Carmen has played a huge role in Aigul Akhmetshina’s burgeoning career. In the season when her first Decca album was released, she sang Bizet’s opera around the globe, including prestigious new productions at the Metropolitan Opera and Covent Garden. “She’s a big part of me, but that girl drained me!” exclaims the young Russian mezzo. “She lives fast, burns fast. She’s impossible.” Bizet’s femme fatale duly featured on that first album and—Akhmetshina reveals—was the impetus for its successor, Mujer Fatal.

“Through Carmen, I began to explore this world of passion, freedom and contradiction, which became the foundation of this album.” It began with a new song, Mujer fatal (Spanish for femme fatale), composed by Elena Roussanova to lyrics by Sheila del Bosque Fuentes. It forms the emotional core of the album. Roussanova saw Akhmetshina performing Carmen at the Met and proposed a collaboration. “It developed into something Spanish,” Aigul explains. “I love Spanish culture, so it takes its roots from Carmen herself.”

Indeed, you can almost see Carmen in the text, with the idea that love is free like a bird conjuring up Bizet’s famous habanera. But the connection is even more personal for Akhmetshina. “When I was little, everyone called me a ‘free bird’ because they knew that I would eventually fly away. As a singer, the stage is like my wings—I need it in order to fly—and it would be cruel to clip those wings. I’m curious. I have to move around. I cannot be trapped in a cage.”

Akhmetshina relates to Roussanova’s song, which was also inspired by Galician actress, dancer and courtesan, La Belle Otero [Agustina del Carmen Otero Iglesias, 1868-1965] who had a reputation as a great beauty and a femme fatale.

But in this album, Aigul wants to move beyond the stereotypical image of a femme fatale as a flirtatious, manipulative woman, who draws men like moths to a flame. “It can feel like a cliché,” she explains, “a fixed image of a woman defined only by seduction or danger. But Mujer Fatal is a reimagining, not a stereotype. She is a woman in constant transformation: complex, emotional, strong and vulnerable at the same time. In this sense, the album title becomes not a definition, but an open space, a reflection of a woman’s many possible identities and experiences.

“Our experiences help shape our lives, and the biggest impact is always love. It could be your first love when you are young and full of hope; the first heartbreak; love for your homeland—in my case, I left my homeland—and missing the people with whom you grew up. And there is nothing stronger than a mother’s love for her child. Love can be passionate, flirtatious and in the moment; it can be painful, or it can last forever. Ultimately, love connects us all.”

The repertoire on the album reflects Aigul’s journey. “It moves across languages and cultures—French, Spanish, Russian and English—through different emotional states: desire, longing, tenderness, illusion and loss. Each piece feels like a fragment of a larger story. From intimate confessions to moments of nostalgia or playful irony, they explore the many faces of love.”

Spanish repertoire—and French songs inspired by Spain—are key ingredients. Two songs feature from Xavier Montsalvatge’s Cuban cycle, Cinco canciones negras—“when I first heard them they literally pinched my heart, because you realise that today nothing has changed”—alongside repertoire by Argentine composers Carlos Guastavino and Carlos Gardel. Consuelo Velázquez’s Bésame mucho (the hit Latin bolero) is performed in an arrangement prepared by her friend and collaborator Jonathan Lakeland.

The wordless Vocalise-étude en forme de habanera by Maurice Ravel (whose mother Marie Delouart was descended from the Basque-Romani Cascarot minority) is another connection to Spain, as is Bizet’s lilting Adieux de l’hôtesse arabe (Farewell of the Arabian Hostess), taking us back to Carmen.

The Russian repertoire reflects Aigul’s homeland, including “Landscape” from Mark Minkov’s rarely heard cycle The crying guitar. Britten’s Tell me the truth about love is a nod to Aigul’s newly acquired status as a British citizen. Weill and Gershwin carry us to America, where “Somewhere” from Leonard Bernstein’s West Side Story invites us to believe in a better world. “Especially in these turbulent times, we all need hope,” Aigul explains. “This is a song that gives you hope.”

Mujer Fatal also celebrates Aigul’s collaborators, none more so than her pianist, Sir Antonio Pappano, whose influence as Music Director of the Royal Opera House, Covent Garden guided her as a young singer. Meeting the artist Teniqua Crawford shaped the visual language of the project. “There is a deep sensitivity in her work, in the way she observes and portrays women: with honesty, vulnerability and strength at the same time. I wanted a portrait that feels alive but is still evolving, just like the idea of the woman in this album.”

Mark Pullinger © 2026

Carmen a joué un rôle énorme dans la carrière en plein essor d’Aigul Akhmetshina. Lors de la saison pendant laquelle est sorti son premier album chez Decca, elle a interprété l’opéra de Bizet à travers le monde entier, notamment dans de prestigieuses nouvelles productions données au Metropolitan Opera de New York et à Covent Garden à Londres. «C’est une grande part de moi-même, mais cette fille m’a épuisée, s’exclame la jeune mezzo-soprano russe. Elle vit à toute vitesse, elle se consume rapidement. Elle est impossible.» Bien entendu, la femme fatale de Bizet figurait déjà sur ce premier album et—comme le révèle Akhmetshina—elle a donné de l’élan à son successeur, Mujer Fatal.

«À travers Carmen, j’ai commencé à explorer cet univers de passion, de liberté et de contradiction, qui est devenu la pierre angulaire de cet album.» Tout a commencé avec une nouvelle chanson, Mujer Fatal (femme fatale en espagnol), composée par Elena Roussanova sur des paroles de Sheila del Bosque Fuentes. Elle forme le coeur émotionnel de l’album. Roussanova a vu Akhmetshina interpréter Carmen au Metropolitan Opera, et lui a proposé une collaboration. «Cela a évolué vers quelque chose d’espagnol, explique Aigul. J’adore la culture espagnole, donc elle puise ses racines dans Carmen elle-même.»

En effet, on peut presque voir Carmen dans le texte, avec l’idée que l’amour est libre comme un oiseau évoquant la célèbre habanera de Bizet. Mais le lien est encore plus personnel pour Akhmetshina. «Quand j’étais petite, tout le monde m’appelait “l’oiseau libre” parce qu’ils savaient que je fi nirai par m’envoler. En tant que chanteuse, la scène est comme mes ailes—j’en ai besoin pour m’envoler—et il serait cruel de couper ces ailes. Je suis curieuse. J’ai besoin de bouger. Je ne peux pas rester enfermée dans une cage.»

Akhmetshina s’identifie à la chanson de Roussanova, qui s’inspire également de l’actrice, danseuse et courtisane galicienne La Belle Otero [Agustina del Carmen Otero Iglesias, 1868-1965], qui avait la réputation d’être une grande beauté et une femme fatale.

Dans cet album, Akhmetshina souhaite aller au-delà de l’image stéréotypée d’une femme fatale, cette femme séductrice et manipulatrice qui attire les hommes comme des papillons vers une flamme. «Cela peut sembler un cliché, explique-t-elle, une image figée d’une femme définie uniquement par la séduction ou le danger. Mais Mujer Fatal est une réinvention, pas un stéréotype. C’est une femme en constante transformation: complexe, émotionnelle, forte et vulnérable à la fois. En ce sens, le titre de l’album n’est pas une définition, mais un espace ouvert, le reflet des nombreuses identités et expériences possibles d’une femme.

«Nos expériences façonnent nos vies, et l’amour est toujours ce qui marque le plus. Cela peut être le premier amour, quand on est jeune et plein d’espoir; le premier chagrin d’amour; l’amour de son pays—dans mon cas, je l’ai quitté—et le manque de ceux avec lesquels on a grandi. Et il n’y a rien de plus fort que l’amour d’une mère pour son enfant. L’amour peut être passionné, aguicheur et éphémère; il peut être douloureux, ou il peut durer pour toujours. En fin de compte, l’amour nous unit tous.»

Le répertoire de l’album reflète le parcours d’Aigul. «Il traverse les langues et les cultures—le français, l’espagnol, le russe, l’anglais—à travers différents états émotionnels: le désir, la nostalgie, la tendresse, l’illusion et la perte. Chaque morceau donne l’impression d’être le fragment d’une histoire plus vaste. Des confessions intimes aux moments de nostalgie ou d’ironie enjouée, ils explorent les nombreuses facettes de l’amour.»

Le répertoire espagnol—et les mélodies françaises inspirées par l’Espagne—sont des éléments clés. Deux chansons sont tirées du cycle cubain Cinco canciones negras de Xavier Montsalvatge—«la première fois que je les ai entendues, elles m’ont littéralement serré le cœur, car on se rend compte qu’aujourd’hui encore, rien n’a changé»—aux côtés du répertoire des compositeurs argentins Carlos Guastavino et Carlos Gardel. Bésame mucho de Consuelo Velázquez (le célèbre boléro latin) est interprété dans un arrangement réalisé par son ami et collaborateur Jonathan Lakeland.

La Vocalise-étude en forme de habanera sans paroles de Maurice Ravel (dont la mère, Marie Delouart, descendait de la minorité basque-romani des Cascarots) est un autre lien avec l’Espagne, tout comme le vif Adieux de l’hôtesse arabe de Bizet, qui nous ramène à Carmen.

Le répertoire russe reflète les origines d’Akhmetshina, notamment «Landscape» extrait du cycle rarement entendu de Mark Minkov, The crying guitar. Tell me the truth about love de Britten est un clin d’oeil au statut de citoyenne britannique récemment acquis par Akhmetshina. Weill et Gershwin nous transportent en Amérique où «Somewhere», tiré de West Side Story de Leonard Bernstein, nous fait croire en un monde meilleur. «En ces temps troublés, nous avons tous besoin d’espoir, explique Akhmetshina. C’est une chanson qui donne de l’espoir.»

Mujer Fatal rend également hommage aux collaborateurs d’Aigul, notamment son pianiste, Sir Antonio Pappano, dont l’influence en sa qualité de directeur musical du Royal Opera House de Covent Garden a guidé ses débuts de jeune chanteuse. Sa rencontre avec l’artiste Teniqua Crawford a façonné le langage visuel du projet. «Il y a une profonde sensibilité dans son travail, dans sa manière d’observer et de représenter les femmes: avec à la fois honnêteté, vulnérabilité et force. Je voulais un portrait qui soit vivant tout en continuant d’évoluer, à l’image de la femme représenté dans cet album.»

Mark Pullinger © 2026
Français: Francis Marchal

Carmen hat eine enorme Rolle bei Aigul Akhmetshinas erfolgreichem Karrierebeginn gespielt. In der Spielzeit, in der ihr erstes Decca-Album erschien, sang sie Bizets Oper rund um den Globus—darunter in prestigeträchtigen Neuinszenierungen an der Metropolitan Opera und in Covent Garden. „Sie ist ein großer Teil von mir, aber diese junge Frau hat mich völlig ausgesaugt!“, kommentiert die junge russische Mezzosopranistin. „Sie lebt schnell, und sie verbrennt ihre Lebenskraft auch schnell. Sie ist unmöglich.“ Bizets Femme fatale durfte bei jenem ersten Album natürlich nicht fehlen—und war, wie Akhmetshina verrät, der Auslöser für das vorliegende Album: Mujer Fatal.

„Durch Carmen begann ich, diese Welt aus Leidenschaft, Freiheit und Widersprüchlichkeit zu erkunden—eine Welt, die zur Basis dieses neuen Albums wurde.“ Den Anfang machte ein neues Lied: Mujer Fatal (Spanisch für Femme fatale), komponiert von Elena Roussanova auf einen Text von Sheila del Bosque Fuentes. Es bildet das emotionale Herzstück des Albums. Roussanova hatte Akhmetshina als Carmen an der Met erlebt und daraufh in eine Zusammenarbeit vorgeschlagen. „Es entwickelte sich in Richtung Spanien“, erklärt Aigul. „Ich liebe die spanische Kultur; daher wurzelt das Ganze direkt in der Figur der Carmen.“

Tatsächlich kann man Carmen förmlich im Text erkennen: Die Vorstellung, dass die Liebe frei ist wie ein Vogel, beschwört unweigerlich Bizets berühmte Habanera herauf. Doch für Akhmetshina ist diese Verbindung noch von weitaus persönlicherer Natur. „Als ich noch klein war, nannten mich alle einen ‚freien Vogel‘, weil sie wussten, dass ich eines Tages davonfliegen würde. Für mich als Sängerin ist die Bühne wie meine Flügel—ich brauche sie, um fliegen zu können; und es wäre grausam, mir diese Flügel zu stutzen. Ich bin neugierig. Ich muss mich bewegen. Ich kann nicht in einem Käfig gefangen sein.“

Akhmetshina fühlt sich Roussanovas Lied tief verbunden—einem Stück, das zudem von der galicischen Schauspielerin, Tänzerin und Kurtisane La Belle Otero [Agustina del Carmen Otero Iglesias, 1868-1965] inspiriert wurde, die als große Schönheit und klassische Femme fatale galt.

Doch mit diesem Album möchte Aigul über das stereotype Bild der Femme fatale hinausgehen—jenes Bild einer koketten, manipulativen Frau, die Männer wie Motten vom Licht anzieht. „Es kann sich wie ein Klischee anfühlen“, erklärt sie, „ein festgefahrenes Bild einer Frau, die sich lediglich über Verführung oder Gefahr defi niert. Doch Mujer Fatal ist eine Neuinterpretation, kein Stereotyp. Sie ist eine sich stetig wandelnde Frau: komplex, emotional, stark und zugleich verletzlich. In diesem Sinne wird der Albumtitel nicht zu einer Definition, sondern zu einem off enen Raum—einem Spiegelbild der vielen möglichen Identitäten und Erfahrungen einer Frau.“

„Unsere Erfahrungen prägen unser Leben, und den größten Einfluss übt dabei stets die Liebe aus. Das kann die erste Liebe in jungen Jahren sein, voller Hoff nung; der erste Herzschmerz; die Liebe zur Heimat—die ich in meinem Fall verlassen habe—und das Vermissen der Menschen, mit denen man aufgewachsen ist. Und es gibt nichts Stärkeres als die Liebe einer Mutter zu ihrem Kind. Liebe kann leidenschaftlich, kokett und ganz im Moment verankert sein; sie kann schmerzhaft sein oder für immer währen. Letztendlich verbindet die Liebe uns alle.“

Das Repertoire des Albums spiegelt Aiguls eigene Reise wider. „Es bewegt sich quer durch verschiedene Sprachen und Kulturen—Französisch, Spanisch, Russisch und Englisch—und durchläuft dabei unterschiedlichste emotionale Zustände: Begehren, Sehnsucht, Zärtlichkeit, Illusion und Verlust. Jedes Stück wirkt wie ein Fragment einer größeren Geschichte. Von intimen Bekenntnissen bis hin zu Momenten der Nostalgie oder spielerischen Ironie erkunden sie die vielen Facetten der Liebe.“

Spanisches Repertoire—sowie von Spanien inspirierte französische Lieder—bilden die zentralen Bestandteile. Zwei Lieder aus Xavier Montsalvatges kubanischem Zyklus Cinco canciones negras sind vertreten—„als ich sie zum ersten Mal hörte, schnürten sie mir buchstäblich das Herz zusammen, denn man erkennt, dass sich bis heute nichts geändert hat“—, flankiert von Werken der argentinischen Komponisten Carlos Guastavino und Carlos Gardel. Consuelo Velázquez’ Bésame mucho (der berühmte lateinamerikanische Bolero) erklingt in einem Arrangement, das ihr Freund und künstlerischer Weggefährte Jonathan Lakeland eigens geschaff en hat.

Die wortlose Vocalise-étude en forme de habanera von Maurice Ravel (dessen Mutter Marie Delouart der baskisch-romanischen Minderheit der Cascarots entstammte) stellt eine weitere Verbindung zu Spanien dar—ebenso wie Bizets beschwingtes Adieux de l’hôtesse arabe (Abschied der arabischen Gastgeberin), das uns gedanklich zur Carmen zurückführt.

Das russische Repertoire spiegelt Aiguls Heimat wider; dazu zählt auch das Stück „Landscape“ aus Mark Minkovs selten zu hörendem Zyklus The crying guitar. Brittens Tell me the truth about love wiederum ist eine Hommage an Aiguls neu erworbenen Status als britische Staatsbürgerin. Weill und Gershwin entführen uns nach Amerika, wo uns „Somewhere“ aus Leonard Bernsteins West Side Story an eine bessere Welt glauben lässt. „Gerade in diesen turbulenten Zeiten brauchen wir alle Hoffnung“, erklärt Aigul. „Dies ist ein Lied, das Hoffnung gibt.“

Mujer Fatal würdigt zudem Aiguls künstlerische Partner—allen voran ihren Pianisten Sir Antonio Pappano, dessen Einfluss als Musikdirektor des Royal Opera House, Covent Garden sie in ihren Anfangsjahren als Sängerin maßgeblich prägte. Die Begegnung mit der Künstlerin Teniqua Crawford formte indes die visuelle Ästhetik des Projekts. „Ihren Arbeiten wohnt eine tiefe Sensibilität inne—insbesondere in der Art und Weise, wie sie Frauen betrachtet und darstellt: mit Ehrlichkeit, Verletzlichkeit und gleichzeitiger Stärke. Ich wünschte mir ein Porträt, das lebendig wirkt, sich jedoch noch immer im Wandel befindet—genau wie das Frauenbild, das diesem Album zugrunde liegt.“

Mark Pullinger © 2026
Deutsch: Anne Schneider