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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Paris & Vienna

Gottlieb Wallisch (piano)
Studio Master FLAC & ALAC downloads available
Studio Master:
Studio Master:
Download only
Recording details: December 2011
Reitstadel, Neumarkt in der Oberpfalz, Germany
Produced by Philip Hobbs
Engineered by Philip Hobbs & Robert Cammidge
Release date: July 2012
Total duration: 74 minutes 3 seconds

Cover artwork: Photography by Wolfgang Werzowa.

Gottlieb Wallisch, who has captivated audiences from many of the world's major concert platforms, impressed the critics with his superb interpretations of Mozart's Viennese repertoire. This, his second solo album on Linn, further explores Mozart's rich piano repertoire of works associated with Paris and Vienna, many of which raised the standard for technical virtuosity. Gottlieb displays a profound understanding of the music of his fellow Austrian, as well as his impressive technical and interpretative skills.

A 24-bit 192 kHz studio master for this album is available from the Linn Records website.


'Its compilation of sonatas and stand-alone pieces makes for an appealing, astutely varied programme' (BBC Music Magazine)» More

'Beautifully executed' (Fanfare, USA)» More

'Mit seinem ehrlichen, teilweise sehr simplen Stil bleibt Gottlieb Wallisch nahe am musikalischen Kontext. Was auf den ersten Blick vielleicht etwas altmodisch erscheint, ist letztlich doch die Suche nach einer absoluten Werktreue' (Pizzicato, Luxembourg)» More

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After a long trip with sojourns in Munich, Augsburg and Mannheim, the young composer W. A. Mozart finally arrived in the city on the Seine. He had left his hated service in Salzburg, hoping now for a well-paid position. This hope was not to be fulfilled in Paris, but at least he re-encountered his important compositional role model, Johann Christian Bach. Mozart had already performed with him as an 8-year-old in London and his musical style was strongly recommended for imitation by his father Leopold Mozart.

No wonder the three sonatas K330–332 were long considered to belong to the ‘Paris Sonatas’, since they bear – like so many of Mozart’s compositions – the unmistakable stylistic stamp of the great son of J. S. Bach. However, a paper analysis of resourceful musicologists showed that these three works were actually created in Salzburg years later in 1783. Mozart had these sonatas published in 1784 by the Viennese music publisher Artaria as ‘Opus VI’. None of the autographs have been retained in their entirety, but it appears that the first edition was revised by Mozart himself, as it contains more dynamic indications than the existing manuscripts.

Mozart left 18 piano sonatas in total; they account for nearly one-sixth of the 102 piano works registered in the Köchelverzeichnis. It took Mozart five long years after writing the Sonata K310 in 1778 to revisit the genre with K330. These were formative years for the young composer; his beloved mother had passed away in Paris and he had freed himself from the influence of his all-powerful father, who was not pleased that after Aloysia Weber’s betrayal, Mozart had married her younger sister Constanze.

Despite – or perhaps, because of – these circumstances, the Sonata in C Major is cheerfully coloured and life-affirming, simply and economically designed, full of grace with its ideas freely and homogeneously intertwined. The slow movement’s middle section in F minor is melancholic and profound, and the finale appears with the clean sweep of a contredanse.

K332 can almost be regarded as a twin: there’s hardly any thematic work and it’s brimming with musical ideas. The Allegro’s development has very little motive growth; the Adagio is artfully delicate, in the gallant style so very reminiscent of J. C. Bach. The virtuoso finale is technically quite demanding for the pianist, unusual for that time as the sonata was mainly regarded to serve an educational purpose. Clearly Mozart promoted the development of the entire genre by raising the virtuoso standard demanded of the pianist. This is particularly noticeable in the Sonata K330 which incorporates instructional motives, arpeggios and scales.

The piano variations, with 17 independent works, are almost equal in number to the sonatas in the Köchelverzeichnis. Mozart picked up popular tunes – for example from operas – and varied them in an almost improvisatory style. The opera I filosofi immaginarii by Giovanni Paisiello, from which Mozart took ‘Salve tu, Domine’ in 1783, is virtually unknown today. At the time, Paisiello was one of the most popular and successful Italian opera composers and highly esteemed by Mozart. All of Vienna made pilgrimages to his operas. Mozart made good use of this ‘hype’ and performed the variations in a self-organised concert with such success that he had to conjure up a few more opera-variations in actual improvisation as an encore.

Similarly ‘all’improvviso’, wandering freely and following no formal scheme, are Mozart’s fantasies for piano. He was introduced to the works of J. S. Bach and his sons by Gottfried van Swieten in Vienna; a musical encounter that opened up completely new dimensions for Mozart and plunged him into an actual compositional crisis. About Bach’s son Carl Philipp Emanuel, the esteemed pre-classical role model for Haydn and Beethoven, Mozart said: ‘He is the father, we are the boys – if we learned anything of value, we learned it from him.’ Mozart had apparently learned something valuable, since most of his fantasies and rondos are a legacy of Bach’s son. Yet the Fantasy in C minor, K396 bears the name almost unfairly, since it is actually based on the 1782–1784 manuscript of a sonata movement for piano and violin. The piece survived only in fragmentary form – Mozart’s notation ends shortly before the development. The thematic material – all influenced by the free, soulful style of Carl Philipp Emanuel – was completely elaborated for the piano whereas only five bars of the violin part were written down. Therefore it seemed perfectly legitimate for Abbé Maximilian Stadler, a friend of Haydn and a successful church composer himself, to adapt this fragment for solo piano after Mozart’s death. He complemented it with a painfully passionate development and recapitulation, which stay entirely true to the theme’s character.

Abbé Stadler also worked on the Allegro K400, another opening movement of an unfinished sonata. Mozart had finished the movement up to the recapitulation in the Weber family house in 1781 and, most charmingly, had the names of the sisters Sophie and Constanze listed above the bars, immortal­izing them as melodic phrases. The piece is overflowing with exuberance and daring – one might imagine that Mozart indeed wanted to impress the two ladies with a display of frivolous virtuosity and dexterity.

However, the Adagio K540 from 1788 is a document of pure melancholy. Mozart rarely used the B minor key, but influenced by J. S. Bach, he now took full advantage of it to create a work of lyrical sadness. Sighing and almost insurmountable dissonances predominate, with only the D major offering some comfort. After abrupt tonal detours, this very personal piece comes to end in B major. Yet despite this final brightening by the B major key, the work fades out with mystery and fragility.

Although the Andante for mechanical organ is mainly played on the piano today, its original instrumentation is still palpable. We know that Mozart con­sidered the organ to be the ‘king of instruments’ and was himself an accomplished organist. Curiously it was a mechanical marvel not played by a man of flesh and blood, but by a complex mechanism, that was in vogue at the time – the barrel organ. Numerous famous musicians, including C. P. E. Bach, Haydn, Beethoven and Mozart, composed pieces for the mechanical barrel organ. Such instruments were often displayed in front of an astonished audience – and in fact Mozart wrote the Andante in F major on commission for such a travelling mausoleum, which presented statues of all kinds of recently deceased celebrities. Succinctly but nevertheless spot-on, a Viennese critic of the day described the Andante as ‘the most enchanting music’.

Ursula Haselböck © 2012
English: Gero Mertens

Nach einer langen Reise mit Stationen in München, Augsburg und Mannheim, war der junge Komponist W. A. Mozart endlich in der Seine-Metropole angekommen. Er hatte den verhassten Dienst in Salzburg quittiert und hoffte nun auf eine gut dotierte Anstellung. Diese Hoffnung wurde zwar nicht erfüllt, immerhin traf er in Paris aber erneut sein wichtiges kompositorisches Vorbild Johann Christian Bach, mit dem er schon als 8-jähriger in London musiziert hatte und dessen Stil ihm Vater Leopold damals ausdrücklich zur Nachahmung empfohlen hatte.

Kein Wunder also, dass die drei Sonaten KV 330–332 lange zu den „Pariser Sonaten“ gezählt wurden, tragen sie doch – wie so viele Mozartsche Kom­positionen – unübersehbar den stilistischen Stempel des großen Bach-Sohnes. Erst eine Papieranalyse findiger Musikwissenschaftler ergab, dass diese drei Werke vielmehr allesamt erst Jahre später, nämlich 1783 in Salzburg entstanden waren. 1784 ließ Mozart die Sonaten beim Wiener Musikverleger Artaria als „Opus VI“ verlegen. Keines der Autographe ist vollständig erhalten geblieben, den Erstdruck revidierte Mozart aber wohl selbst, enthält er doch deutlich mehr dynamische Bezeichnungen als die vorhandenen Handschriften.

18 Klaviersonaten hat Mozart insgesamt hinterlassen, sie machen fast ein Sechstel aller 102 im Köchelverzeichnis registrierten Werke für Klavier aus. Es vergingen aber fünf lange Jahre seit der Sonate KV 310 von 1778 bis sich Mozart mit dem KV 330 wieder dieser Gattung zuwandte. Prägende Jahre für den jungen Komponisten: Die geliebte Mutter war in Paris verstorben, vom übermächtigen Vater, der so gar nicht glücklich war, dass Mozart nach dem Treuebruch Aloysia Webers nun ihre jüngere Schwester Konstanze geheiratet hat, hatte er sich endlich losgelöst.

Trotzdem – oder gerade deswegen – ist die Sonate in C-Dur heiter und lebensbejahend gefärbt. Schlicht und ökonomisch gestaltet, voller Anmut, die Einfälle zwanglos und homogen miteinander verbunden. Trotzdem melancholisch und tiefgehend ist dann der f-moll-Mittelteil des 2. Satzes, bis das Finale mit einem Kontretanz als Kehraus verklingt.

KV 332 gilt fast als der Zwilling: Kaum thematische Arbeit und sprudelnd vor musikalischen Ideen. Das Allegro kommt sogar ganz ohne motivische Arbeit in der Durchführung aus, das Adagio ist kunstvoll filigran, galant im Stil eben erinnernd an Johann Christian Bach. Und das virtuose Finale stellt schließlich noch recht hohe technische Anforderungen an den Pianisten – ungewöhnlich für eine Zeit, in der die Sonate bislang hauptsächlich für pädagogische Zwecke gedacht war. Und auch wenn Mozart vor allem in der Sonate KV 330 einige für Schüler durchaus lehrreiche Motive, Arpeggien und Skalen einbaut, so ist der virtuose Anspruch doch eindeutig ein Zeichen für die Aufwertung der Gattung, die Mozart nicht zu Unrecht mit zugeschrieben wird.

Mit 17 selbstständigen Werken zahlenmäßig fast gleichauf mit den Sonaten sind im Köchelverzeichnis die Variationen, in denen Mozart populäre Melodien – zum Beispiel aus Opern – aufgreift und quasi improvisierend variiert. Heute ist die Oper „I filosofi immaginarii“ von Giovanni Paisiello, aus der Mozart 1783 „Salve tu, Domine“ bearbeitete, zwar quasi unbekannt. Damals war der auch von Mozart hoch geschätzte Paisiello aber einer der beliebtesten und erfolgreichsten italienischen Opernkomponisten überhaupt, ganz Wien pilgerte in seine Opern. Mozart nützte diesen „Hype“ und führte die Variationen bei einem selbst veranstalteten Konzert mit so großem Erfolg auf, dass er als Zugabe gleich einige weitere Opernvariationen (dann wirklich) improvisierend aus dem Hut zaubern musste.

Ähnlich all’improvviso, freischweifend und keinem formalen Schema folgend sind Mozarts Fantasien für Klavier. Durch Gottfried van Swieten war Mozart in Wien mit dem Schaffen Johann Sebastian Bachs und seiner Söhne in Kontakt gekommen – eine musikalische Begegnung, die Mozart vollkommen neue Dimensionen eröffnete und ihn in eine regelrechte kompositorische Krise stürzte. Über Bachs Sohn Carl Philipp Emanuel, viel bewundertes vorklassisches Vorbild auch für Haydn und Beethoven, meinte Mozart sogar: „Er ist der Vater, wir sind die Buben, wenn einer etwas Rechtes gelernt hat, hat er es von ihm gelernt.“ Und Mozart hatte anscheinend etwas Rechtes gelernt, sind doch die meisten seiner Fantasien und Rondos ein Erbe des Bach-Sohns. Gerade die Fantasie c-moll KV 396 trägt den Namen aber fast zu Unrecht, liegt ihr doch eigentlich das zwischen 1782 und 1784 geschriebene Manuskript eines Sonatensatzes für Klavier und Violine zugrunde, das bis kurz vor der Durchführung fertiggestellt erhalten blieb. Das thematische Material – ganz beeinflusst vom freien, gefühlvollen Stil Carl Philipp Emanuels – war komplett aufgestellt, nur ganze 5 Takte der Violinstimme waren notiert. Da scheint es durchaus legitim, dass Abbé Maximilian Stadler, Freund auch von Haydn und selbst erfolgreicher Kirchenkomponist, diesen Torso nach Mozarts Tod für Klavier allein einrichtete und durch eine, ganz dem Charakter des Themas folgend, schmerzlich-leidenschaftliche Durchführung samt Reprise ergänzte.

Abbé Stadler war es auch, der sich des Allegros KV 400 annahm, ebenfalls ein Anfangssatz einer nicht weiter ausgeführten Sonate. Mozart hatte das Allegro 1781 im Hause Weber bis zum Beginn der Reprise niedergeschrieben – und, ganz Charmeur, die Namen der Schwestern Sophie und Konstanze über der Musik notiert, sie so, quasi als Melodiephrasen verewigt. Überschwänglich und drauf­gängerisch das Stück, man könnte fast meinen, Mozart wollte unter Aufgebot sämtlicher leichtfertiger Virtuosität und Fingerfertigkeit die beiden Damen beeindrucken?

Ein Dokument der puren Melancholie ist dagegen das Adagio KV 540 von 1788. Selten verwendete Mozart die Tonart h-moll und nun nützte er sie, geprägt von Johann Sebastian Bach, für ein Werk voll lyrischer Schwermut. Seufzer­motive, unüberwindliche Dissonanzen schon im Thema, erst D-Dur bringt ein bisschen Trost. In H-Dur endet schließlich, nach tonalen Umwegen, dieses sehr persönliche Stück: entrückt, rätselhaft, trotz der Aufhellung zum Schluss noch einmal fragwürdiger und fast labil.

Und auch wenn das Andante für Orgelwalze heute hauptsächlich auf dem Klavier gespielt wird, so sticht hier doch zumindest die angedachte Instrumentierung heraus. Dass Mozart die Orgel für die „Königin der Instrumente“ hielt und selbst ein guter Organist war, ist überliefert. Groß in Mode war aber ein mechanisches Wunderwerk, das nicht von einem Menschen aus Fleisch und Blut, sondern von einem komplexen Mechanismus gespielt wurde: die Orgelwalze. Zahlreiche berühmte Musiker, so auch C. P. E. Bach, Haydn, Beethoven und eben auch Mozart komponierten Stücke für die mechanische Walzenorgel. In Wunderkabinetten wurden diese Instrumente immer wieder einem erstaunten Publikum zur Schau gestellt – und auch das Andante in F komponierte Mozart als Auftragswerk für ein Wandermausoleum, das Statuen allerlei kürzlich verstorbener Berühmtheiten präsentierte. Lapidar aber treffend immerhin das Urteil eines Wiener Kritikers: „… die bezauberndste Musik …“.

Ursula Haselböck © 2012

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