The music that begins Schoenberg’s Verklärte Nacht (‘Transfigured Night’) is a kind of funeral march, even though death is not part of the narrative behind the piece. The story, instead, opens with two people walking slowly, with a great weight on their minds, and the music seems to correspond to this. The funereal music will return twice more during Schoenberg’s single-movement piece, and will be transformed into a benevolent light.

Schoenberg originally scored Verklärte Nacht for string sextet in 1899, and arranged it for string orchestra in 1917 and 1943—the last being the version most often performed today. Here the piece appears in a new arrangement for piano trio by the eminent Schoenberg specialist Henk Guittart. Guittart, as violist of the Schoenberg Quartet and a founder of the Schoenberg Ensemble, has been a tireless promoter of Schoenberg’s music and has made many arrangements of the composer’s works.

Verklärte Nacht was an offshoot of the composer’s fascination with the poetry of Richard Dehmel, alongside with several songs composed in the same year. While today the poet’s reputation has waned, in the 1890s he was seen as a trailblazer in poetry, courting notoriety and scandal in both his writings and his personal life. His volume of poetry entitled Weib und Welt (‘Woman and World’, 1896) was unusual at the time for its attempt to explore sexuality from the female point of view. The poet stood trial on obscenity charges, and although he was acquitted, unsold copies of the book were to be destroyed. Schoenberg, in his early twenties at the time, bought his own copy, and immersed himself in it, both as a reader and as a composer. There was likely a biographical connection too, in Schoenberg’s contemporaneous courtship of Mathilde, the sister of his music teacher and friend Alexander Zemlinsky (a distinguished composer of the period). Verklärte Nacht is widely seen as a kind of love letter to Mathilde, whom he would later marry, and perhaps this explains the extraordinary intensity and ardour of the work.

The piece is not a blow-by-blow musical translation of the eponymous poem, but it does not seem strained to see the five-stanza structure of the poem broadly reflected in the music. In the first stanza, the narrator tells us of two people walking through the woods on a cold, moonlit night. The sombre first phase of Schoenberg’s piece establishes the key of D minor with a gloomy descending-scale motif, but other motifs creep in, with suggestions of longing and love, and harmonies reminiscent of Wagner’s Tristan and Isolde. A shift to a livelier tempo suggests the change of mood in the second stanza, the woman’s monologue, where she relates her discovery that she bears a child from her previous relationship. This section runs through the gamut of despair, supplication and hope, creating a kind of polyphony of emotions in its tangled textures. Exhaustion eventually sets in as the violin’s low declamatory phrases finally peter out into silence.

The third stanza returns to the narrator, with a description of the woman stumbling on, and gazing up at the moon. Here Schoenberg brings back the initial descending-scale motif, now full of anxiety, together with ‘feminine’ motifs suggesting vulnerability. There is a grand pause. The man has heard her out fully, in silence, and seems to be pondering before making a response.

Then comes a magical moment when the minor chord turns to major, and a long noble melody in the cello unfolds into a majestic and touching adagio, at times almost like a chorale setting from Bach. The response in the poem’s fourth stanza is magnanimous, and the man announces that the love that they share, wrapped in the radiance of the universe, will transfigure the child into his own. The action of the story is over, but we are still only halfway through the piece, and we can delight at leisure in Schoenberg’s ability to create a shimmering landscape, the lovers’ caresses, the sense of their complete mutual understanding as they finish each other’s musical phrases, the heat of desire leading to a gorgeous, long-delayed and savoured climax. Schoenberg could supply what the poetry could only leave to the reader’s imagination, and he even takes us through the climactic moment twice. Only then do we have a musical reflection of the fifth stanza of Dehmel’s poem, where the narrator depicts the couple continuing their walk, echoing his opening phrase, but with the moonlight replacing the coldness and bleakness. Schoenberg’s descending-scale theme now submits to the calm of the couple’s new-found happiness.

The first critics of Schoenberg’s piece were offended not only by the connection to the notorious Dehmel, but by musical language that outdid even Wagner in audacity. Like Wagner’s Beckmesser, the Vienna Music Society singled out one particular chord that ‘did not exist’. Little did they suspect that Schoenberg would have dispensed altogether with ‘chords that exist’ before another ten years were out. Dehmel, by contrast, was delighted with Schoenberg’s musical tribute, and said that he was so enthralled by the music that he quite forgot to look for correspondences with his poem.

from notes by Marina Frolova-Walker © 2026

La musique par laquelle débute Verklärte Nacht («La Nuit transfigurée») de Schoenberg est une sorte de marche funèbre, même si la mort ne fait pas partie du récit dont s’inspire la pièce. L’histoire commence plutôt avec deux personnes qui marchent lentement, très préoccupées, et la musique semble correspondre à cet état d’esprit. La musique funèbre reviendra à deux reprises au cours de cette pièce en un seul mouvement de Schoenberg et elle sera transformée sous un jour bienveillant.

À l’origine, Schoenberg écrivit Verklärte Nacht pour sextuor à cordes en 1899 et l’arrangea pour orchestre à cordes en 1917 et en 1943—la version la plus souvent jouée de nos jours. Ici, cette pièce apparaît dans un nouvel arrangement pour trio avec piano de l’éminent spécialiste de Schoenberg Henk Guittart. Altiste du Quatuor Schoenberg et fondateur de l’Ensemble Schoenberg, Guittart est un infatigable promoteur de la musique de Schoenberg et il a fait beaucoup d’arrangements des œuvres de ce compositeur.

Verklärte Nacht tire ses origines de la fascination du compositeur pour la poésie de Richard Dehmel, au même titre que plusieurs lieder qu’il composa la même année. Si aujourd’hui la réputation du poète est sur le déclin, dans les années 1890, il était considéré comme un pionnier en matière de poésie, cherchant la notoriété et le scandale dans ses écrits comme dans sa vie personnelle. Son volume de poèmes intitulé Weib und Welt («La Femme et le monde», 1896) était atypique à cette époque par sa tentative d’explorer la sexualité du point de vue féminin. Le poète passa en jugement sous l’inculpation d’obscénité et, même s’il fut acquitté, les exemplaires invendus de son livre durent être détruits. Schoenberg, qui avait alors un peu plus de vingt ans, acheta son propre exemplaire et s’y plongea, à la fois comme lecteur et comme compositeur. Il y eut probablement aussi un lien biographique dans la fréquentation par Schoenberg, à cette époque, de Mathilde, la sœur de son professeur de musique et ami Alexander Zemlinsky (un éminent compositeur de l’époque). Verklärte Nacht est généralement considérée comme une sorte de lettre d’amour à Mathilde, qu’il allait ensuite épouser, ce qui explique peut-être l’extraordinaire intensité et ardeur de la pièce.

Cette œuvre n’est pas une stricte traduction musicale du poème, mais il n’est pas très difficile de voir la structure en cinq strophes du poème largement reflétée dans la musique. Dans la première strophe, le narrateur nous parle de deux personnes qui marchent dans les bois par une froide nuit de lune. La première phrase sombre de la pièce de Schoenberg établit la tonalité de ré mineur avec un motif lugubre de gamme descendante, mais d’autres motifs interviennent, avec des suggestions de grand désir et d’amour, et des harmonies qui font penser à Tristan et Isolde de Wagner. Un passage à un tempo plus animé suggère le changement d’atmosphère dans la deuxième strophe, qui est le monologue de la femme, où elle raconte sa découverte: elle porte un enfant de sa relation précédente. Cette section passe par tout l’éventail du désespoir, de la supplication et de l’espoir, créant une sorte de polyphonie d’émotions dans ses textures enchevêtrées. L’épuisement finit par survenir lorsque les faibles phrases déclamatoires du violon se tarissent dans le silence.

La troisième strophe revient au narrateur, avec une description de la femme qui avance en trébuchant et regarde la lune. Ici, Schoenberg reprend le motif initial de gamme descendante, maintenant rempli d’anxiété, avec des motifs «féminins» suggérant la vulnérabilité. Il y a une grande pause. L’homme l’a totalement entendue, en silence, et semble réfléchir avant d’apporter une réponse.

Vient ensuite un moment magique, où l’accord mineur passe au majeur, et une longue et noble mélodie au violoncelle se déroule dans un adagio majestueux et touchant, parfois presque comme un choral de Bach. Dans la quatrième strophe, la réponse est magnanime et l’homme annonce que l’amour qu’ils partagent, plongé dans le rayonnement de l’univers, transfigurera l’enfant en son propre enfant. L’action de l’histoire est terminée, mais nous ne sommes qu’à la moitié de l’œuvre, et nous avons tout le loisir de nous délecter de la capacité de Schoenberg pour créer un paysage chatoyant, les caresses des amoureux, le sentiment de leur totale compréhension mutuelle lorsqu’ils finissent les phrases musicales l’un de l’autre, le feu du désir menant à un sommet splendide, tant attendu et savouré. Schoenberg était en mesure de fournir ce que la poésie ne pouvait que laisser à l’imagination du lecteur, et il nous fait même passer à deux reprises par le moment crucial. C’est alors seulement que nous avons un reflet musical de la cinquième strophe du poème de Dehmel, où le narrateur dépeint le couple continuant à marcher, reprenant sa première phrase, mais avec le clair de lune qui remplace la froideur et la noirceur. Le thème de gamme descendante de Schoenberg cède maintenant au calme du tout nouveau bonheur du couple.

Les premiers critiques de la pièce de Schoenberg furent choqués non seulement par la référence au fameux Dehmel, mais encore par le langage musical qui surpassait même Wagner en audace. Comme le Beckmesser de Wagner, la Société de musique de Vienne prit pour cible un accord particulier qui «n’existait pas». Ils étaient loin de se douter que Schoenberg se passerait complètement d’«accords qui existent», dix ans plus tard. En revanche, Dehmel fut ravi de l’hommage musical de Schoenberg et affirma qu’il était tellement séduit par la musique qu’il en avait totalement oublié de chercher des correspondances avec son poème.

extrait des notes rédigées par Marina Frolova-Walker © 2026
Français: Marie-Stella Pâris

Die Eröffnungsmusik von Schönbergs Werk Verklärte Nacht ist eine Art Trauermarsch, auch wenn der Tod im Narrativ nicht vorkommt. Die Handlung beginnt stattdessen mit zwei Menschen, die langsam gehen und von einer großen Last beschwert sind, was die Musik wiederzugeben scheint. Die Trauermusik kehrt in Schönbergs einsätzigem Stück noch zweimal zurück und wird, ebenso wie bei Tschaikowsky, transformiert, hier jedoch in ein wohlwollendes Licht, anstatt in eine noch schwärzere Dunkelheit abzutauchen.

Schönberg komponierte Verklärte Nacht ursprünglich 1899 für Streichsextett und arrangierte es 1917 und 1943 für Streichorchester—die heute am häufigsten gespielte Fassung. Hier ist das Stück in einer neuen Bearbeitung für Klaviertrio durch den renommierten Schönberg-Spezialisten Henk Guittart zu hören. Guittart ist nicht nur der Bratscher des Schönberg Quartett und Gründer des Schönberg Ensembles, sondern auch ein unermüdlicher Förderer der Musik Schönbergs, der zahlreiche Bearbeitungen der Werke des Komponisten vorgenommen hat.

Verklärte Nacht entstand aus der Faszination des Komponisten für die Gedichte von Richard Dehmel, ebenso wie mehrere Lieder, die er im selben Jahr schrieb. Während der Ruf des Dichters heute verblasst ist, galt er in den 1890er Jahren als Lyrik-Pionier, der sowohl in seinen Schriften als auch in seinem Privatleben für Aufsehen und Skandale sorgte. Sein Gedichtband mit dem Titel Weib und Welt (1896) war für seine Zeit ungewöhnlich, da er versuchte, die Sexualität aus der Perspektive der Frau zu beleuchten. Der Dichter musste sich wegen Obszönität vor Gericht verantworten. Er wurde zwar freigesprochen, doch die unverkauften Exemplare des Buches mussten vernichtet werden. Schönberg, damals Anfang 20, kaufte sich sein eigenes Exemplar und vertiefte sich sowohl als Leser als auch als Komponist in das Werk. Wahrscheinlich gab es auch eine biographische Verbindung, da Schönberg zu dieser Zeit um Mathilde, die Schwester seines Musiklehrers und Freundes Alexander Zemlinsky warb. Verklärte Nacht wird weithin als eine Art Liebesbrief an Mathilde angesehen, die er später heiraten sollte, und vielleicht erklärt dies die außergewöhnliche Intensität und Leidenschaft des Stücks.

Die Komposition ist keine detailgetreue musikalische Übersetzung des Gedichts, doch scheint es nicht übertrieben, die fünfstrophige Struktur des Gedichts in der Musik auszumachen. In der ersten Strophe ist die Rede von zwei Menschen, die in einer kalten, mondhellen Nacht durch einen Wald spazieren. Die düstere erste Phase von Schönbergs Stück etabliert die Tonart d-Moll mit einer melancholischen, absteigenden Tonleiterfigur, doch schleichen sich auch andere Motive ein, die Sehnsucht und Liebe andeuten, sowie Harmonien, welche an Wagners Tristan und Isolde erinnern. Das darauffolgende lebhaftere Tempo weist auf den Stimmungswechsel in der zweiten Strophe hin, wo in einem Monolog der Frau von ihrer Entdeckung berichtet wird, dass sie ein Kind aus ihrer früheren Beziehung erwartet. Dieser Abschnitt durchläuft die ganze Bandbreite von Verzweiflung, Flehen und Hoffnung und schafft mit seinen verworrenen Texturen eine Art Polyphonie der Gefühle. Schließlich setzt Erschöpfung ein und am Ende verklingen die tiefen, deklamatorischen Phrasen der Violine.

In der dritten Strophe kehrt der Erzähler zurück und beschreibt, wie die Frau weiterstolpert und zum Mond aufblickt. Hier greift Schönberg das anfängliche Motiv der absteigenden Tonleiter wieder auf, das nun angstvoll wirkt. Dies ist kombiniert mit „femininen“ Motiven, die Verletzlichkeit andeuten. Es folgt eine große Pause. Der Mann hat ihr schweigend zugehört und scheint nachzudenken, bevor er antwortet.

Dann kommt ein magischer Moment, in dem der Moll-Akkord nach Dur wechselt und sich eine lange, edle Melodie im Cello zu einem majestätischen und anrührenden Adagio entfaltet, das manchmal fast wie eine Bach’sche Choralvertonung anmutet. Die Antwort in der vierten Strophe des Gedichts ist großmütig, und der Mann verkündet, dass ihre vom Glanz des Weltalls umhüllte Liebe das Kind in sein eigenes verwandeln wird. Die Handlung der Dichtung endet damit, doch sind wir erst in der Mitte des Stücks angelangt und können uns in aller Ruhe an Schönbergs Fähigkeit erfreuen, eine schimmernde Landschaft musikalisch darzustellen, sowie die Zärtlichkeiten des Liebespaars, das Gefühl ihres völligen gegenseitigen Verständnisses, wenn sie jeweils die musikalischen Phrasen des anderen vollenden, und die Hitze der Begierde, die zu einem wunderschönen, lange hinausgezögerten und ausgekosteten Höhepunkt führt. Schönberg vermochte, das auszudrücken, was die Poesie lediglich der Phantasie des Lesers überlassen konnte, und führt sogar zweimal zum Höhepunkt. Erst dann folgt eine musikalische Darstellung der fünften Strophe von Dehmels Gedicht, in der das Paar seinen Spaziergang fortsetzt. Dabei wird die Eröffnungsphrase wiederholt, allerdings ersetzt hier das Mondlicht die Kälte und Trostlosigkeit. Schönbergs absteigendes Thema unterwirft sich nun der Ruhe des neu gefundenen Glücks des Paares.

Die ersten Kritiker von Schönbergs Stück waren nicht nur wegen der Verbindung zu dem berüchtigten Dehmel konsterniert, sondern auch aufgrund des musikalischen Ausdrucks, die selbst Wagner an Kühnheit übertraf. Ebenso wie Wagners Beckmesser hob der Vorstand des Wiener Tonkünstlervereins einen bestimmten, lediglich „scheinbaren“ Akkord hervor, der also nicht existiere. Sie ahnten nicht, dass Schönberg innerhalb von zehn Jahren ganz auf „existierende Akkorde“ verzichten würde. Dehmel hingegen war von Schönbergs musikalischer Hommage begeistert und schrieb an den Komponisten: „Ich hatte mir vorgenommen, die Motive meines Textes in Ihrer Composition zu verfolgen; aber ich vergaß das bald, so wurde ich von der Musik bezaubert.“

aus dem Begleittext von Marina Frolova-Walker © 2026
Deutsch: Viola Scheffel