Landscape and nature have been an abiding inspiration to composers over the years and to none more than British composers in the 19th and early 20th centuries. Think only of what the Malvern Hills and the Wye Valley meant to Elgar (‘the trees are singing my music’) and the storms and seabirds of the North Sea to Britten in Peter Grimes. Although born in London, Arnold Bax (1883-1953) turned himself into an honorary Celt, with a special passion for Irish legend and lore, but perhaps his best-known orchestral work is on an English subject, the Arthurian castle of Tintagel in Cornwall. Bax himself drew listeners’ attention ‘more especially to the long distances of the Atlantic as seen from the cliffs of Cornwall on a sunny but not windless summer day’. He composed this tone-poem between 1917 and 1919 and it had its first performance in Bournemouth, where Dan Godfrey championed British music, in October 1921. The work has a powerful sub-text: it is a celebration of Bax’s adulterous love-affair with the pianist Harriet Cohen and is dedicated to ‘darling Tania [his name for her] with love from Arnold’. So in every sense Tintagel is the music of high romance, with quotations from Wagner’s Tristan und Isolde, exultant horns and all the time the sound and motion of the sea. The Freudian symbols are obvious enough, but we can enjoy the music’s rich scoring and surging melody whether or not we take account of them.

We think of Gerald Finzi (1901-1956) as the quintessential English composer, yet he was of German, Italian and Jewish ancestry. His settings of Thomas Hardy are remarkable for their insight into this most English of poets, reflecting the fatalism and melancholy of the verses with uncanny sensibility. He worked on his compositions over a long period of time, sometimes over twenty years. The fall of the leaf is a case in point. The title is taken from a piece by Martin Peerson in the Fitzwilliam Virginal Book. Finzi sketched it between 1926 and 1929, intending it as the third movement of a symphonic suite The Bud, the Blossom and the Berry. During the Second World War he completed it in a piano-duet version but at his death only 64 of its 158 bars were fully orchestrated, 56 had some indications of scoring and 38 were blank. The work was completed for performance and publication by Finzi’s friend Howard Ferguson and the first performance was given in the Free Trade Hall, Manchester, on 11 December 1957 by the Hallé conducted by Sir John Barbirolli. It is a poignant piece, characteristic of Finzi’s pastoral lyricism but punctuated by powerful climaxes. His biographer Diana McVeagh has likened its final chords to those of Holst’s Saturn.

Although not tied to any particular landscape, one of the most evocative (and popular) examples of English pastoralism is the Romance for violin and orchestra by Vaughan Williams (1872-1958) to which he gave the title The lark ascending after a poem by George Meredith which begins

He rises and begins to round
He drops the silver chain of sound
Of many links without a break
In chirrup, whistle, slur and shake …

That verse is as good a description of the music as one could attempt. The work is today so well loved and familiar that it is easy to overlook its originality and to take its beauty for granted. After the violin’s entry, during which the lark ascends almost out of our hearing as well as of our sight, the orchestra has a short interlude. The theme sounds like a folk-song but isn’t. The violin soon rejoins the orchestra. Its soaring line anticipates Messiaen’s obsession with bird-song by thirty years and encapsulates in music the lyric-pastoral atmosphere of English Georgian poetry. The work was composed in 1914 for Marie Hall but Vaughan Williams put it aside until his return from service in the First World War. She was the soloist in 1921 in the first performance of the orchestral version, with Adrian Boult conducting. It must already have sounded like an elegy for a vanishing England.

Folk-song is the basis of the Norfolk Rhapsody No 1 which Vaughan Williams composed in 1906. He had begun folk-song collecting in 1903, inspired by the example of Cecil Sharp, and had a particularly rich haul in East Anglia in 1905. He planned to write a Norfolk Symphony but instead he used the folk-tunes in three Norfolk Rhapsodies. No 1 was first played at a Promenade Concert in 1906 conducted by Henry J. Wood and Nos 2 and 3 followed at the 1907 Cardiff Festival. Eventually Nos 2 and 3 were withdrawn and No 1 was revised in 1914 when some folk-song quotations were deleted and the coda re-written. The opening evokes the sense of sky and space one feels in East Anglia and it is not long before a solo viola quotes the tragic and beautiful song The Captain’s Apprentice. Although the breezier tunes of A Bold Young Sailor and On Board a ’98 are also quoted, it is the Apprentice melody that dominates the score and gives it a haunting quality.

The two delicate miniature tone-poems by Frederick Delius (1862-1934) were composed, it is said, at the behest of Philip Heseltine (Peter Warlock), although they are dedicated to Balfour Gardiner. On hearing the first cuckoo in spring was composed in 1912, Summer night on the river in the previous year. The first performances were given in Leipzig by the Gewandhaus Orchestra conducted by Arthur Nikisch. Delius wrote to his wife: ‘The public seemed to like the first piece [Cuckoo] best, although I like the second one best’. This has remained the public’s attitude. Willem Mengelberg conducted the first London performances on 20 January 1914.

The public probably likes the First cuckoo better because it is harmonically more conservative than its companion piece. It has two main themes, one of which (introduced by the flute in the 18th bar) is a folk-melody also used by Delius’s friend Grieg as No 14, In Ola Valley, in his 19 Norwegian Folk-Tunes, Op 66, for piano (1896). Textures are mainly homophonic, with chords of the seventh, translucent strings and delightful woodwind solos. The cuckoo’s first call is fairly discreet but becomes more insistent. Summer night on the river is in some respects Delius’s most advanced orchestral work and might even have been inspired by Debussy, of whose Prélude à l’après-midi d’un faune Delius had recently received a piano-roll. The chromatic harmony evokes perfectly the calm and peace implied by the title and one can visualise the moonlight glinting on the water and hear the nocturnal insects. A central section has a long cello solo which epitomises Delius’s special magic. The river is no doubt the Loing at his French home in Grez.

The two final works on this disc are for unaccompanied mixed chorus, a genre in which British composers have always excelled. The hills was the contribution by John Ireland (1879-1962) to A Garland for the Queen, a collection of settings by 10 British composers of 10 contemporary poets commissioned to mark the coronation in June 1953 of Queen Elizabeth II. Ireland’s setting of James Kirkup is typical of the visionary composer of These Things Shall Be. Although As torrents in summer is often sung as a separate piece, as here, it originated as part of the coda of the big choral work Scenes from the Saga of King Olaf which Elgar (1857-1934) wrote in 1896. After Olaf’s death there is an epilogue in which the dead hero’s mother prays in a convent. Her answer comes as this exquisite vision of nature, an unaccompanied chorus based on a variant of one of Olaf’s motifs. It is followed by the work’s more elaborate final chorus.

Michael Kennedy © 2006

Au fil des années, les paysages et la nature ont durablement inspiré les compositeurs, et plus particulièrement les compositeurs britanniques du XIXè siècle et du début du XXè. Que l’on songe seulement à quel point les collines de Malvern et la vallée de Wye comptaient pour Elgar («les arbres chantent ma musique») et les orages et les oiseaux marins de la mer du Nord pour Britten dans Peter Grimes. Bien que né à Londres, Arnold Bax (1883-1953) devint Celte honoraire, se passionnant notamment pour les légendes et les traditions irlandaises, mais son œuvre orchestrale sans doute la plus connue traite d’un sujet anglais, le château du roi Arthur à Tintagel en Cornouailles. Bax attira lui-même l’attention des auditeurs «plus spécialement sur les vastes horizons de l’Atlantique tels qu’on peut les contempler du haut des falaises des Cornouailles les jours d’été ensoleillés où souffle un peu de vent». Il composa son poème symphonique entre 1917 et 1919 et le créa à Bournemouth, où Dan Godfrey défendait la musique britannique, en octobre 1921. Cet ouvrage contient un sous-texte de poids: il est la célébration de la liaison adultère de Bax avec la pianiste Harriet Cohen et est dédié à «Tania chérie [ainsi qu’il l’appelait] avec l’amour d’Arnold». Ainsi la musique de Tintagel est-elle celle de l’amour romantique dans tous les sens du terme, avec des citations de Tristan und Isolde de Wagner, des cors triomphants et l’omniprésence du bruit et du mouvement de la mer. Les symboles freudiens y sont assez limpides, mais que nous en tenions compte ou non, il est aisé de savourer la riche orchestration et les envolées mélodiques de ces pages.

On considère Gerald Finzi (1901-1956) comme le compositeur anglais par excellence, et pourtant, il était d’origine allemande, italienne et juive. Ses mélodies sur des textes de Thomas Hardy sont remarquables de par leur compréhension très fine de ce poète des plus anglais, reflétant le fatalisme et la mélancolie de ses vers avec une sensibilité saisissante. Il travailla à ces compositions pendant une longue période de temps, parfois plus de vingt ans. The fall of the leaf (La chute de la feuille) en est un bon exemple. Son titre lui vient d’une pièce de Martin Peerson publiée dans le Fitzwilliam Virginal Book. Finzi l’ébaucha entre 1926 et 1929 avec l’intention d’en faire le troisième mouvement d’une suite symphonique, The Bud, the Blossom and the Berry (Le bourgeon, la fleur et le fruit). Au cours de la Deuxième Guerre Mondiale, il en acheva une version pour piano à quatre mains, mais à sa mort, seules 64 de ses 158 mesures étaient entièrement orchestrées, 56 portaient quelques indications d’orchestration, et 38 étaient en blanc. L’ouvrage fut achevé pour exécution et publication par l’ami de Finzi Howard Ferguson, et la création fut donnée au Free Trade Hall de Manchester le 11 décembre 1957 par le Hallé sous la direction de Sir John Barbirolli. C’est une œuvre poignante, caractéristique du lyrisme pastoral de Finzi, mais ponctuée de puissants apogées. Son biographe, Diana McVeagh, a rapproché les accords finaux de ceux du Saturne de Holst.

Bien qu’il ne soit pas lié à un paysage en particulier, l’un des exemples les plus évocateurs (et populaires) de pastoralisme anglais est la Romance pour violon et orchestre de Vaughan Williams (1872-1958), qu’il intitula The lark ascending (L’envol de l’alouette) d’après un poème de George Meredith dont voici les premiers vers:

Elle s’élève et commence à tournoyer,
Elle dénoue de son chant la chaîne argentée
Aux maints chaînons infrangibles,
Et gazouille et sifflote son ramage intangible …

Ces vers constituent la meilleure description possible du morceau. Aujourd’hui, ces pages sont tellement aimées et connues qu’il est facile d’en oublier l’originalité et de tenir leur beauté pour acquise. Après l’entrée du violon, pendant laquelle l’alouette devient d’un coup d’aile presque aussi invisible qu’elle est difficile à entendre, l’orchestre se voit confier un bref interlude. Le thème donne l’impression—erronée—d’être une chanson populaire. Le violon ne tarde pas à rejoindre l’orchestre. Sa ligne ascendante annonce déjà, trente ans à l’avance, l’obsession de Messiaen pour les chants d’oiseaux, et sa musique présente l’atmosphère lyrico-pastorale de la poésie anglaise de l’époque géorgienne. Ce morceau fut composé en 1914 pour Marie Hall, mais Vaughan Williams le mit de côté, attendant d’avoir fini de servir pendant la Première Guerre mondiale. En 1921, Marie Hall fut la soliste lors de la création de la version orchestrale, avec Adrian Boult au pupitre. Ces pages devaient déjà faire figure d’élégie pour une certaine Angleterre en voie de disparition.

La chanson populaire est le fondement de la Norfolk Rhapsody nº 1 que Vaughan Williams composa en 1906. Il avait commencé à collecter des chansons populaires en 1903, inspiré par l’exemple de Cecil Sharp, et fit une moisson particulièrement fructueuse en East Anglia en 1905. Il projetait d’écrire une Symphonie de Norfolk, mais au lieu de cela il employa les mélodies populaires dans trois Norfolk Rhapsodies. La nº 1 fut créée lors d’un concert Promenade en 1906 dirigé par Henry J. Wood et les nº 2 et nº 3 suivirent lors de l’édition 1907 du Festival de Cardiff. Finalement, les nº 2 et nº 3 furent retirées (mais la nº 2 a maintenant été enregistrée) et la nº 1 fut révisée en 1914, certaines citations de chansons populaires étant supprimées et la coda réécrite. L’ouverture évoque la sensation de ciel et d’espace que donnent les paysages d’East Anglia, et un solo d’alto ne tarde pas à citer la tragique et magnifique chanson The Captain’s Apprentice (L’apprenti du capitaine). Bien que les mélodies plus insouciantes de A Bold Young Sailor (Un jeune marin intrépide) et On Board a ’98 (A bord d’un ’98) soient également citées, c’est celle de l’apprenti qui domine la partition et la rend si envoûtante.

Les deux poèmes symphoniques de Frederick Delius (1862-1934) furent composés, dit-on, sur l’ordre de Philip Heseltine (Peter Warlock), même si ces délicates miniatures sont dédiées à Balfour Gardiner. On hearing the first cuckoo in spring (En entendant le premier coucou au printemps) fut composé en 1912, Summer night on the river (Nuit d’été sur la rivière) l’année précédente. Leurs créations furent données à Leipzig par l’Orchestre du Gewandhaus sous la direction d’Arthur Nikisch. Delius écrivit à sa femme: «Le public a eu l’air de préférer le premier morceau [le Coucou], quant à moi je préfère le deuxième». L’attitude du public ne s’est pas démentie. C’est Willem Mengelberg qui dirigea les créations londoniennes du 20 janvier 1914.

Le public préfère sans doute the First cuckoo car il est harmoniquement plus conservateur que son pendant. Il présente deux thèmes principaux, dont l’un (introduit par la flûte à la 18ème mesure) est une mélodie populaire également employée par Grieg, l’ami de Delius, dans le nº 14, Dans la vallée d’Ola, dans ses 19 Mélodies populaires norvégiennes op.66 pour piano (1896). Les textures sont majoritairement homophoniques, avec des accords de septième, des cordes translucides et de délicieux solos de bois. Le premier appel du coucou est assez discret, mais se fait plus insistant. Summer night on the river est par certains aspects l’ouvrage orchestral le plus évolué de Delius, et pourrait bien lui avoir été inspiré par Debussy, dont Delius venait de recevoir le Prélude à l’après-midi d’un faune sous forme de rouleau de piano. L’harmonie chromatique évoque parfaitement le calme et la paix suggérés par le titre, et on peut visualiser le clair de lune scintillant sur l’eau et entendre les insectes nocturnes. Une section centrale contient un long solo de violoncelle qui personnifie le charme typique de Delius. La rivière qu’il décrit est sans aucun doute le Loing, qui passait près de son domicile français à Grez.

Les deux œuvres qui concluent ce disque sont pour chœur mixte a cappella, genre dans lequel les compositeurs britanniques ont toujours excellé. The hills (Les collines) était la contribution de John Ireland (1879-1962) à A Garland for the Queen (Une guirlande pour la reine), recueil de compositions commandées à dix musiciens britanniques sur les textes de dix poètes contemporains et destiné à marquer le couronnement de la reine Elizabeth II en juin 1953. L’œuvre d’Ireland sur le texte de James Kirkup est caractéristique du compositeur visionnaire de These Things Shall Be (Ces choses seront). Bien que As torrents in summer (Comme les torrents l'été) soit souvent chanté séparément, comme c’est le cas ici, il faisait à l’origine partie de la coda de la grande pièce chorale Scenes from the Saga of King Olaf (Scènes de la saga du roi Olaf) écrite par Elgar (1857-1934) en 1896. Après la mort d’Olaf, un épilogue montrait la mère du héros défunt priant dans un couvent. C’est cette exquise vision de la nature qui vient lui répondre, chœur a cappella fondé sur une variante de l’un des motifs d’Olaf. Elle est suivie du chœur final de l’ouvrage, plus élaboré.

Michael Kennedy © 2006
Français: David Ylla-Somers

Landschaft und Natur haben Komponisten schon immer inspiriert, und das gilt in besonderem Maße für britische Komponisten des neunzehnten und zwanzigsten Jahrhunderts. Man bedenke nur, was die Hügelkette der Malvern Hills und das Tal des Flusses Wye für Elgar bedeuteten (“die Bäume singen meine Musik”), oder die Stürme und Seevögel der Nordsee für Britten in Peter Grimes. Obwohl in London geboren, verwandelte sich Arnold Bax (1883-1953) in einen Kelten ehrenhalber mit besonderer Leidenschaft für irische Legenden und Überlieferungen, wenn auch sein wohl bekanntestes Werk ein englisches Thema behandelt, nämlich die mit der Artussage verbundene Burg Tintagel in Cornwall. Bax selbst lenkte die Aufmerksamkeit der Hörer “insbesondere auf die weiten Ausblicke auf den Atlantik von den Klippen Cornwalls an einem sonnigen, aber nicht windstillen Sommertag.” Er schrieb diese Tondichtung zwischen 1917 und 1919; die Uraufführung fand im Oktober 1921 in Bournemouth statt, wo Dan Godfrey sich besonders für britische Musik einsetzte. Das Werk hat einen eindringlichen Subtext: Es handelt sich um die Verherrlichung von Bax’ ehebrecherischer Liebschaft mit der Pianistin Harriet Cohen, mit der Widmung: “Für meinen Schatz Tania [so nannte er sie] in Liebe von Arnold.” Also ist Tintagel in jeder Hinsicht hochromantische Musik, mit Zitaten aus Wagners Tristan und Isolde, jubilierenden Hörnern und dem stetigen Klang der bewegten See. Die Freudsche Symbolik ist allzu offensichtlich, aber ganz gleich, ob wir sie in Betracht ziehen wollen, können wir uns am üppigen Orchestersatz und der wogenden Melodik der Musik erfreuen.

Gerald Finzi (1901-1956) gilt allgemein als typisch englischer Komponist, auch wenn er deutscher, italienischer und jüdischer Herkunft war. Seine Vertonungen der Gedichte von Thomas Hardy zeichnen sich aus durch ihr Verständnis für diesen englischsten aller Dichter und reflektieren den Fatalismus und die Melancholie der Verse mit bemerkenswerter Sensibilität. Er arbeitete lange an seinen Kompositionen, manchmal über zwanzig Jahre hin. The fall of the leaf ist ein solcher Fall. Der Titel des Werks ist einem Stück von Martin Peerson aus dem Fitzwilliam Virginal Book des siebzehnten Jahrhunderts entnommen. Finzi arbeitete daran zwischen 1926 und 1929, in der Absicht, es als dritten Satz einer sinfonischen Suite unter dem Titel The Bud, the Blossom and the Berry zu verwenden. Während des Zweiten Weltkriegs stellte er es in einer Fassung für Klavierduett fertig, doch bei seinem Tod waren erst vierundsechzig der einhundertachtundfünfzig Takte voll orchestriert, sechsundfünfzig waren ansatzweise instrumentiert, achtunddreißig blieben unbearbeitet. Das Werk wurde zur Aufführung und Veröffentlichung von Finzis Freund Howard Ferguson vervollständigt, und die Uraufführung gab das Hallé am 11. Dezember 1957 in der Free Trade Hall zu Manchester unter der Leitung von Sir John Barbirolli. Es ist ein ergreifendes Werk, charakteristisch für Finzis pastoralen Lyrismus, doch durchsetzt mit kraftvollen Höhepunkten. Seine Biographin Diana McVeagh hat die Schlussakkorde mit denen von Holsts Saturn verglichen.

Eines der evokativsten (und populärsten) Beispiele für englische Bukolik, wenn auch nicht an eine bestimmte Landschaft gebunden, ist die Romanze für Violine und Orchester von Vaughan Williams (1872-1958), der er den Titel The lark ascending gab, nach dem Gedicht über die aufsteigende Lerche von George Meredith, das folgendermaßen beginnt:

Erhebt sich und beginnt zu kreisen,
lässt fallen silberner Töne Kette,
vielgliedrig ohne Unterbrechung,
aus Tschilpen, Pfeifen, Schleifern, Trillern …

Dieser Vers eignet sich wohl so gut wie nur denkbar als Beschreibung der Musik. Das Werk ist heute so beliebt und weithin bekannt, dass seine Originalität leicht übersehen und seine Schönheit als selbstverständlich hingenommen wird. Nach dem Einsatz der Violine, in dessen Verlauf die Lerche bis fast außerhalb unserer Sichtund Hörweite aufsteigt, hat das Orchester ein kurzes Zwischenspiel. Das Thema klingt wie eine Volksweise, ist jedoch keine. Die Violine gesellt sich bald wieder zum Orchester. Ihre hoch aufsteigende Melodielinie nimmt Messiaens Faszination mit Vogelgesang um dreißig Jahre vorweg und fängt die lyrisch-pastorale Atmosphäre englischer georgianischer Dichtung in Musik ein. Das Werk entstand 1914 für Marie Hall, doch Vaughan Williams legte es beiseite, bis er vom Militärdienst im Ersten Weltkrieg zurückkehrte. Sie war dann die Solistin bei der Uraufführung der Orchesterfassung im Jahre 1921 unter der Leitung von Adrian Boult. Das Werk muss seinerzeit bereits wie eine Elegie auf ein im Verschwinden begriffenes England geklungen haben.

Die Norfolk Rhapsody Nr. 1, die Vaughan Williams 1906 komponierte, beruht auf Volksliedern. Er hatte 1903 unter dem Einfluss von Cecil Sharp begonnen, Volksweisen zu sammeln, und 1905 gelangen ihm in der ostenglischen Landschaft von East Anglia einige besonders geglückte Funde. Er plante, eine Norfolk-Sinfonie zu schreiben, doch stattdessen verwendete er die Volksweisen in drei Norfolk Rhapsodies. Die Nr. 1 wurde 1906 bei einem Promenadenkonzert unter der Leitung von Henry J. Wood uraufgeführt, Nr. 2 und 3 folgten 1907 beim Cardiff Festival. Nach einiger Zeit wurden Nr. 2 und 3 zurückgezogen (auch wenn die Nr. 2 inzwischen auf Tonträger eingespielt worden ist), und Nr. 1 wurde 1914 revidiert—einige der Volksliedzitate wurden gestrichen, die Coda wurde umgearbeitet. Die Einleitung beschwört das Gefühl von Himmel und Weite herauf, das man in East Anglia verspürt, und bald zitiert eine Solobratsche das tragische und wunderschöne Lied The Captain’s Apprentice. Obwohl die eher unbekümmerten Melodien von A Bold Young Sailor und On Board a ’98 ebenfalls zitiert werden, beherrscht die Apprentice Melodie die Partitur und vermittelt ihr einen Anflug von Sehnsucht.

Die beiden zarten Miniatur-Tondichtungen von Frederick Delius (1862-1934), angeblich auf Anregung von Philip Heseltine (Peter Warlock) entstanden, sind jedoch Balfour Gardiner gewidmet. On hearing the first cuckoo in spring wurde 1912 komponiert, Summer Night on the river im Jahr zuvor. Uraufgeführt wurden die Stücke in Leipzig vom Gewandhausorchester unter der Leitung von Arthur Nikisch. Delius schrieb an seine Frau: “Dem Publikum schien das erste Stück [Cuckoo] am besten zu gefallen, obwohl ich das zweite lieber mag.” Der Publikumsgeschmack hat sich seither nicht geändert. Willem Mengelberg dirigierte die Londoner Erstaufführungen am 20. Januar 1914.

Dem Publikum gefällt On hearing the first cuckoo wohl deshalb besser, weil es von der Harmonik her konservativer ist als sein Gegenstück. Das Werk hat zwei Hauptthemen, von denen eines (im 18. Takt von der Flöte eingeführt) eine Volksweise ist, die auch Delius’ Freund Grieg in seinen 19 Norwegischen Volksweisen für Klavier op. 66 (1896) als  14 (Im Ola-Tal) verwendete. Der Aufbau ist vorwiegend homophon, mit Akkorden auf der Septime, transparentem Streichersatz und entzückenden Holzbläsersoli. Der erste Kuckucksruf ist recht diskret, doch werden die Rufe dann beharrlicher. Summer night on the river [Sommernacht auf dem Fluss] ist in mancher Hinsicht Delius’ fortgeschrittenstes Orchesterwerk und könnte sogar von Debussy inspiriert sein, dessen Prélude à L’après-midi d’un faune Delius kurz zuvor als Klavierrolle zugegangen war. Die chromatische Harmonik beschwört perfekt die vom Titel angedeutete friedliche Ruhe herauf, und man kann sich das Glitzern des Mondlichts auf dem Wasser und die nächtlichen Insektengeräusche gut vorstellen. Ein Mittelabschnitt enthält ein langes Cellosolo, das Delius’ ganz eigenen Zauber widerspiegelt. Bei dem Fluss handelt es sich zweifellos um die Loing bei seinem Anwesen im französischen Grez.

Die beiden letzten Werke der vorliegenden CD sind für unbegleiteten gemischten Chor gesetzt—in dieser Gattung haben sich britische Komponisten schon immer besonders hervorgetan. The hills war der Beitrag von John Ireland (1879-1962) zu A Garland for the Queen, einer Sammlung von Vertonungen der Gedichte von zehn zeitgenössischen Dichtern durch zehn britische Komponisten, in Auftrag gegeben zur Krönung der Königin Elisabeth II. im Juni 1953. Irelands Vertonung der Verse von James Kirkup ist typisch für den visionären Komponisten von These Things Shall Be. Auch wenn As torrents in summer oft (wie auch hier) als separates Stück gesungen wird, entstand es als Bestandteil der Coda des groß angelegten Chorwerks Scenes from the Saga of King Olaf, das Elgar (1857-1934) im Jahre 1896 schrieb. Auf Olafs Tod folgt ein Epilog, in dem die Mutter des verstorbenen Helden in einem Kloster betet. Ihre Antwort erfolgt in Form dieser exquisiten Naturvision, einem unbegleiteten Chor auf Grundlage einer Variante zu einem von Olafs Motiven. Danach wird der aufwendigere Schlusschor des Werks gesungen.

Michael Kennedy © 2006
Deutsch: Bernd Müller