance. The work became a great success and is now an essential part of the repertoire for solo violin. One can also notice the influence of Debussy’s La mer in the development section.

The fourth sonata is dedicated to Fritz Kreisler. The Sarabande is of great tenderness, based around four-note ostinato. The Finale is characteristic of Kreisler’s playing and of his short pieces like the Tambourin chinois. To thank him Kreisler wrote and dedicated his Recitative and scherzo caprice for violin solo ‘à la Ysaÿe’.

The fifth sonata is dedicated to Mathieu Crickboom, who was the second violin of Ysaÿe’s quartet (and therefore involved in the premieres of Debussy’s quartet and Chausson’s Concert). The first movement has great poetry but is also sprinkled with autobiographical elements—a souvenir of ‘vacances studieuses’ where, to avoid the summer heat, the violinists would awake early. ‘L’aurore’ (‘The dawn’) is therefore also violinistic, describing the morning exercises with first the ‘sons filés’ (very long notes, without end, to develop control of the bow, something of which Ysaÿe was an advocate), then the work on intonation, verifying the note with pizzicato on open strings; then the arpeggios come with the rising of the sun. This is followed by a picnic and a ‘Danse rustique’, a sort of Walloon farandole.

The sixth sonata was written for Manuel Quiroga, a Spanish virtuoso whose career was interrupted abruptly by an accident. The work brings to mind the music of Sarasate. This Spanish caprice brilliantly ends the cycle, like a final act of bravado.

I dedicate this recording to the memory of Professor Josef Gingold and Philipp Hirschhorn, who both taught me so much.

Philippe Graffin © 1997

Né à Liège, célèbre pour sa tradition violonistique, Ysaÿe n’est pas un enfant prodige mais deviendra vite l’élève de Henryk Wieniawski à Bruxelles et surtout de Henry Vieuxtemps à Paris. Ce dernier, d’origine belge comme lui, l’invita à Paris pour un premier séjour de trois ans à la fin des années 1870. Wieniawski et Vieuxtemps sont tous deux des figures légendaires de l’histoire du violon. Virtuoses–compositeurs comme Paganini: Ysaÿe sera leur fils spirituel. Compositeur autodidacte, ses premières œuvres sont, dans la pure tradition de ses maîtres, écrites avant tout pour son propre usage. Pièces de genre, comme des tarentelles, des mazurkas, et même des concerti qui, pour la plupart, restèrent à l’état de manuscrits. En 1878 un premier voyage en Allemagne pour jouer avec Clara Schumann lui ouvre des horizons nouveaux, il est introduit auprès du grand Joseph Joachim, qui après l’avoir entendu déclare: «Je n’avais encore jamais entendu personne jouer comme cela.» Cette remarque, quoique ambigüe, a le mérite de souligner la nouveauté du jeux d’Ysaÿe par rapport à son époque. En particulier en ce qui concerne le vibrato. Joachim l’utilise très peu, considérant qu’il s’agit d’un effet de mauvais gout reservé aux violonistes de café. Le vibrato d’Ysaÿe est constant, varié, libre. Son jeu est moderne avec une grande palette de couleurs, ce qui ne sera pas sans influence sur son rôle dans le renouveau de la musique française. En 1879 Ysaÿe prend des leçons avec Joachim et s’installe à Berlin où il devient Konzertmeister de l’orchestre de la Brasserie Bilse, qui un peu plus tard devint l’Orchestre Philharmonique de Berlin. Joachim eut une grande influence sur Ysaÿe, il aida le jeune virtuose à devenir un vrai musicien et sa carrière lui servira d’exemple.

En 1882 il rentre à Paris et renoue avec les compositeurs de la Société Nationale. À l’instar de Joachim, il va créer son propre quatuor à cordes et s’investir dans la musique de son temps. Il inspire des œuvres, d’abord la sonate de Franck, qu’il reçut en cadeau de mariage en 1886, puis le quatuor de d’Indy, celui de Debussy, le Concert et le Poème de Chausson, la sonate de Lekeu, le quatuor à cordes de Saint-Saëns, le premier quintette avec piano de Fauré, les sonates de Magnard, Vierne, Lazzari, Raff, Ropartz, la liste est longue encore: toutes ces œuvres lui sont dédiées.

À Bruxelles, avec «Le groupe des vingts» qui organisait des concerts dans le cadre de salons de peinture, il crée de nombreuses œuvres françaises, et devient professeur au conservatoire. Bientôt il crée sa propre société de concerts qui porte son nom et acquièrt de l’expérience comme chef d’orchestre. Pendant la première guerre mondiale il doit s’exiler à Londres où il donne un grand nombre de concerts au profit des Alliés. On lui propose la direction de l’Orchestre de New York; il refuse, mais accepte plus tard celle de l’orchestre de Cincinatti, poste qu’il occupe de 1918 à 1922. La musique française y sera ardemment representée. Il revient alors en Belgique où ses fils l’aident à reprendre la Société des Concerts Ysaÿe. Il continue d’enseigner, compose même un opéra en dialecte wallon (Pier ly Houyeu) et meurt à Bruxelles en 1931 après l’avoir entendu à la radio sur son lit de mort.

Avec le Poème élégiaque, op. 12, écrit en 1892–3, Ysaÿe s’eloigne des simples pièces virtuoses de violoniste de sa jeunesse. Seul héritage des compositions virtuoses reste la scordatura où la corde de sol est ici accordée fa, ce qui donne une couleur sombre, le violon sonnant parfois comme un alto. D’abord écrite pour violon et piano, il l’orchestrera plus tard; l’œuvre est dediée à Gabriel Fauré, à qui il a déjà commandé un quintette avec piano, op. 89, que le compositeur mettra encore une dizaine d’années à terminer. C’est cependant sur Ernest Chausson que ce Poème élégiaque aura une grande influence, lui servant d’exemple pour son célèbre Poème qu’il écrira trois ans plus tard. L’interprète Ysaÿe participe ici pleinement au processus créatif, les similitudes sont frappantes entre les deux œuvres: l’atmosphère générale, son wagnérisme, sa forme, les trilles paradisiaque à la fin … Ysaÿe aidera à écrire la partie de violon, la cadence en particulier, du Poème de Chausson que celui-ci finira par appeler «mon–ton poème».

À peu près à la même époque, pendant une longue tournée, Ysaÿe écrit son Rêve d’enfant, op. 14, qu’il dédie à son fils cadet Antoine. C’est une berceuse, proche de celle de Fauré op. 16, et sa courte durée permit à son auteur, au début de l’ère des enregistrements, de nous en laisser un témoignage émouvant et inimitable.

Les Six Sonates pour violon seul, op. 27, constituent le testament violonistique d’Ysaÿe. Chacune des six sonates est dediée à un ami violoniste de la génération suivante. Elles sont écrites en pensant à la personalité de leur dédicataire, mais gardent une grande unité de style. Il les ébaucha en vingt-quatre heures à la suite d’un récital de Joseph Szigeti, à qui la première sonate est dédiée. Ysaÿe fut impressioné par la manière dont Szigeti jouait Bach, qui vit dans l’opus 27 «une tentative probablement inconsciente de la part d’Ysaÿe d’interpréter cette musique». Je crois en effet que ces sonates sont impregnées de l’interprétation d’Ysaÿe de l’œuvre de Bach autant que par l’œuvre elle-même.

La première sonate, dediée à Szigeti, adopte la forme des sonates de Bach: quatre mouvements dont une fugue, forme que reprendra Bartók, grand ami de Szigeti, plus tard dans sa sonate pour violon seul. Toute entière basée sur le «Dies irae» grégorien, la deuxième sonate est dediée à Jacques Thibaud, qui fut son élève et protégé. Les deux premiers mouvements sont inspirés de la troisième partita en mi majeur, et on peut faire un rapprochement dans cette sonate avec le principe des collages des peintres cubistes commencé quinze ans plus tôt environ.

La troisième sonate («Ballade», une référence aux ballades de Chopin) s’inspire du caractère libre et profondément roumain de son dédicataire Georges Enesco, pour qui Ysaÿe voue une grande admiration, tant au violoniste qu’au compositeur. Josef Gingold, pendant qu’il étudiait avec Ysaÿe à Bruxelles, créa l’œuvre au cours d’un dîner en l’honneur de la reine Elisabeth de Belgique. Pendant ce repas, le jeune violoniste qui travaillait dans une pièce à part, et qui avait oublié le manuscrit chez lui, se rend compte avec effroi qu’il ne se souvient plus du commencement de la sonate. Il se résigna à déranger Ysaÿe, dont le pied avait déjà été amputé et qui se deplaçait avec difficultés. Il expliqua au maître sa situation, mais à sa grande surprise, Ysaÿe ne s’en souvenait plus non plus! Il lui conseilla de commencer par le thème et se remit à table de fort mauvaise humeur. Un peu plus tard, en rentrant sur scène Gingold retrouva sa memoire et ne put réprimer un fou rire pendant qu’il jouait. L’œuvre connaitra un grand succès, elle est maintenant une pièce essentielle du répertoire pour violon seul. On peut aussi remarquer l’influence de La mer de Debussy dans le developpement.

La quatrième est dédiée à son ami Fritz Kreisler. La Sarabande est d’une grande tendresse, tout autour de quatre notes ostinato, et le Finale est caracteristique du jeu de Kreisler et de ses petites pièces comme son Tambourin chinois. À son tour, pour le remercier, Kreisler lui dédia son Recitatif et scherzo caprice pour violon seul écrit «à la Ysaÿe».

La cinquième sonate est dédiée à son élève Mathieu Crickboom, qui fut le second violon de son quatuor et donc créateur du quatuor de Debussy et du Concert de Chausson. Le premier mouvement d’une grande poésie est parsemé d’éléments autobiographiques. Un souvenir de vacances studieuses, où pour éviter la chaleur de l’été les violonistes se lèvent tôt, «L’aurore» est ici aussi violonistique, celle des exercises matinaux, les sons filés (notes très longues, interminables, exercises pour le contrôle de l’archet dont Ysaÿe était l’avocat), puis le travail de l’intonation, en verifiant avec pizzicato les cordes à vide, puis les arpèges, et le lever du soleil. Suit un picnic et une «Danse rustique», sorte de farandolle wallone.

La dernière sonate est écrite pour Manuel Quiroga, virtuose espagnol dont la carrière fut interrompue brusquement à la suite d’un accident. L’œuvre n’est pas sans rappeler les pièces de Sarasate; ce caprice espagnol cloture brillament ce cycle, comme une ultime bravade.

Je dédie ce disque à la mémoire de mes professeurs Josef Gingold et Philipp Hirschhorn, tous deux récemment disparus et qui m’ont tant appris.

Philippe Graffin © 1997

Ysaÿe wurde in Liège geboren, eine Stadt deren Tradition für Geigenmusik berühmt ist; er war kein Wunderkind, wurde aber bald Schüler von Henryk Wieniawski in Brüssel und von Henry Vieuxtemps in Paris. Vieuxtemps, der belgischen Ursprungs war wie Ysaÿe auch, holte ihn Ende 1870 für einen ersten dreijährigen Aufenthalt nach Paris. Wieniawski und Vieuxtemps sind beide legendäre Figuren der Geschichte der Geigenmusik, gleichzeitig Virtuosen und Komponisten wie Paganini: Ysaÿe ist ihr Schüler und Sohn im geistigen Sinne. Komponist und Autodidakt, sind seine ersten Kompositionen ganz in der Tradition seiner Meister vor allem für seinen Eigengebrauch komponiert: Genrestücke, Tänze wie Tarentelle, Mazurka und sogar Concerti, die meisten blieben als unveröffentlichte Manuskripte … 1878 unternahm er eine Reise nach Deutschland um mit Clara Schumann zu spielen, diese Reise eröffnete ihm neue Horizonte und er wurde dem grossen Joseph Joachim vorgestellt. Joachim übte einen grossen Einfluss auf Ysaÿe aus, er half ihm dabei, ein echter Musiker zu werden und seine Karriere wird Ysaÿe als Beispiel dienen.

Er kehrt bald nach Paris zurück und nimmt seine Beziehungen zu den Komponisten der neuen französischen Schule wieder auf. Wie Joachim wird er sein eigenes Streichquartett gründen und sich ganz der Musik seiner Zeit widmen. Er wirkt als Anreger von zahlreichen Kompositionen, vor allem der Sonate von Franck, die ihm als Hochzeitsgeschenk 1886 überreicht wurde, dann des Quartetts von d’Indy, des Quartetts von Debussy, des Concert und des Poème von Chausson, der Sonate von Lekeu, des Streichquartetts von Saint-Saëns, des ersten Quintetts mit Klavier von Fauré, der Sonaten von Magnard, Vierne, Lazzari, Raff, Ropartz, die Liste ist noch viel länger: all diese Stücke sind ihm gewidmet.

In Brüssel komponiert er viele französische Werke mit der „Gruppe der Zwanziger“ die Konzerte im Rahmen des Salons für Malerei organisierte. Er wird Lehrer am Konservatorium, gründet seine eigene Konzertgesellschaft, die auch seinen Namen trägt und sammelt Erfahrung als Dirigent. Man schlägt ihm vor Dirigent des Orchesters von New York zu werden, er lehnt ab, übernimmt jedoch später die Leitung des Orchesters von Cincinatti das er von 1918 bis 1922 dirigiert. Er zieht dann wieder nach Belgien und seine Söhne helfen ihm die Konzertgesellschaft Ysaÿe wieder aufzunehmen. Er unterrichtet weiter, komponiert sogar eine Oper in wallonischem Dialekt (Pier ly Houyeu) und stirbt 1931 in Brüssel nachdem er die Radioübertragung seiner Oper auf seinem Totenbett gehört hat.

Mit dem Poème élégiaque, op. 12, das er 1892 und 1893 komponierte entfernte sich Ysaÿe von den einfachen Virtuosenstücken seiner Jugend. Einziger Nachlass dieser Stücke ist die Scordatura, wo die G-Saite auf F gestimmt wird, was dem Stück eine sehr dunkle Farbe verleiht, die Geige klingt teilweise fast wie eine Bratsche. Das Stück wurde zuerst für Geige und Klavier komponiert, Ysaÿe wird die Orchesterpartitur erst später schreiben; das Werk ist Gabriel Fauré gewidmet, bei dem Ysaÿe schon ein Quintett mit Klavier bestellt hat. Fauré wird jedoch zehn Jahre brauchen um dieses Quintett zu vervollständigen. Ysaÿe’s Poème élégiaque wird jedoch den grössten Einfluss auf Ernest Chausson ausüben, es wird ihm als Beispiel für sein Poème dienen das er drei Jahre später komponieren wird. Der Virtuose Ysaÿe wird hier voll am kreativen Prozess teilnehmen, die Ähnlichkeit zwischen den beiden Werken ist auffallend: die allgemeine Stimmung, der wagnerische Einfluss, die Form, die paradiesischen Triller am Ende … Ysaÿe wird die Geigenpartitur des Poème von Chausson mitschreiben, besonders die Kadenz; Chausson wird das Werk später „Mein–Dein-Gedicht“ nennen.

Ungefähr zur gleichen Zeit, während einer langen Konzertreise komponiert Ysaÿe sein Rêve d’enfant, op. 14, das er seinem jüngstem Sohn Antoine widmet. Es ist ein Wiegenlied, das grosse Ähnlichkeit mit Fauré’s Wiegenlied op. 16 aufweist, und die Kürze dieses Werkes machte es möglich dass sein Autor ganz am Anfang der Epoche der musikalischen Aufzeichnungen uns eine berührende und unvergleichliche Aufnahme hinterlassen konnte.

Die Sechs Sonaten für Geige, op. 27, allein bilden das musikalische Testament von Ysaÿe. Jede der sechs Sonaten ist einem Geigenspieler und Freund der nächsten Generation gewidmet. Jede Sonate wurde der Persönlichkeit der sie gewidmet wurde entsprechend komponiert, die Werke besitzen jedoch untereinander eine grosse stilistische Einheit. Ysaÿe schrieb den ersten Entwurf dieser Werke innerhalb von 24 Stunden, nach einem Konzert von Szigeti, dem die erste Sonate gewidmet ist. Ysaÿe war sehr Beeindruckt von der Art und Weise in der Szigeti die Werke von Bach spielte, Szigeti meint, dass Opus 27 von Ysaÿe „ein unbewusster Versuch des Komponisten ist, diese Musik zu interpretieren“. Ich glaube auch dass diese Sonaten durchdrungen sind von der Art und Weise in der Ysaÿe Bachs Musik ausführte und auch von dem Werk selber.

Die erste Sonate, Szigeti gewidmet, übernimmt die Form der Sonaten von Bach: vier Sätze, davon eine Fugue. Diese Form benützt später auch Bartók, guter Freund von Szigeti, in seiner Sonate für Geige allein. Die zweite Sonate, ganz auf den gregorianischen „Dies irae“ aufgebaut, ist Jacques Thibaud gewidmet, der Ysaÿe’s Schüler und Schützling war. Die ersten beiden Sätze sind inspiriert von der dritten Partita in E-Dur, und man kann in dieser Sonate das Konzept der kubistischen Kollagen erkennen, eine Richtung die damals seit ungefähr 15 Jahren die Malerei kennzeichnete.

Die dritte Sonate („Ballade“, in Bezug auf Chopins Balladen) steht im Einfluss des freizügigen und zutiefst rumänischen Charakters von George Enescu, dem diese Sonate gewidmet ist. Ysaÿe bewunderte ihn sehr, als Virtuosen und als Komponisten. Josef Gingold trlag dieses Stück als erster vor, als er noch Schüler von Ysaÿe in Brüssel war, während einem Abendessen zu Ehren der Königin Elisabeth von Belgien. Während er sich in einem Nebenzimmer auf das Konzert vorbereitete, merkte der junge Geigenspieler mit Schrecken dass er die Partitur nicht dabei hatte und den Anfang des Stückes vergessen hatte. Er musste wohl oder übel Ysaÿe stören, dem ein Bein amputiert worden war und der sich nur noch mit grosser Schwierigkeit bewegte. Er erklärte dem Meister seine Situation aber zu seinem grossen Erstaunen wusste Ysaÿe auch nicht mehr wie das Stück anfing! Er empfahl seinem Schüler mit dem Hauptmotiv anzufangen und setzte sich sehr schlechter Laune wieder an den Tisch. Als Gingold kurz danach auf der Bühne stand fiel ihm auf einmal der Anfang wieder ein und er konnte sein Lachen nicht unterdrücken während er spielte. Das Werk sollte einen grossen Erfolg haben und ist heute eines der wichtigsten Stücke des Repertoire für Geige allein. Am Anfang des Stückes kann man auch den Einfluss von Debussys La mer erkennen.

Die vierte Sonate ist seinem Freund Fritz Kreisler gewidmet. Die Sarabande ist sehr zärtlich, ganz um vier Noten „ostinato“ herum aufgebaut, und das Finale ist charakteristisch für Kreislers Musik und seine kleinen Stücke wie sein Tambourin chinois. Kreisler seinerseits widmet ihm als Dank sein Recitatif et scherzo caprice für Geige allein das er „à la Ysaÿe“ komponierte.

Die fünfte Sonate ist seinem Schüler Mathieu Crickboom gewidmet, der zweite Geige in seinem Quartett war und dadurch als erster das Quartett von Debussy und das Konzert von Chausson ausführte. Der erste Satz hat eine grosse dichterische Ausstrahlung und beinhaltet viele autobiographische Elemente. Eine Erinnerung an fleissige Ferienzeiten, wo die Geigenspieler sehr früh aufstehen um nicht die Hitze des Sommers ertragen zu müssen, der „Tagesanbruch“ ist hier auch musikalisch, die morgendlichen Übungen, ausgehaltene Noten (sehr lange, endlose Noten, Übungen zur Kontrolle des Bogens für die Ysaÿe steht), dann das Anstimmen, das Nachprüfen der leeren Saiten durch Zupfen, dann die Arpeggio, und der Sonnenaufgang. Danach ein Piknik und ein rustikaler Tanz, eine Art wallonische Farandole.

Die letzte Sonate wurde für Manuel Quiroga geschrieben, ein spanischer Virtuose deren Karriere sehr plötzlich durch einen Unfall beendet wurde. Das Werk erinnert an die Stücke von Sarasate; dieses spanische „Capricio“ beendet glanzvoll diesen Zyklus, wie eine letzte Herausforderung.

Ich widme diese Aufnahme dem Andenken meiner Lehrer Josef Gingold und Philipp Hirschhorn, beide vor kurzem verstorben, und die mir so viel vermittelt haben.

Philippe Graffin © 1997
Deutsch: Canan Tollu

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