Stephen Hough’s New Piano Album is a celebration of musical wit and affection – a tribute to sadly receding virtues and enchantments. In our increasingly brittle and cynical world it is hard to make terms such as ‘artificial’ or ‘sentimental’ sound other than pejorative, yet, like Ravel who once exclaimed “They accuse me of artificiality when it is the very thing I strive for”, Stephen Hough, a true alchemist of the keyboard, turns all preconceptions topsy-turvy. For him, the traditional encore offers a special opportunity to surprise and delight. Its acknowledgement in the programme or spoken preface (another English pianist’s flat-vowelled revelation, made some years ago, “I would like to play Schumann’s Arabesque”, struck precisely the wrong note) is contrary to its very essence. Artur Rubinstein’s teeming audiences may have waited breathlessly for ‘Nocturne by Chopin’ (always Op 15 in F sharp) or Falla’s Ritual Fire Dance, their eager expectations invariably fulfilled, but Stephen Hough prefers the touch of enigma associated with Benno Moiseiwitsch whose unannounced performances of Palmgren’s West Finnish Dance, Stravinsky’s F sharp major Étude or Glazunov’s Valse de Concert prompted no less eager enquiry. For Hough, as for Moiseiwitsch, letting the cat out of the bag dissolves the divide between audience and performer, encourages a false familiarity or democracy, and dims the pianist’s personal charisma.

Many of Stephen Hough’s choices are dictated by nostalgia, a love of receding attitudes and emotions, a time when an audience’s feelings were open and unabashed, allowing a twinkle to light up the eye or a tear to fall without embarrassment. Do present-day fears or emotions run deep? Has the experience of two world wars and the Holocaust, involving the death of millions, shifted the spectrum of our feelings forever? After such events, silence was followed by cynicism, the world of, say, Walton’s Façade, or the sudden switch from seriousness to levity in a novel such as Iris Murdoch’s The Red and the Green. More specifically and musically, today’s piano students laugh not so much at Cortot’s wrong notes as at his emotional freedom and generosity, at what they see as ‘camp’ or ‘the theatricalisation of experience’. Robert White’s and Stephen Hough’s programme ‘Bird Songs at Eventide’ (Hyperion CDA66818), which includes such evergreens as Moon of my Delight and Roses of Picardy, provoked similar questions and bittersweet remembrances, and so here, in this most beguiling of recitals, Stephen Hough once more invites us to look back, think again and redefine our sense of musical and poetical parameters.

The first three items give us Schubert as seen through different pairs of eyes. For Liszt, Schubert’s waltzes needed a helping hand if they were to permeate an audience’s consciousness to the full. Reverent before Schubert (‘the most poetic of all composers’), he ornaments Schubert’s alternately robust and delicate dance measures, his altruism tinted by realism, his awareness that his ear-tickling, multicoloured virtuosity would draw as much attention to his own Merlin-like powers as to the composer’s original work. Like Andrew Marvell’s magical bird, which ‘whets and combs its silver wings and waves in its Plumes the various Light’, Liszt’s lilting and cascading embellishment adds an ingredient at once foreign and sympathetic to Schubert’s idiom. A generation later, Leopold Godowsky inlays Schubert’s innocence with ivory and gold, with a darkening and enriching chromaticism that has enraged artists (notably Sir Clifford Curzon) of a more puritan taste. Here, it must be admitted, Schubert takes second place, and whether you consider such hyphenation elevated or debased, richly perfumed or defiled, it is hard to resist such a lavish and bejewelled tribute. Alt Wien leaves Schubert for an idealisation of Godowsky’s Viennese childhood, for a city of dreams, and so we become aware of multi-levels of longing and memory.

Moritz Moskowski’s Étincelles is surely a pastiche of Scarlatti and, as Hough sends its reeling figuration at one point plunging rather than soaring, you can sense how such an elfin touch would have wreathed the composer’s face with the broadest of smiles. In supreme contrast, Paderewski’s Mélodie, a clear if sober relative to his Nocturne, offers plainness rather than exoticism, is elegant and simple rather than gilded or affected. Chaminade’s Pierrette is a feisty young lady, all flounces and ruffles, her gay insouciance contrasted by Autrefois, a charming pastiche evoking former times and, once again, Scarlatti’s alternating exuberance and introspection.

Emmerich Kálmán (1882-1953) abandoned his ambition to become a concert pianist to compose highly successful operettas. Born in Hungary, he emigrated to America. A contemporary of Bartók and Kodály in Budapest, he was taken up by Richard Tauber, whose recording of Was weiss ein nie geküsster Rosenmund, with its daringly extreme rubato was the inspiration for this transcription. Here Hough makes one sound melt – rather than merely join or elide – with another, a transcending quality that too often divides both singers and string players from pianists. Stephen Hough’s own Musical Jewellery Box, prompted by previous examples of the genre (Liadov, de Séverac, Friedman etc.) achieves a double magic, its French nonchalance enhanced by the sparkle of jewellery, its innocence mixed with experience, a marvel of wide-eyed wonder and sophistication. Hough’s Étude de Concert is, again in his own words, ‘a pastiche of the Slavic piano étude. In ABA form its A sections, made up of three themes, are reduced to half tempo to form the B section. During the reprise of section A all three themes are combined briefly before a coda transforms the main theme into a whirlwind tarantella’.

Richard Rogers’ Hello young lovers continues Hough’s transcriptions of this composer, as does the Carousel Waltz, dedicated to Lyndon Scarffe, its impressionist opening sending wisps of melody floating across a deserted fairground or, midway, before the carousel is whirled into raucous and rapidly gyrating life. The transcription of the Londonderry Air was originally composed for James Galway and Robert White, so this is an arrangement of an arrangement, skimming all excess cream and allowing for a pure Irish melody to sail, in magically brittenesque style, across a syncopated accompaniment.

Finally to Russia. Rachmaninov’s Humoresque is played in the composer’s glittering revision, as is his insinuating ultra-slavic Mélodie. Tchaikovsky’s Dumka is among his most substantial piano works, concluding with an elegiac memory of its former glow and intensity, while Earl Wild’s transcription of the same composer’s Pas de quatre from Swan Lake is as delectable as it is brief. Stephen Hough confesses he began by altering bits of Eugene Pabst’s Sleeping Beauty Paraphrase, and in the end changed virtually everything. A transcription of true virtuoso vintage, this is very much Tchaikovsky/Pabst/Hough.

A lover of pianistic craft and wizardry, Stephen Hough complements his nostalgia, his love of the past, with a rare sense of artifice and cunning. Like the protagonist in W B Yeats’s Sailing to Byzantium, he will surely wish that

Once out of nature I shall never take
My bodily form from any natural thing,
But such a form as Grecian goldsmiths make
Of Hammered gold or gold enamelling
To make a drowsy Emperor awake;
Or set upon a golden bough to sing
To Lords and Ladies of Byzantium
Of what is past, or passing, or to come.

Bryce Morrison © 1999

New Piano Album de Stephen Hough est une célébration de l’esprit et de l’amour de la musique – un hommage à des vertus et à des enchantements malheureusement en voie de disparition. Difficile, dans notre monde de plus en plus froid et cynique, de faire sonner les adjectifs «artificiel» ou «sentimental» autrement que de manière péjorative; pourtant, à l’instar de Ravel qui s’exclama, naguère: «On m’accuse d’artificialité alors que c’est précisément ce pour quoi je me bats», Stephen Hough, véritable alchimiste du clavier, bouleverse tous les préjugés. À ses yeux, les bis traditionnels sont d’exceptionnelles occasions de surprise et de ravissement, et les mentionner dans les programmes ou leur consacrer quelques mots avant de les interpréter («J’aimerais jouer l’Arabesque de Schumann», annonça, voilà quelques années, un autre pianiste anglais, dans une révélation qui n’était vraiment pas dans le ton) est contraire à leur essence même. Aux grouillants auditoires d’Artur Rubinstein, qui devaient attendre, haletants, le «Nocturne de Chopin» (toujours l’op. 15 en fa majeur) ou la Danse rituelle du feu de de Falla – attentes enfiévrées invariablement satisfaites –, Stephen Hough préfère la touche d’énigme associée à Benno Moiseiwitsch, dont les exécutions, jamais annoncées, Palmgren’s West Finnish Dance de l’Étude en fa dièse majeur de Stravinski ou de la Valse de concert de Glazounov ne soulevaient pas moins d’enthousiasme. Pour Hough, comme pour Moiseiwitsch, vendre la mèche détruit la frontière public interprète, encourage une fausse familiarité ou démocratie, et affaiblit le charisme du pianiste.

Nombre des choix de Stephen Hough sont dictés par la nostalgie, un amour des attitudes et des émotions menacées de disparition, héritées d’un temps où les auditeurs pouvaient, sans honte aucune, donner libre cours à leurs sentiments, laisser leurs yeux s’illuminer ou une larme couler. Nos craintes, nos émotions sont-elles, aujourd’hui, toutes en profondeur? L’expérience de deux guerres mondiales et de l’Holocauste, avec leurs millions de morts, a-t-elle à jamais transformé la gamme de nos sentiments? Au lendemain de ces événements, le silence fit place au cynisme, à l’univers, disons, du Façade de Walton, ou du soudain passage du sérieux à la légèreté de romans comme The Red and the Green d’Iris Murdoch. Dans un registre plus spécifiquement musical, les étudiants pianistes actuels ne rient pas tant des fausses notes d’Alfred Cortot que de sa liberté et de sa générosité émotionnelles, qu’ils jugent «affectées» ou perçoivent comme «la théatralisation de l’expérience». Le programme «Bird Songs at Eventide» (Hyperion CDA66818) de Robert White et Stephen Hough, qui inclut des mélodies immarcescibles telles Moon of my Delight et Roses of Picardy, suscita des interrogations similaires et des remémorations aigres-douces. Dans le présent, et fort séduisant, récital, Stephen Hough nous invite, une fois encore, à nous retourner, à repenser, à redéfinir notre sens des paramètres musico-poétiques.

Les trois premières pièces nous dévoilent Schubert à travers différents regards. Pour Liszt, les valses de Schubert devaient être aidées si l’on voulait qu’elles envahissent pleinement la conscience de l’auditoire. Révérencieux envers Schubert («le plus poétique de tous les compositeurs»), il orne les mesures de danse, tour à tour robustes et délicates, avec un altruisme nué de réalisme, conscient que sa virtuosité versicolore, titillant l’oreille, attirerait autant l’attention sur ses propres pouvoirs de Merlin que sur l’œuvre originale du compositeur. À l’instar de l’oiseau magique d’Andrew Marvell, qui «affûte et peigne ses ailes d’argent, et agite en ses plumes la lumière plurielle», Liszt apporta un embellissement chantant et cascadant, à la fois étranger et approprié à l’idiome schubertien. Une génération plus tard, Leopold Godowsky incrusta d’ivoire et d’or l’innocence de Schubert, avec un chromatisme assombrissant et enrichissant qui mit en rage des artistes (notamment Sir Clifford Curzon) d’inclination davantage puritaine. Force est de reconnaître que Schubert ne tient plus ici que le second rôle et, que l’on voit en pareille hybridation de la noblesse ou de l’avilissement, un riche parfum ou une profanation, il est difficile de résister à un hommage aussi somptueux et éclatant. Alt Wien délaisse Schubert pour une idéalisation de l’enfance viennoise de Godowsky, pour une cité de rêves, et nous prenons ainsi conscience, grâce à Stephen Hough, des multiples plans de la nostalgie et du souvenir.

Étincelles de Moritz Moszkowski est, assurément, un pastiche de Scarlatti et Stephen Hough faisant, à un moment, plonger et non s’élancer sa figuration tournoyante, nous pouvons sentir combien une si délicate nuance aurait illuminé le visage du compositeur. Dans un suprême contraste, la Mélodie de Paderewski – parent évident, quoique austère, du Nocturne du même compositeur – offre plus de simplicité que d’exotisme, est davantage élégante et naturelle que dorée ou affectée. La Pierrette de Chaminade est une jeune femme pleine d’entrain, toute en volants et dentelles, dont la gaie insouciance contraste avec Autrefois, charmant pastiche évoquant les temps jadis et, une fois encore, l’exubérance et l’introspection de Scarlatti.

Emmerich Kálmán (1882-1953) renonça à devenir pianiste de concert pour composer des opérettes qui connurent un vif succès. Ce hongrois émigré en Amérique, contemporain de Bartók et de Kodály à Budapest, fut repris par Richard Tauber, dont l’enregistrement de Was weiß ein nie geküßter Rosenmund, avec son legato homogène, sa ligne fluide et colorée, inspira la présente transcription. Ici, Hough fond les sons les uns aux autres, plus qu’il ne les unit ou les élide – une qualité transcendante qui, trop souvent, sépare les chanteurs et les instrumentistes à cordes des pianistes. La Musical Jewellery Box de Stephen Hough, suscitée par divers exemples du genre (Liadov, de Séverac, Friedman, etc.), est doublement magique, sa nonchalance française étant rehaussée par l’éclat des pierreries, cependant que son innocence mêlée d’expérience est un joyau d’émerveillement et de sophistication. L’Étude de concert de Hough est, pour reprendre les termes du compositeur, «un pastiche de forme traditionnelle, sa structure ABA incluant trois thèmes réduits à la moitié du tempo pour former la section B. Durant la reprise de la section A, les trois thèmes sont combinés brièvement avant qu’une coda ne transforme le thème principal en une tarentelle éclair». Hello young lovers est une nouvelle transcription réalisée par Stephen Hough à partir d’une pièce de Richard Rogers; il en est de même pour la Carousel Waltz, dédiée à Lyndon Scarffe, dont l’ouverture impressionniste envoie des rubans de mélodies flotter sur un champ de foire désert, tandis que le cœur de l’œuvre se voit précipité dans une vie bruyante, au tourbillon rapide. La transcription du Londonderry Air ayant été originellement composée pour James Galway et Robert White, la pièce proposée ici est un arrangement d’arrangement, qui écrème tout le superflu pour ne laisser voguer qu’une mélodie purement irlandaise, dans un style magiquement brittenesque sis sur un accompagnement syncopé.

Terminons notre voyage en Russie. L’Humoresque de Rachmaninov est interprétée dans l’étincelante version révisée du compositeur, à l’instar de sa Mélodie, toute en sous-entendus ultra-slaves. La Dumka de Tchaïkovski, qui compte parmi les plus substantielles œuvres pour piano du compositeur, s’achève sur une élégiaque réminiscence de son éclat et de son intensité passés, tandis que la transcription, par Earl Wild, du Pas de quatre – extrait du Lac des cygnes – du même Tchaïkovski est aussi délectable que brève. Stephen Hough avoue avoir d’abord changé des morceaux de Sleeping Beauty Paraphrase de Eugene Pabst, avant de finalement laisser la pièce presque inchangée. Transcription véritablement virtuose, cette pièce ressemble fort à du Tchaïkovski/Pabst/Hough.

Amoureux de l’art et du génie pianistiques, Stephen Hough pare sa nostalgie, son amour du passé, d’un rare sens de l’artifice et de la maîtrise. Et tel le protagoniste de Sailing to Byzantium de W.B. Yeats, il souhaitera sûrement:

Une fois hors de la nature, jamais je n’emprunterai
Mon apparence physique à une chose naturelle,
Je revêtirai plutôt une forme comme celle que les orfèvres grecs font sourdre
De l’or martelé ou de l’émaillure d’or
Pour faire s’éveiller un Empereur ensommeillé;
Ou je me saisirai d’un rameau d’or pour chanter
Aux Seigneurs et aux Dames de Byzance
Ce qui s’est passé, se passe ou arrivera.

Bryce Morrison © 1999
Français: Hypérion

Stephen Houghs New Piano Album ist eine Verherrlichung von Witz und Herzensgüte in der Musik – eine Huldigung leider immer seltener werdender Tugenden und bezaubernder Eigenheiten. In unserer zunehmend spröden, zynischen Welt fällt es schwer, Begriffe wie ‘künstlich’ oder ‘sentimental’ nicht abwertend klingen zu lassen, aber wie Ravel, der einst ausrief: “Man beschuldigt mich der Künstlichkeit, obwohl es genau das ist, wonach ich strebe”, wirft Stephen Hough, ein wahrer Alchimist der Klaviatur, alle vorgefaßten Meinungen über den Haufen. Für ihn bietet die traditionelle Zugabe eine besondere Gelegenheit, zu überraschen und zu beglücken. Sie im Programm oder mit einer Vorrede anzukündigen, widerspricht ihrem Wesen (die vor einigen Jahren mit dumpfer Stimme vorgetragene Offenbarung eines anderen englischen Pianisten: “Ich würde gern Schumanns Arabeske spielen”, traf genau den falschen Ton). Es mag sein, daß Artur Rubinsteins ungestümes Publikum atemlos auf die ‘Nocturne von Chopin’ (grundsätzlich Op. 15 in Fis-Dur) oder de Fallas Feuertanz gewartet hat und daß seine eifrigen Erwartungen jedesmal erfüllt wurden. Stephen Hough dagegen zieht das rätselhafte Flair eines Benno Moiseiwitsch vor, dessen unangekündigte Darbietung von Palmgrens West Finnish Dance, Strawinskis Etüde in Fis-Dur oder Glasunows Valse de Concert nicht weniger lebhaften Anklang fand. Für Hough wie für Moiseiwitsch löst das Herauslassen der Katze aus dem Sack die Trennlinie zwischen Publikum und Interpret auf, ermutigt zu falscher Vertraulichkeit bzw. Demokratie und mindert das persönliche Charisma des Pianisten.

Stephen Houghs Auswahl ist in vielen Fällen von Nostalgie bestimmt, von einer Vorliebe für Haltungen und Befindlichkeiten, die der Vergangenheit angehören, und für eine Zeit, in der die Gefühle des Publikums offen und ungeniert geäußert wurden, so daß ohne Peinlichkeit ein Funkeln in die Augen treten oder eine Träne kullern durfte. Sitzen die Ängste und Emotionen der Gegenwart tiefer? Hat die Erfahrung zweier Weltkriege und des Holocaust, die den Tod von Millionen verursacht haben, das Spektrum unserer Gefühle für immer verlagert? Im Anschluß an diese Ereignisse folgte Zynismus dem Schweigen, folgten beispielsweise die Welt von Waltons Façade, oder das jähe Umschlagen von Ernst in Unernst in einem Roman wie Iris Murdochs The Red and the Green. Genauer gesagt und auf die Musik bezogen: Die Klavierschüler von heute lachen weniger über Cortots falsche Töne als über seine emotionale Freiheit und Großzügigkeit in Bezug darauf, was sie als ‘affektiert’ oder ‘das Dramatisieren realer Erfahrung’ begreifen. Robert Whites und Stephen Houghs Programm ‘Bird Songs at Eventide’ (Hyperion CDA66818), in dem Evergreens wie Moon of my Delight und Roses of Picardy vertreten sind, hat ähnliche Fragen und bittersüße Erinnerungen hervorgerufen. Darum lädt uns Stephen Hough in einem besonders bezaubernden Recitalprogramm erneut dazu ein, zurückzublicken, umzudenken und unser Empfinden musikalischer und dichterischer Parameter neu zu definieren.

Die ersten drei Stücke lassen uns Schubert mit anderen Augen sehen. Für Liszt brauchten Schuberts Walzer Hilfe, um ganz ins Bewußtsein des Publikums vordringen zu können. Voller Verehrung für Schubert (den er den poetischsten aller Komponisten nannte) verzierte er dessen abwechselnd kraftvolle und zarte Tanzweisen. Sein Altruismus war von Realismus gefärbt, von der Erkenntnis, daß seine gefällige, farbenfrohe Virtuosität ebensoviel Aufmerksamkeit auf die eigene Kunstfertigkeit wie auf das ursprüngliche Werk des Komponisten lenken würde. Ähnlich Andrew Marvells als Sinnbild der Seele gedachtem Zaubervogel, der ‘seine Silberschwingen zaust und putzt und … im Gefieder glitzern läßt das wechselhafte Licht’, ergeben Liszts trällernde, perlende Verzierungen eine Zutat, die Schuberts Idiom zugleich fremd und wohlgesonnen ist. Eine Generation später hat Leopold Godowsky Schuberts Unschuld mit Einlegearbeiten aus Elfenbein und Gold versehen, mit einer verdüsternden, anreichernden Chromatik, die Künstler mit eher puritanischem Geschmack (insbesondere Sir Clifford Curzon) erbost hat. Hier nimmt Schubert zugegebenermaßen einen nachgeordneten Rang ein, und ob man eine solche Kopplung nun gutheißt oder herabsetzend findet, reich parfümiert oder verschandelt, fällt es doch schwer, einem derart üppigen, juwelenbesetzten Tribut zu widerstehen. Alt Wien läßt Schubert zugunsten einer Idealisierung von Godowskys Wiener Kindheit hinter sich, zugunsten einer Stadt der Träume, weshalb uns Stephen Hough mehrere verschiedene Ebenen der Sehnsucht und Erinnerung bewußt macht.

Moritz Moskowskis Étincelles ist mit Sicherheit ein Scarlatti-Pasticcio, und wenn Hough dessen schwirrende Figuration an einer Stelle abtauchen statt ansteigen läßt, ist zu spüren, daß sich in Anbetracht einer derart elfenhaft empfindsamen Handhabung das Gesicht des Komponisten zum breiten Lächeln verzogen hätte. In herrlichem Gegensatz dazu bietet Paderewskis Mélodie, eine unverkennbare, wenn auch eher nüchterne Verwandte seiner Nocturne, Schlichtheit anstelle von Exotik und ist eher elegant und einfach als überladen und gekünstelt. Chaminades Pierette ist eine lebhafte, in Volants und Rüschen gekleidete junge Frau, deren frohe Sorglosigkeit im Kontrast zu Autrefois steht, einem charmanten Pasticcio, das frühere Zeiten und wiederum Scarlattis Wechsel von Überschwang zu Besinnlichkeit beschwört.

Emmerich Kálmán (1882-1953) gab seinen Wunsch auf, Konzertpianist zu werden, und komponierte fortan höchst erfolgreiche Operetten. Er war gebürtiger Ungar und wanderte nach Amerika aus. Der Zeitgenosse Bartóks und Kodálys in Budapest wurde von Richard Tauber aufgegriffen, dessen Aufnahme von Was weiß ein nie geküßter Rosenmund mit ihrem nahtlosen Legato, ihrer fließenden, mit klangfarblichen Akzenten versehenen Linie die vorliegende Bearbeitung inspiriert hat. Hier veranlaßt Hough einen Ton, mit einem anderen zu verschmelzen – anstatt ihn bloß anzufügen oder ausklingen zu lassen –, eine transzendierende Fähigkeit, die Pianisten im Gegensatz zu Sängern und Saiteninstrumentalisten allzu oft abgeht. Stephen Houghs Musical Jewellery Box (deutsch: Musikalisches Schmuckkästlein), angeregt durch bestehende Beispiele der Gattung von Ljadow, de Séverac, Friedman und anderen, gelingt ein zweifacher Zauber: Seine französische Nonchalance wird durch das Funkeln der Schmuckstücke betont, seine Unschuld mit Erfahrenheit gemischt, so daß ein Wunder an großäugigem Staunen und Raffinesse entsteht. Houghs eigene Étude de Concert ist seinen Worten zufolge ‘ein Pasticcio in gewohnter Form, dessen A-B-A-Struktur mit drei Themen im Abschnitt B auf halbes Tempo reduziert ist. Während der Reprise des Abschnitts A werden kurz alle drei Themen miteinander kombiniert, bevor eine Coda das Hauptthema in eine turbulente Tarantella ummünzt’.

Mit Richard Rogers’ Hello young lovers wird die Reihe der Transkriptionen fortgesetzt, die Hough von den Werken dieses Komponisten vorgenommen hat. Das gleiche gilt für den Lyndon Scarffe gewidmeten Carousel Waltz, dessen impressionistische Einleitung Melodiefetzen über einen verlassenen Kirmesplatz wehen läßt oder mittendrinn zu wildem, rasch kreiselndem Leben aufgewirbelt wird. Die Transkription des Londonderry Air geht auf ein Arrangement für James Galway und Robert White zurück und ist somit die Bearbeitung einer Bearbeitung, die alle überschüssige Sahne abschöpft und es einer reinen irischen Melodie ermöglicht, in magischem, an Britten angelehntem Stil über eine synkopierte Begleitung zu segeln.

Zum Abschluß geht es nach Rußland. Rachmaninows Humoresque wird in der glitzernden Neubearbeitung des Komponisten dargeboten, ebenso seine schmeichelnde, ultraslawische Mélodie. Tschaikowskis Dumka ist eines seiner gehaltvollsten Klavierwerke und endet mit einer elegischen Erinnerung an ihre einstige Glut und Eindringlichkeit. Dagegen ist Earl Wilds Transkription des Pas de quatre aus Schwanensee ebenso vergnüglich wie kurz. Stephen Hough hat gestanden, zunächst nur Kleinigkeiten an Eugene Papsts Dornröschen-Paraphrase geändert zu haben, nur um dann fast alles umzuarbeiten. Die so enstandene wahrhaft virtuose Transkription hat zweifelsohne Tschaikowski/Papst/Hough zu Urhebern.

Als Liebhaber pianistischer Handwerkskunst vervollkommnet Stephen Hough seine Nostalgie, seine Liebe zur Vergangenheit durch eine seltene Schläue und Gerissenheit. Und wie der Protagonist in W.B. Yeats’ Sailing to Byzantium wird er sich gewiß auch wünschen:

Sobald ich der Natur entronnen, nehm ich nie
Die Gestalt eines Geschöpfes der Natur mehr an,
Hingegen solche Form, wie griechische Goldschmiede
sie schaffen aus gehämmertem Gold, aus Goldemail,
Um einen schläfrigen Kaiser wachzuhalten;
Oder um auf goldnem Aste sitzend vorzusingen
Den edlen Herrn und Damen von Byzanz
Von dem, was einst gewesen, was grad ist oder noch kommen
wird.

Bryce Morrison © 1999
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller