Maurice Duruflé (1902-1986) was a consummate musician. After attracting the attention of one of his father’s acquaintances, Maurice Emmanuel, in his native Louviers, Duruflé came to Paris to study under Charles Tournemire. He was initiated into the spiritual and technical heritage of Louis Vierne in the 1920s then, later, that of Jean Gallon. Paul Dukas was his professor of composition at the Paris Conservatoire, where his classmates included Olivier Messiaen, Jehan Alain, Tony Aubin and Georges Hugon. In just a few years, this former pupil of Rouen’s Saint-Évode choir school, who had a deep affinity for Gregorian chant, was to become one of the most brilliant musicians of his generation, alongside a coterie of up-and-coming young organists, composers and improvisers: André Fleury, Gaston Litaize, Jean Langlais, Olivier Messiaen, Jean-Jacques Grunenwald, Jean-Yves Daniel-Lesur, etc. Together, they were to embody the revival of French organ music in the 1930s, performing on a neoclassical instrument that was now more versatile, more expressive and better equipped to translate their inspiration into sound. Appointed organist of Saint-Étienne-du-Mont in Paris in 1930, after winning the prestigious Prix des Amis de l’Orgue, Duruflé had already composed a number of sensitively written, elegant works in a highly personal language, such as the Scherzo or the Triptyque sur le Veni Creator, composed on his organ in Louviers.

With a passion for balance and subtlety, Maurice Duruflé was throughout his life a reserved man with very high standards. Writing sparingly and slowly, he skilfully combined polyphony with symphonic writing, the use of plainsong with an impressionistic shading inherited from his older contemporaries, Debussy, Dukas, Schmitt, Ravel and Fauré. Never completely satisfied with his works, unusually self-critical and chasing the purest of artistic ideals, he devoted himself to the major traditional forms (prelude, fugue, toccata, chorale and variations, scherzo), producing a body of work which was as 'perfect' as it could be—a quest for perfection that placed him alongside the 'classical' composers of the twentieth century.

Duruflé’s religious works also reveal his deep faith, and this is particularly true of his famous Requiem, Op 9, completed in 1947. This work, initially scored for soloists, choir, orchestra and organ, was transcribed for organ and choir in 1948. The première was given on 2 November 1947 at the Salle Gaveau, conducted by Roger Désormière, with the French Radio Choir conducted by Yvonne Gouverné, and soloists Hélène Bouvier and Camille Maurane. A final version for small orchestra, organ, choir and soloists was produced by the composer in 1961.

Duruflé initially wanted to compose a suite of organ pieces based on Gregorian themes from the Mass for the Dead. However, realizing that he could not separate the Latin text from the instrumental music, he turned this project into a larger-scale work which finally saw life as this Requiem, comprising nine sections from the Mass for the Dead: Introit, Kyrie, Domine Jesu Christe, Sanctus, Pie Jesu, Agnus Dei, Lux aeterna, Libera me and finally In paradisum. As Maurice Duruflé himself said:

This Requiem is entirely composed on Gregorian themes from the Mass for the Dead. At times I have kept the musical text in its entirety, and the orchestral part only intervenes to provide support or commentary; at others, I have simply drawn my inspiration from the Latin text, particularly in the Domine Jesu Christe, the Sanctus and the Libera me. Generally speaking, I have sought above all to enter into the distinctive style of the Gregorian themes. As for the musical form of each of the pieces comprising this Requiem, these are generally inspired by the form suggested by the liturgy. The organ is often there to emphasize certain accents, it represents certain reassurances provided by Faith and Hope. This Requiem is not an ethereal work that celebrates detachment from earthly concerns, it reflects, in the immutable form of the Christian prayer, the anguish of man before the mystery of his final end. It is often dramatic, or filled with resignation, hope or terror, like the very words of the Scripture used in the liturgy. It is intended to convey the feelings of human beings faced with their terrifying, inexplicable or comforting fates.

The work opens in a mysterious atmosphere, as if bathed in a peaceful, mellow light by the Introit, with the voices declaiming a lament taken directly from the Gregorian chant in the Mass for the Dead. The solemn, forceful Kyrie, which still adheres to the Gregorian melodic line, presents a type of compact contrapuntal writing, full of spirituality and dramatic intensity. Although the offertory, Domine Jesu Christe, strays from the Gregorian model to some extent, it continually refers back to it; Duruflé makes use of the words taken from the sacred texts to paint a tragic, moving scene, like an epic tableau vivant. The Sanctus is also drawn from Gregorian plainsong; the music builds through entirely impressionistic, Faurean swoops and swirls to a stirringly magnificent, albeit short, climax, before subsiding back into the ethereal shading of the beginning. The Pie Jesu provides a solemn, contemplative interlude; Duruflé’s understated, concise style of writing enables him to create a feeling of intense emotion. The Agnus Dei sees a return to the mysterious, poetic, Faurean mood: a sense of suspension and other-worldliness prevails, creating a pure blend of Gregorian and Impressionist sound worlds. The Libera me introduces a more agitated and more dramatic episode with the striking entry of the baritone solo. Finally, the sublime, mysterious In paradisum adheres closely to the Latin text and the Gregorian melody with music that is unusually poetic and mellifluous. This moment of pure emotion is Duruflé’s translation of the total mystery that death represents for us: 'The ultimate answer of faith to all the questions, by the flight of the soul to Paradise'.

In composing this masterpiece, Maurice Duruflé left behind a compelling testimony. A work of great craftsmanship and faith, the Requiem soon achieved huge success all over the world, entering the repertory of numerous choirs and symphony societies. It is above all this highly personal, spiritual and humanist message which, tackling the mystery of mankind’s final end, continues to stir us and move us to the very core.

The Quatre Motets sur des thèmes grégoriens for unaccompanied choir date from 1960. These gems of 20th-century vocal polyphony have been performed all over the world. They are dedicated to Auguste Le Guennant, in recognition of his assistance to the composer during the composition of his Requiem. They were first performed on 4 May 1961 at the Église Saint-Merry by the Chorale Stéphane Caillat. They can be performed during vespers as part of the traditional Catholic liturgy.

Dedicated to his wife, in honour of the Virgin Mary, the Messe Cum jubilo, Op 11, was composed in Ménerbes in Provence during the summer of 1966. It calls for an exclusively baritone choir, with baritone soloist, orchestra and organ. As was the case with the Requiem, a version for voices and organ was realised in 1967. The première of this mass was given on 18 December 1966 at the Salle Pleyel, by the Orchestre Lamoureux under the baton of Jean-Baptiste Mari, with Camille Maurane and the Chorale Stéphane Caillat. Like the Requiem, this work, which has five separate sections, combines symphonic writing with Gregorian plainsong. With the exception of several freely developed passages, particularly in the Sanctus, this mass follows the ever-prominent Gregorian melodic line as closely as possible. As in the Quatre Motets and the Requiem, Maurice Duruflé sought to bring modern notation into line with the rhythmic syntax practised by the Benedictine monks of Solesmes.

Frédéric Blanc © 2016
English: Sue Rose

Né en 1902, mort en 1986, Maurice Duruflé fut un musicien complet. Remarqué à Louviers, sa ville natale, par Maurice Emmanuel que connaissait son père, il vint à Paris pour y effectuer ses études auprès de Charles Tournemire, avant de recueillir l’héritage spirituel et technique de Louis Vierne dans les années 1920, puis celui de Jean Gallon. Paul Dukas fut son professeur de composition au conservatoire de Paris, où ses camarades s’appelaient Olivier Messiaen, Jehan Alain, Tony Aubin et Georges Hugon. Profondément attaché au chant grégorien, cet ancien élève de la maîtrise Saint-Évode de Rouen allait devenir en quelques années l’un des musiciens les plus brillants de sa génération, aux côtés d’une cohorte de jeunes organistes, compositeurs et improvisateurs à l’avenir prometteur: André Fleury, Gaston Litaize, Jean Langlais, Olivier Messiaen, Jean-Jacques Grunenwald, Daniel-Lesur. Ils allaient incarner la renaissance de l’orgue français dans les années 1930, servant un instrument néo-classique désormais plus souple, plus coloré, plus apte à traduire au plus près leur inspiration. Nommé organiste de Saint-Étienne-du-Mont à Paris en 1930 après avoir remporté le prestigieux Prix des Amis de l’Orgue, Duruflé a déjà à son actif un certain nombre d’œuvres d’inspiration sensible et raffinée et au langage très personnel, comme le Scherzo ou le Triptyque sur le Veni Creator composés sur son orgue de Louviers.

Épris d’équilibre et de raffinement, Maurice Duruflé demeura toute sa vie un homme discret et très sévère pour lui-même. Écrivant peu et lentement, il savait combiner avec adresse la polyphonie et l’écriture symphonique, l’utilisation du chant grégorien et la touche impressionniste héritée de ses aînés Debussy, Dukas, Schmitt, Ravel et Fauré. Jamais complètement satisfait de son ouvrage, habité par un sens autocritique peu commun et animé par un idéal artistique très pur, il se consacra aux grandes formes traditionnelles (prélude, fugue, toccata, choral et variations, scherzo), livrant une œuvre achevée, aussi «parfaite» que possible—une recherche de la perfection qui lui vaudra de se placer aux côtés des compositeurs «classiques» du XXe siècle.

À travers son œuvre religieuse, Duruflé nous dit aussi sa foi profonde, notamment dans le célèbre Requiem, op.9, terminé en 1947. Cette œuvre, d’abord écrite pour soli, chœurs, orchestre et orgue, fut transcrite pour orgue et chœur en 1948. La première eut lieu le 2 novembre 1947 à la salle Gaveau, sous la direction de Roger Désormière, avec les chœurs de la radio dirigés par Yvonne Gouverné, et les solistes Hélène Bouvier et Camille Maurane. Une dernière version pour orchestre réduit, orgue et chœur et solistes fut réalisée par l’auteur en 1961.

Duruflé eut d’abord l’idée de composer une suite de morceaux pour orgue basée sur les thèmes grégoriens de la messe des morts. Puis il se rendit compte qu’il ne pouvait dissocier le texte latin de la musique instrumentale. Son projet se transforma donc en une œuvre de plus grande ampleur et trouva son accomplissement final dans ce Requiem. Cette messe comprend les neuf parties de la messe des morts: Introït, Kyrie, Domine Jesu Christe, Sanctus, Pie Jesu, Agnus Dei, Lux aeterna, Libera me et enfin In paradisum. Laissons la parole à Maurice Duruflé:

Ce Requiem est entièrement composé sur les thèmes grégoriens de la messe des morts. Tantôt le texte musical a été respecté intégralement, la partie orchestrale n’intervenant alors que pour le soutenir ou le commenter; tantôt je m’en suis simplement inspiré par le texte latin, notamment dans le Domine Jesu Christe, le Sanctus et le Libera me. D’une façon générale, j’ai surtout cherché à me pénétrer du style particulier des thèmes grégoriens. Quant à la forme musicale de chacune des pièces composant ce Requiem, elles s’inspirent généralement de la forme même proposée par la liturgie (…) L’orgue est souvent présent pour souligner certains accents, il représente certains apaisements de la Foi et de l’Espérance. Ce Requiem n’est pas un ouvrage éthéré qui chante le détachement des soucis terrestres, il reflète, dans la forme immuable de la prière chrétienne, l’angoisse de l’homme devant le mystère de sa fin dernière. Il est souvent dramatique, ou rempli de résignation, d’espérance ou d’épouvante, comme les paroles mêmes de l’Écriture qui servent à la liturgie. Il tend à traduire les sentiments humains devant leurs terrifiantes, inexplicables ou consolantes destinées.

L’œuvre débute dans une atmosphère mystérieuse et comme nimbée d’une douce lumière calme par l’Introït, les voix déclamant une mélopée directement issue du chant grégorien de la messe des morts. Le Kyrie, plein de force et de gravité, gardant toujours la ligne grégorienne est une sorte de contrepoint très concentré, d’une grande spiritualité et intensité dramatique. L’offertoire: Domine Jesu Christe, s’écarte quelque peu du grégorien, tout en s’y référant, Duruflé exploite les paroles issues des textes sacrés pour peindre une fresque tragique et émouvante, tel un tableau vivant et épique. Le Sanctus est lui aussi issu de la mélodie grégorienne, des volutes et arabesques sonores tout à fait impressionnistes et fauréennes aboutissent à un climax grandiose et court du plus bel effet, avant de retomber dans les teintes impalpables du début. Moment de gravité et de recueillement avec le Pie Jesu; Duruflé parvient à atteindre une émotion intense par des moyens d’écriture très sobres et concentrés. Avec l’Agnus Dei, retour à une ambiance mystérieuse, poétique et fauréenne, tout semble suspendu, immatériel, pur mélange sonore entre grégorien et impressionisme. Le Libera me met en relief un épisode plus mouvant, plus dramatique, avec l’intervention remarquée du baryton solo. Enfin, le sublime et mystérieux In paradisum, suit pas à pas le texte et la mélodie grégorienne, la musique étant d’une poésie rare et d’une suavité extrême, ce moment d’émotion pure est la traduction que Duruflé nous donne à ce mystère total que reste pour nous la mort: «Ultime réponse de la foi à toutes les questions, par l’envol de l’âme vers le Paradis».

En composant son chef-d’œuvre, Maurice Duruflé nous laisse un témoignage d’une grande force; œuvre de science et de foi, ce Requiem n’allait pas tarder à rencontrer un grand succès dans le monde entier, entrant au répertoire de nombreux chœurs et associations symphoniques. C’est bien ce message spirituel et humaniste, si personnel, à travers les mystères des fins dernières qui continue de nous émouvoir et de nous toucher au plus profond de nous-mêmes.

Les Quatre Motets sur des thèmes grégoriens pour chœur a cappella datent de 1960. Purs joyaux de la polyphonie vocale du XXe siècle, ils ont fait le tour du monde. Ils sont dédiés à Auguste Le Guennant, en reconnaissance de l’aide qu’il apporta au compositeur lors de l’élaboration de son Requiem. Ils furent donnés en première audition le 4 mai 1961 à Saint-Merry par la Chorale Stéphane Caillat. Ils peuvent être exécutés lors d’un office de vêpres dans la liturgie catholique traditionnelle.

Dédiée à la Vierge Marie, la Messe Cum jubilo, op.11, fut composée à Ménerbes en Provence durant l’été 1966. Le chœur est uniquement constitué de barytons, auxquels s’ajoutent un baryton solo, l’orchestre et l’orgue. Comme pour le Requiem, il existe une version pour chant et orgue réalisée en 1967. La première de cette messe eut lieu le 18 décembre 1966 à la salle Pleyel, par l’orchestre Lamoureux sous la direction de Jean-Baptiste Mari, avec Camille Maurane et la Chorale Stéphane Caillat. Composée de cinq pièces distinctes, cette œuvre combine, tout comme le Requiem, écriture symphonique et chant grégorien. Exception faite de quelques développements libres, notamment dans le Sanctus, elle suit d’aussi près que possible la mélodie grégorienne, qui garde la première place. Comme dans les Quatre Motets et dans le Requiem, Maurice Duruflé s’est efforcé d’adapter la mesure moderne à la syntaxe rythmique des moines bénédictins de Solesmes.

Frédéric Blanc © 2016

Maurice Duruflé (1902–1986) war ein Musiker höchster Vollendung. Nachdem ein Bekannter seines Vaters, Maurice Emmanuel, in seiner Heimatstadt Louviers auf ihn aufmerksam geworden war, ging er nach Paris, um bei Charles Tournemire zu studieren. Dort wurde er in den 1920er-Jahren zunächst in das spirituelle und technische Vermächtnis Louis Viernes eingeführt, später in das Jean Gallons. Sein Professor für Komposition am Konservatorium in Paris war Paul Dukas, zu seinen Kommilitonen dort gehörten Olivier Messiaen, Jehan Alain, Tony Aubin und Georges Hugon. In nur wenigen Jahren sollte aus Duruflé, dem einstigen Schüler der Chorschule Saint-Évode in Rouen mit seiner großen Vorliebe für gregorianischen Gesang, einer der brillantesten Musiker seiner Generation werden, umgeben von einer Clique viel versprechender junger Organisten, Komponisten und Improvisatoren: André Fleury, Gaston Litaize, Jean Langlais, Olivier Messiaen, Jean-Jacques Grunenwald, Jean-Yves Daniel-Lesur und andere. Gemeinsam wurden sie zum Inbegriff der Wiederbelebung französischer Orgelmusik in den 1930er-Jahren; sie spielten auf einem neoklassischen Instrument, das vielseitiger und ausdrucksstärker geworden war und ihre Inspirationen besser in Klang umzusetzen vermochte. Nachdem Duruflé den renommierten Prix des Amis de l’Orgue gewonnen hatte, wurde er 1930 zum Organisten von Saint-Étienne-du-Mont in Paris berufen; da konnte er bereits auf eine Reihe einfühlsam geschriebener, eleganter Werke in einer sehr persönlichen Sprache verweisen, etwa das Scherzo und das Triptyque sur le Veni Creator, das er auf seiner Orgel in Louviers komponiert hatte.

Maurice Duruflé zeichnete sich aus durch große Ausgewogenheit gepaart mit Feinsinn, und seine hohen Ansprüche gab er zeit seines Lebens nicht auf. Dabei schrieb er ebenso sparsam wie langsam. Er verstand es, polyphone und sinfonische Klänge zu verbinden, und verwendete die gregorianische Choralmusik mit einer impressionistischen Einfärbung, die er von seinen älteren Zeitgenossen Debussy, Dukas, Schmitt, Ravel und Fauré entlehnte. Nie war er mit seinen Werken ganz zufrieden, stets äußerte er sich selbstkritisch und verfolgte die hehrsten künstlerischen Ideale. Sein Feld waren die großen Formen alter Tradition (Präludium, Fuge, Toccata, gregorianischer Choral und Variationen, Scherzo), und dort schuf er ein Werkkorpus, das der Vollkommenheit nahe kommt—die Suche nach Perfektion, deretwegen ihm ein Platz an der Seite der „klassischen“ Komponisten des 20. Jahrhunderts gebührt.

Duruflés geistliche Kompositionen zeugen auch von seinem tiefen Glauben, allen voran sein berühmtes Requiem, op. 9, das er 1947 fertig stellte. Dieses ursprünglich für Solisten, Chor, Orchester und Orgel instrumentierte Werk schrieb er 1948 für Orgel und Chor um. Die Premiere fand am 2. November 1947 in der Salle Gaveau statt, am Pult stand Roger Désormière, der französische Rundfunkchor wurde von Yvonne Gouverné geleitet, die Solisten waren Hélène Bouvier und Camille Maurane. Eine dritte Version für kleines Orchester, Orgel, Chor und Solisten entstand 1961, ebenfalls durch den Komponisten selbst.

Zunächst plante Duruflé eine Suite von Orgelstücken ausgehend von gregorianischen Themen aus der Totenmesse. Als ihm jedoch bewusst wurde, dass er den lateinischen Text nicht von der Instrumentalmusik trennen konnte, machte er sich daran, das Projekt in ein größerformatiges Werk umzubauen, das schließlich zum Requiem wurde und neun Abschnitte aus der Totenmesse umfasst: Introit, Kyrie, Domine Jesu Christe, Sanctus, Pie Jesu, Agnus Dei, Lux aeterna, Libera me und schließlich In paradisum. Wie Maurice Duruflé selbst schrieb:

Dieses Requiem besteht ausschließlich aus gregorianischen Themen der Totenmesse. Bisweilen habe ich den gesamten musikalischen Text beibehalten, so dass die Orchesterteile nur zur Unterstützung oder als Kommentar dienen, dann wieder bezog ich aus dem lateinischen Text lediglich meine Inspiration, insbesondere im Domine Jesu Christe, im Sanctus und im Libera me. Im Allgemeinen ging es mir insbesondere darum, dem typischen Stil der gregorianischen Themen gerecht zu werden. Was die musikalische Form der einzelnen Stücke dieses Requiems betrifft, so lehnt sie sich gemeinhin an die von der Liturgie vorgegebene Form an. Zweck der Orgel ist vielfach, bestimmte Akzente zu betonen, sie stellt die Versicherung dar, die Glaube und Hoffnung bieten. Das Requiem ist kein ätherisches Werk, das ein Abstreifen aller irdischen Sorgen preist, vielmehr spiegelt es in der unwandelbaren Form des christlichen Gebets die Qual des Menschen angesichts des Geheimnisses seines Endes. Es ist vielfach dramatisch und birgt Resignation, Hoffnung oder Grauen, ebenso wie die in der Liturgie verwendeten biblischen Worte. Es soll die Gefühle der Menschen vermitteln, die ihrem erschreckenden, unerklärlichen oder tröstenden Schicksal gegenüberstehen.

Die Atmosphäre des Werks ist zunächst geheimnisvoll, als würde es durch das Introit in ein friedliches, sanftes Licht getaucht, die Stimmen intonieren eine Klage, die direkt dem gregorianischen Gesang aus der Totenmesse entstammt. Das feierliche, wuchtige Kyrie, das ebenfalls der gregorianischen Melodielinie folgt, ist ein spirituell und dramatisch intensives Beispiel für kompakte kontrapunktische Komposition. Auch wenn das Domine Jesu Christe in gewissem Maße vom gregorianischen Vorbild abweicht, verweist es aber immer wieder darauf zurück. Mit den auf den heiligen Text zurückgehenden Worten malt Duruflé eine tragische, ergreifende Szene, die an ein episches Tableau vivant erinnert. Auch das Sanctus greift den gregorianischen Choral auf, die Musik baut sich durch impressionistische, Fauresche Wirbel und Flüge zu einem ergreifend prachtvollen, wenn auch kurzen Höhepunkt auf, ehe es sich in die ätherische Färbung des Anfangs zurückzieht. Das Pie Jesu stellt ein feierliches, kontemplatives Zwischenspiel dar; mit seinem unaufdringlichen, präzisen Schreibstil beschwört Duruflé hier eine intensive Gefühlswelt herauf. Mit dem Agnus Dei kehrt die geheimnisvolle, poetische Fauresche Stimmung zurück, das vorherrschende Gefühl ist eines der Spannung und des Jenseitigen: eine reine Mischung gregorianischer und impressionistischer Klangwelten. Im Libera me wird durch den markanten Einsatz des Bariton-Solos eine erregtere, dramatischere Episode eingeleitet. Das sublime, geheimnisvolle In paradisum hält sich mit einer ungewöhnlich lyrischen und lieblichen Musik eng an den lateinischen Text und die gregorianische Melodie. Mit diesem Moment schieren Gefühls gibt Duruflé uns seine Interpretation des Geheimnisses, das der Tod für uns darstellt: „Die abschließende Antwort des Glaubens auf alle Fragen durch das Aufsteigen der Seele ins Paradies“.

Mit diesem Meisterwerk hinterließ Maurice Duruflé ein bezwingendes Vermächtnis, ein Werk von immensem Können und tiefem Glauben. Das Requiem trat sehr bald seinen Siegeszug um die Welt an und ging in das Repertoire zahlreicher Chöre und sinfonischer Gesellschaften ein. Seine Kraft, uns immer wieder anzusprechen und zu bewegen, verdankt das Werk aber vor allem der ausgesprochen persönlichen, spirituellen und humanistischen Botschaft, die das Geheimnis vom Lebensende des Menschen aufgreift.

Die Quatre Motets sur des thèmes grégoriens für unbegleiteten Chor stammen aus dem Jahr 1960. Diese Preziosen der vokalen Polyphonie des 20. Jahrhunderts kamen in aller Welt zur Aufführung. Sie sind Auguste Le Guennant gewidmet aus Dank für die Hilfe, die er Duruflé beim Komponieren seines Requiem gab. Erstmals aufgeführt wurden die Motetten am 4. Mai 1961 in der Église Saint-Merry durch den Chorale Stéphane Caillat; sie können als Teil der katholischen Liturgie während der Vesper dargeboten werden.

Die Messe Cum jubilo, op. 11, entstand im Sommer 1966 in Ménerbes in der Provence und ist der Frau des Komponisten zu Ehren der Muttergottes gewidmet. Das Werk verlangt einen reinen Baritonchor mit Bariton-Solist, Orchester und Orgel, und wie beim Requiem schrieb Duruflé 1967 auch hier eine Version für Gesangsstimme und Orgel. Die Premiere der Messe fand am 18. Dezember 1966 in der Salle Pleyel statt, und zwar durch das Orchestre Lamoureux unter der Leitung von Jean-Baptiste Mari mit Camille Maurane und dem Chorale Stéphane Caillat. Wie das Requiem verbindet dieses Werk, das aus fünf getrennten Abschnitten besteht, sinfonische Musik mit gregorianischem Choral. Mit der Ausnahme einiger frei entwickelter Passagen insbesondere im Sanctus lehnt es sich der unweigerlich durchklingenden gregorianischen Melodielinie so eng wie möglich an. Und wie in den Quatre Motets und dem Requiem bemühte Maurice Duruflé sich auch bei diesem Werk, die moderne Notation mit der rhythmischen Syntax zu verbinden, wie sie von den Benediktinermönchen in Solesmes gepflegt wurde.

Frédéric Blanc © 2016
Deutsch: Sue Rose