Like Elgar, Walton wrote only two symphonies. Elgar’s first in 1908 was a triumphant success, as Walton’s was to be. Elgar’s second, of 1911, was coldly received. Walton’s Symphony No 2 came after a gap of twenty-five years and was also greeted with not much more than muted enthusiasm. It was commissioned in 1956 by the Liverpool Philharmonic Society to celebrate the 750th Anniversary of the granting of a charter of incorporation to Liverpool. Receipt of this commission coincided with the first performance in January 1957 of his Cello Concerto. Many of the younger critics savaged the concerto, which they regarded as outmoded and of no interest. Walton now knew all about the ‘black sheep’!

Serious work on the symphony was delayed by completion of his Partita, commissioned by George Szell for the fortieth anniversary of the Cleveland Orchestra. Szell was a long-standing champion of Walton’s music. The Partita had its first performance on 30 January 1958 and proved to be a brilliant tour de force, aptly described by its composer as ‘eminently straightforward and simple or even vulgar, too much perhaps, nevertheless designedly so’. It is difficult to perform but Szell obtained a dazzling performance. This left Walton clear to begin the symphony, but in February 1958 he told his publisher, Alan Frank, that ‘it is going so badly that I fear that I must start all over again’. A year later he reported that he had finished the first movement—‘it may eventually turn out to be not quite so intolerable as I have been suspecting’. Another year passed and in January 1960 he told Frank that he was feeling extremely low about it: ‘I suffer from nightmares of irate mayors and corporations.’ (Liverpool had expected the work in 1957.) In March, after showing the work to his friend the composer Hans Werner Henze, he was more optimistic, and he finished it in July 1960. The first performance was given not in Liverpool but at the Edinburgh Festival on 2 September by the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra conducted by John Pritchard. Rehearsals had gone badly, the critics were lukewarm and EMI cancelled plans for a recording. Szell conducted the American premiere in New York in January 1961. Its success began the rehabilitation of Walton in the United States.

The symphony is in three movements. Only recently has it emerged from under the shadow of its predecessor. Walton was a different composer after 1945, technically more accomplished, emotionally more stable, less extravagant, more elusive. He was also an older, more experienced composer. One might draw a parallel with Strauss who in 1910 had poured his exuberance into Der Rosenkavalier but thirty years later, when covering something of the same ground in Capriccio, found a new way to express similar emotions. Walton’s scoring in the second symphony is far more refined than in the first, mellower and more exotic—vibraphone (although reserved for only one note in the coda of the slow movement), piano and celeste, which had found no place in the first symphony, here lend glitter and kaleidoscopic shimmering. Passion and boiling rage are still there, but more controlled. No notes are wasted. The first movement is compact and novel in structure, virtually monothematic, since all the themes are closely related, and it combines the functions of an opening Allegro and Scherzo. Trilling woodwind and explosive brass are thrilling Walton hallmarks treated freshly.

In the slow movement we are in the sound-world of the opera Troilus and Cressida (1947–54)—a Mediterranean nocturne. The woodwind’s principal theme might almost be a portrait of Cressida (who is probably a portrait of the composer’s wife Susana). The orchestration is as fastidious as any by Debussy or Ravel. The finale is in variation form, the theme being a twelve-note series, but there is nothing atonal about it. (In his opera The Turn of the Screw, Britten had the same idea.) The full orchestra announces the portentous theme. The variations are short, ingenious and mostly fast except for the eighth and ninth. Variation 10 provides a dramatic start to the second part of the movement by re-shaping the twelve-note theme as a jazzy fugato. A mysterious episode precedes the triumphant brass fanfares and hammered chords which end the symphony. It is difficult to understand today why this powerful and inventive work should ever have been considered as ‘the mixture as before’ or as a divertimento.

from notes by Michael Kennedy © 2011

Comme Elgar, Walton signa juste deux symphonies; et comme celle d’Elgar en 1908, sa première symphonie fut un triomphe. Quant à sa Symphonie no 2, survenue après un trou de vingt-cinq ans, elle partagea un peu le froid accueil réservé à sa correspondante elgarienne (1911) et ne souleva guère qu’un enthousiasme violé. La réception de cette commande passée en 1956 par la Liverpool Philharmonic Society pour commémorer le sept cent cinquantième anniversaire de l’octroi d’une charte d’intégration à Liverpool coïncida, pour Walton, avec la première de son Concerto pour violoncelle, en janvier 1957. Beaucoup de jeunes critiques éreintèrent cette œuvre, la jugeant démodée et sans intérêt, et Walton sut alors ce que les mots «brebis galeuse» voulaient dire!

Tout travail sérieux sur la symphonie fut d’abord retardé par l’achèvement de la Partita—une commande de George Szell pour le quarantième anniversaire du Cleveland Orchestra. Szell était un défenseur de longue date de la musique de Walton. Créée le 30 janvier 1958, la Partita, qui s’avéra être un brillant tour de force, fut justement décrite par son auteur comme «éminemment directe et simple, voire commune, trop peut-être, mais voulue ainsi». Elle est difficile à jouer, mais Szell en donna une interprétation éblouissante. Ce qui laissa à Walton le loisir de commencer sa symphonie. En février 1958, cependant, il confia à son éditeur Alan Frank: «cela va si mal que j’ai bien peur de devoir tout recommencer». Un an plus tard, il annonça avoir terminé le premier mouvement—«il se pourrait finalement qu’il ne soit pas tout à fait aussi insupportable que je l’avais suspecté». Une nouvelle année passa et, en janvier 1960, il dit à Frank à quel point cette œuvre le déprimait: «Je souffre de cauchemars peuplés de municipalités furibondes». (Liverpool avait attendu l’œuvre en 1957.) En mars, après avoir montré son travail à son ami le compositeur Hans Werner Henze, il se montra plus optimiste et termina l’œuvre en juillet 1960. La première eut lieu non à Liverpool mais au festival d’Édimbourg, le 2 septembre, et elle fut assurée par le Royal Liverpool Philharmonic Orchestra placé sous la baguette de John Pritchard. Les répétitions furent houleuses, les critiques réservés et EMI annula les projets d’enregistrement. Szell dirigea la première américaine à New York, en janvier 1961, et son succès amorça la réhabilitation de Walton aux États-Unis.

Violà peu que cette symphonie en trois mouvements a quitté l’ombre de sa devancière. Après 1945, Walton était devenu un compositeur différent, techniquement plus accompli, émotionnellement plus stable, moins extravagant, plus insaisissable—plus vieux, aussi, plus expérimenté. On pourrait établir un parallèle avec Strauss qui, en 1910, avait déversé toute son exubérance dans Der Rosenkavalier mais qui, trente ans plus tard, à l’heure d’aborder un peu la même thématique dans Capriccio, découvrit une toute nouvelle manière d’exprimer des émotions similaires. L’écriture de Walton est bien plus raffinée, plus douce, plus exotique dans la seconde symphonie que dans la première—vibraphone (quoique cantonné à une seule note dans la coda du mouvement lent), piano et célesta, qui n’avaient pas trouvé de place dans la première symphonie, lui confèrent éclat et chatoiement kaléidoscopique. Passion et rage écumante sont toujours là, mais elles sont davantage maîtrisées. Pas une note n’est gâchée. Le premier mouvement présente une structure compacte et originale, presque monothématique—tous les thèmes sont voisins—, et combine les fonctions d’un Allegro final et d’un Scherzo. Les trilles des instruments à vent en bois et les cuivres explosifs électrisent les tournures de Walton, traitées avec originalité.

Le mouvement lent nous plonge dans l’univers sonore de l’opéra Troilus and Cressida (1947–1954)—un nocturne méditerranéen. Le thème principal des instruments à vent en bois pourrait presque figurer Cresside (elle-même probable portrait de Susana, la femme du compositeur). L’orchestration est aussi soignée que chez Debussy ou Ravel. Le finale est de forme variation, le thème étant une série dodécaphonique, mais sans rien d’atonal. (Britten eut la même idée dans son opéra The Turn of the Screw.) Le grand orchestre annonce le thème solennel. Les variations sont brèves, ingénieuses et, pour la plupart, rapides (hormis les huitième et neuvième). La variation 10 lance tragiquement la seconde partie du mouvement en refondant le thème dodécaphonique en un fugato jazzy. Un mystérieux épisode précède les triomphantes fanfares de cuivres et les accords martelés qui concluent la symphonie. On comprend mal aujourd’hui pourquoi cette œuvre puissante et inventive a dû être considérée comme «une resucée» ou un divertimento.

extrait des notes rédigées par Michael Kennedy © 2011
Français: Hypérion

Wie Elgar schrieb auch Walton nur zwei Sinfonien. Elgars erste war 1908 ein triumphaler Erfolg, und Gleiches sollte für Walton gelten. Seine zweite aus dem Jahr 1911 wurde frostig aufgenommen. Waltons Sinfonie Nr. 2 folgte mit 25-jährigem Abstand und stieß ebenfalls auf kaum mehr als mäßige Begeisterung. Sie wurde 1956 von der Liverpool Philharmonic Society zur Feier des 750. Jubiläums der Verleihung einer Gründungsurkunde an Liverpool in Auftrag gegeben. Die Anfrage fiel mit der Uraufführung seines Cellokonzerts im Januar 1957 zusammen. Viele der jüngeren Kritiker verrissen das Werk, das sie für altmodisch und völlig uninteressant hielten. Es war Walton nur allzu klar, wer jetzt „die Schuld trug“!

Die ernsthafte Arbeit an der Sinfonie verzögerte sich durch den Abschluss seiner Partita, die George Szell zum 40. Geburtstag des Cleveland Orchestra in Auftrag gegeben hatte. Szell war seit Langem ein Verfechter von Waltons Musik gewesen. Die Partita kam am 30. Januar 1958 zur Uraufführung und erwies sich als brillante Tour de force, die ihr Komponist treffend mit den Worten „überaus schlicht und einfach oder gar ordinär, vielleicht zu sehr, dennoch gewollt“ beschrieb. Sie ist schwer zu spielen, aber Szell gelang eine glänzende Aufführung. Damit hatte Walton freie Hand, die Sinfonie anzugehen, doch im Februar 1958 teilte er seinem Verleger Alan Frank mit: „Es läuft so schlecht, dass ich fürchte, ich muss von vorne anfangen.“ Ein Jahr später berichtete er, dass der erste Satz vollendet sei—„am Ende könnte er sich als nicht ganz so unerträglich herausstellen, wie ich vermutet hatte“. Ein weiteres Jahr verging, und im Januar 1960 meldete er Frank, dass er sehr niedergeschlagen über den Fortgang sei: „Ich leide unter Alpträumen von wütenden Bürgermeistern und Stadtverordneten.“ (Liverpool hatte das Werk 1957 erwartet.) Im März, nachdem er das Werk dem befreundeten Komponisten Hans Werner Henze gezeigt hatte, war er optimistischer, und im Juli 1960 schloss er es ab. Die Uraufführung am 2. September fand nicht in Liverpool statt, sondern beim Edinburgh Festival mit dem Royal Liverpool Philharmonic Orchestra unter John Pritchard. Die Proben waren schlecht gelaufen, die Kritik war mäßig, und EMI sagte eine geplante Aufnahme ab. Im Januar 1961 dirigierte Szell die amerikanische Erstaufführung in New York. Mit ihrem Erfolg begann die Wiederherstellung von Waltons Renommee in den Vereingten Staaten.

Die Sinfonie hat drei Sätze. Erst in jüngerer Zeit ist sie aus dem Schatten ihres Vorgängerwerks hervorgetreten. Nach 1945 war Walton ein anderer Komponist—technisch versierter, emotional gefestigter, weniger ausschweifend, schwerer fassbar. Man mag einen Vergleich zu Strauss ziehen, dessen Überschwang 1910 in den Rosenkavalier eingeflossen war, der aber 30 Jahre später—als er mit Capriccio ähnliches Terrain erkundete—die gleichen Emotionen auf neu entdeckte Weise zum Ausdruck brachte. Waltons Instrumentation ist in der zweiten Sinfonie sehr viel raffinierter, weicher und exotischer als in der ersten—Vibraphon (wenn auch beschränkt auf eine einzige Note in der Coda des langsamen Satzes), Klavier und Celesta, die in der ersten Sinfonie keinen Platz hatten, verleihen der zweiten ein Funkeln und kaleidoskopisches Schillern. Leidenschaft und kochende Wut sind nach wie vor vorhanden, aber stärker gebändigt. Keine Note wird verschwendet. Der erste Satz ist kompakt und originell in der Anlage, so gut wie monothematisch, da alle Themen eng verwandt sind, und verbindet die Funktionen von eröffnendem Allegro und Scherzo. Trillernde Holzbläser und aufbrausendes Blech sind packende Erkennungszeichen Waltons, die er neu behandelt.

Im langsamen Satz bewegen wir uns in der Klangwelt der Oper Troilus and Cressida (1947–1954)—einem mediterranen Nachtstück. Das Hauptthema der Holzbläser könnte geradezu ein Porträt von Cressida sein (die wahrscheinlich ein Porträt von Susana ist, der Ehefrau des Komponisten). Die Instrumentation ist so differenziert, wie man es sonst von Debussy oder Ravel gewöhnt ist. Das Finale hat Variationsform, wobei das Thema eine Zwölftonreihe ist, die aber nichts Atonales an sich hat. (Die gleiche Idee hatte Britten in seiner Oper The Turn of the Screw.) Das unheilvolle Thema wird vom vollen Orchester verkündet. Die Variationen sind kurz, geistreich und überwiegend schnell, mit Ausnahme von Nr. 8 und 9. Variation 10 bildet mit ihrer Umgestaltung des Zwölftonthemas zu einem jazzartigen Fugato den dramatischen Beginn des zweiten Satzteils. Ein geheimnisvoller Abschnitt mündet in die triumphalen Blechfanfaren und hämmernden Akkorde, mit denen die Sinfonie endet. Es ist schwer verständlich, wie dieses beeindruckende und einfallsreiche Werk jemals als „das bekannte Rezept“ oder als Divertimento gelten konnte.

aus dem Begleittext von Michael Kennedy © 2011
Deutsch: Arne Muus