Despite its numbering and opus number, Mendelssohn’s ‘Reformation’ Symphony was actually his second for full orchestra, predating his ‘Lobgesang’, ‘Scottish’ and ‘Italian’ Symphonies. He began it in December 1829, just after returning to Berlin from his first visit to the British Isles, his intention being to use it to mark the following year’s 300th anniversary of the Augsburg Confession, the assembly which had defined the core beliefs of Lutheran Protestantism. A number of factors conspired to prevent it from fulfilling this purpose, however, and the symphony was eventually premiered in Berlin in 1832.

It may seem odd that a Jewish-born composer should have chosen the Protestant Reformation as a subject, but religious tolerance had been strong in the Mendelssohn family at least since his grandfather, the philosopher Moses Mendelssohn, had helped Prussian Jews obtain social equality. What is more, Felix and his siblings were baptised into the Christian faith in 1816.

There may have been a musical impulse for the work too: since his mid-teens Mendelssohn had studied and enjoyed Bach, including some of the vocal works that at the time were considered impractical to perform, and in March 1829 he had conducted the first performance since Bach’s day of the St Matthew Passion. Furthermore, he had himself composed a number of works based on Lutheran hymn tunes (or chorales). In this context, a symphony with a finale based on one of the best-known of all chorales—Ein’ feste Burg ist unser Gott (A Mighty Fortress Is Our God)—must have seemed a natural enough progression.

The first movement opens with a slow introduction in which slowly curling counterpoint and increasingly urgent fanfares lead to two ethereal renditions on high strings of a rising six-note figure known as the ‘Dresden Amen’. It has been suggested that this reference to the Catholic liturgy was meant to denote the old church beset by controversy, and certainly when the music plunges straightaway into the main body of the movement—now in the minor—it is with a sense of struggle and upheaval. At the end of the central development section the ‘Amen’ figure reappears, this time ushering in a recapitulation which is muted in tone, but which builds again to a stormy climax.

The Scherzo is graceful and light-hearted, but though seemingly set apart from the general mood of the symphony—it is more bucolic than reverent—it retains thematic links with the falling woodwind motifs of the very opening.

The solemn third movement is short, the feeling that it is at least half-conceived as an introduction to the finale reinforced by its recitative-like violin line. That finale opens with a warmly harmonised statement of Ein’ feste Burg ist unser Gott, the prelude to a sonata movement with themes of its own interlaced with occasional guest appearances from the chorale, the last of which brings the work nobly to a finish.

from notes by Lindsay Kemp © 2015

Malgré son numéro d’ordre et son numéro d’opus, la Symphonie «Réformation» est la deuxième que Mendelssohn écrivit pour grand orchestre, avant les Symphonies «Lobgesang», «Ecossaise» et «Italienne». Il en commença la composition en décembre 1829, juste après être rentré à Berlin de son premier séjour dans les îles britanniques, et il la destinait à marquer, l’année suivante, le tricentenaire de la Confession d’Augsbourg, l’assemblée qui avait défini les croyances fondamentales de la Réforme luthérienne. Différents éléments concoururent toutefois à faire échouer ce projet, et la symphonie fut finalement présentée au public à Berlin en 1832.

Il peut sembler bizarre qu’un compositeur de naissance juive ait choisi pour sujet la Réforme protestante, mais la tolérance religieuse était grande dans la famille Mendelssohn, au moins depuis que le grand-père du compositeur, le philosophe Moses Mendelssohn, avait aidé les juifs prussiens à obtenir l’équité sociale. De plus, Felix et ses frères et sœurs avaient été baptisés dans la foi chrétienne en 1816.

A l’origine de cette symphonie, on peut également déceler une impulsion d’ordre musical: depuis l’adolescence, Mendelssohn étudiait Bach avec délectation, en particulier certaines œuvres vocales qui, à l’époque, passaient pour impossibles à donner en concert; et, en mars 1829, il avait dirigé la première exécution de la Passion selon saint Matthieu postérieure à Bach. Par ailleurs, il avait lui-même composé plusieurs pièces reposant sur des mélodies de cantiques luthériens (ou chorals). Dans ce contexte, une symphonie pourvue d’un finale reposant sur l’un des chorals les plus connus—Ein’ feste Burg ist unser Gott (Notre Dieu est une forteresse solide)—peut sembler une évolution assez naturelle.

Le premier mouvement s’ouvre par une introduction lente dans laquelle un contrepoint aux lentes ondulations et des fanfares de plus en plus pressantes conduisent à deux énoncés éthérés, aux cordes aiguës, d’un motif ascendant de six notes connu sous le nom d’«Amen de Dresde». Selon certains commentateurs, cette référence à la liturgie catholique avait pour dessein de représenter l’ancienne Eglise acculée par la controverse et, de fait, lorsque la musique se jette dans l’Allegro proprement dit (en passant au mode mineur), c’est dans un climat de lutte et d’agitation. A la fin de la section centrale de développement, le motif de l’«Amen» revient; il fait à présent pénétrer dans une réexposition au ton feutré, mais qui progresse à nouveau vers un sommet d’intensité tumultueux.

Le Scherzo est tout de grâce et de légèreté mais, bien qu’il semble s’écarter du climat général de la symphonie—il est plus bucolique que révérencieux—, il conserve des liens thématiques avec les motifs descendants des bois au tout début.

Par sa brièveté, le solennel troisième mouvement donne l’impression d’être conçu en partie comme une introduction au finale—cette impression est renforcée par une phrase de violon dans le style d’un récitatif. Le finale débute par un énoncé aux chaudes harmonies d’Ein’ feste Burg ist unser Gott, qui prélude à une forme sonate. Le choral s’invite occasionnellement au milieu des thèmes propres de cette sonate, et sa dernière apparition offre à la partition une conclusion en majesté.

extrait des notes rédigées par Lindsay Kemp © 2015
Français: Claire Delamarche

Trotz Opusnummer und Zählung als fünfte ist Mendelssohns Reformations-Sinfonie eigentlich seine zweite Sinfonie für großes Orchester und entstand vor seiner Lobgesang-, Schottischen und Italienischen Sinfonie. Mendelssohn begann seine Sinfonie Nr. 5 1829 kurz nach seiner Rückkehr nach Berlin von seiner ersten Reise zu den Britischen Inseln. Er beabsichtigte mit dem Werk, den 300. Gedenktag der Confessio Augustana im Jahr darauf zu würdigen. Jene Schrift hatte die grundlegenden Bekenntnisse des lutherischen Protestantismus festgehalten. Eine Reihe von Faktoren vereitelte aber Mendelssohns Plan, und die Sinfonie wurde erst 1832 in Berlin uraufgeführt.

Es mag merkwürdig erscheinen, dass ein als Jude geborener Komponist die protestantische Reformation als Thema wählte. Religiöse Toleranz war in der Familie Mendelssohn jedoch ein wichtiges Thema. Schon Felix’ Großvater, der Philosoph Moses Mendelssohn, hatte sich für religiöse Toleranz ausgesprochen und dabei preußischen Juden zu einer besseren gesellschaftlichen Stellung verholfen. Darüber hinaus wurden Felix und seine Geschwister 1816 christlich getauft.

Vielleicht gab es aber auch einen musikalischen Impuls für das Werk: Mendelssohn hatte seit seinen mittleren Jugendjahren Gefallen an Bach gefunden und sich mit seiner Musik auseinandergesetzt. Dazu gehörten auch solche Vokalwerke, deren Aufführung zu jener Zeit für unpraktisch gehalten wurde. Im März 1829 dirigierte Mendelssohn zum Beispiel die erste Aufführung der Matthäuspassion seit Bachs Lebzeiten. Zudem hatte Mendelssohn selbst eine Reihe von Werken komponiert, die auf lutherischen Chorälen beruhten. In diesem Zusammenhang mag die Komposition einer Sinfonie mit einem Schlusssatz, der auf dem bekanntesten Choral von allen—Ein feste Burg ist unser Gott—beruht, auf der Hand gelegen haben.

Der erste Satz beginnt mit einer langsamen Einleitung. Nach einem langsam kräuselnden Kontrapunkt und zunehmend drängenden Fanfaren erklingt in den hohen Streichern zweimal ätherisch ein aufsteigendes Sechstonmotiv, das als „Dresdner Amen“ bekannt ist. Es gibt Meinungen, die behaupten, dies sei ein Bezug auf die katholische Liturgie und verweise auf die von Kontroversen zerrüttete alte Kirche. Tatsächlich beginnt der geschäftig einsetzende Hauptteil des Satzes—nun in Moll—sofort mit einem Gefühl von Kampf und Tumult. Am Ende des zentralen Durchführungsabschnitts kehrt das „Dresdner Amen“ zurück und leitet diesmal eine Reprise ein, die gedämpft beginnt, aber erneut auf einen stürmischen Höhepunkt zusteuert.

Das Scherzo ist anmutig und heiter, und seine Stimmung scheint sich vom Rest der Sinfonie abzuheben (sie ist eher bukolisch als ehrfurchtsvoll). Das Scherzo bleibt jedoch durch thematische Bezüge zu den absteigenden Holzbläsermotiven vom Anfang eingebunden.

Der feierliche dritte Satz ist kurz. Das Gefühl, dieser Satz wäre zumindest teilweise als Einleitung zum Schlusssatz konzipiert worden, wird durch die an ein Rezitativ mahnende Violinlinie noch verstärkt. Der Schlusssatz beginnt mit einer warm harmonisierten Darbietung von Ein feste Burg ist unser Gott. Diese Darbietung bildet das Vorspiel zu einem Sonatenhauptsatz mit eigenen Themen, in den gelegentlich der Choral eingeschoben wird. Der letzte Auftritt des Chorals bringt das Werk zu einem prächtigen Abschluss.

aus dem Begleittext von Lindsay Kemp © 2015
Deutsch: Elke Hockings