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This concerto, which, they say, dates from the 1900s, wears its age lightly, and if the initial part seems to delight in a slightly stiff dignity, it is the hesitant shyness of a personality that is still looking, however, towards the Andante—more matured, blended with delicious melancholy, an outpouring of warm lyricism.
Schmitt’s comments on the first movement are fair enough: though there is plenty of florid solo writing, the mood is dominated by the rather stern opening figure, descending, then rising on a dotted rhythm, that suggests something of Jongen’s debt to César Franck (he was still in his mid-twenties when he composed this concerto). A contrasting theme in E major shows another Franck characteristic—returning repeatedly to one or two notes around which the whole melody seems to revolve. As Schmitt suggests, it is in the slow movement (not in fact an ‘Andante’ but marked Adagio, molto espressivo) that Jongen appears to be set free with song-like lines for the soloist often seeming to spiral upwards, and orchestration that is delicately coloured for the most part, blossoming into a big tutti just once, near the end.
Schmitt reserves his highest praise for the finale—a movement about which Jongen himself seemed to have had some doubts before publication: the score suggests an optional cut of some ten pages near the beginning, removing the whole of the orchestral introduction except the first two bars. But Schmitt evidently had no such worries:
The finale, so penetrating at the start in its rising sixths in the strings, and so bright at the end, when it explodes in a lush profusion of themes and rhythms that verges on extravagance …
Again, the benevolent influence of Franck can be heard in the propulsive rising and falling theme heard in the lower strings at the start, taken up by violins and violas over low pedal notes, and used to drive the music forward before being coloured by spiky woodwind chords. The first solo entry is a dashing counterpoint to the opening theme which continues to rumble away beneath. A second theme is a more tranquil contrast, supported by harmonies that seem effortlessly mobile. As the opening theme is used to urge the music towards an exciting climax, the key changes from B minor to B major and a thrilling coda ensues—presumably the ‘lush profusion’ of Schmitt’s review—ending with a brief flourish of woodwind and brass fanfares to underline the transformation of the theme into the major key. Schmitt was completely won over—although as well as praising Jongen profusely, he couldn’t resist taking a swipe at a rather unlikely target:
This concerto, which I believe was previously unknown in France, may be among the finest violin concertos, advantageously replacing, if necessary, the interesting but hackneyed Mendelssohn, and even more so that of Beethoven which is completely devoid of any actual musical interest.
from notes by Nigel Simeone © 2015
Ce concerto qui, dit-on, date des années 1900, porte allègrement son âge, et si la partie initiale semble se complaire dans la dignité un peu compassée, la timidité hésitante d’une personnalité qui se cherche encore, en revanche, l’Andante, plus mûri, mêle à une délicieuse mélancolie l’effusion du plus chaleureux lyrisme.
Ce que Schmitt dit du premier mouvement est assez juste: malgré une abondante écriture solo fioriturée, le climat est dominé par la figure liminaire assez austère, qui descend puis monte sur un rythme pointé, suggérant comme une dette envers César Franck (Jongen n’avait encore que dans les vingt-cinq ans quand il composa ce concerto). Un thème contrastif en mi majeur trahit un autre tour franckiste—revenir sans cesse à une ou deux notes autour desquelles toute la mélodie semble se résoudre. Comme le suggère Schmitt, c’est dans le mouvement lent (en réalité, ce n’est pas un «Andante» mais il est marqué Adagio, molto espressivo) que Jongen se montre prodigue de lignes chantantes pour le soliste, qui paraît souvent monter en spirale, et d’une orchestration toute en coloration subtile, qui s’épanouit en un gros tutti une seule fois, vers la fin.
Mais son dithyrambe, Schmitt le réserve au finale—un mouvement dont Jongen semble avoir quelque peu douté avant la parution: la partition suggère une coupe optionnelle d’une dizaine de pages, vers le début, pour retrancher toute l’introduction orchestrale hormis les deux premières mesures. À l’évidence, Schmitt n’eut pas de ces inquiétudes:
Le finale, au début si pénétrant en ses sixtes ascendantes de quatuor et à la fin si brillante, explose en une luxuriance de thèmes et de rythmes qui va jusqu’à la prodigalité.
Là encore, la bienveillante influence franckiste transparaît dans le propulsif thème ascendant et descendant entendu aux cordes inférieures, au début, puis repris par les violons et les altos par-dessus des notes-pédales graves, et servant à lancer la musique avant de se voir coloré par d’ombrageux accords aux bois. La première entrée solo est un fringant contrepoint du thème inaugural qui continue de gronder en dessous. Un second thème contrastif, plus tranquille, est étayé d’harmonies qui paraissent aisément mobiles. Alors que le thème introductif vient précipiter la musique vers un palpitant apogée, la tonalité passe de si mineur à si majeur avant qu’une saisissante coda—probablement la «luxuriance» de Schmitt—termine sur une brève fioriture des bois et des fanfares aux cuivres pour souligner la métamorphose du thème en majeur. Schmitt fut totalement conquis—même si, tout en se répandant en éloges sur Jongen, il ne put s’empêcher de tirer à boulets rouges sur une cible plutôt improbable:
Ce concerto qui, je crois bien, était jusqu’alors inconnu en France, peut compter parmi les beaux concertos de violon, remplaçant avantageusement, le cas échéant, celui, intéressant certes, mais tant ressassé de Mendelssohn, et mieux encore celui de Beethoven complètement dépourvu, lui, de tout intérêt proprement musical.
extrait des notes rédigées par Nigel Simeone © 2015
Français: Hypérion
Dieses Konzert, welches, wie es heißt, aus den 1900er Jahren stammt, zeigt sein Alter kaum, und wenn der erste Teil gediegen und etwas steif anmutet, so zeigt sich im Andante ein schüchternes Zögern—ein warmer, lyrischer und reifer Satz, der von einer wunderbaren Melancholie durchzogen ist.
Schmitts Einschätzung des ersten Satzes ist zutreffend: obwohl hier durchaus ausgeschmückte Solopassagen erklingen, wird die Stimmung von der recht strengen Anfangsfigur beherrscht, die zunächst abwärts gerichtet ist und dann auf einem punktierten Rhythmus wieder aufsteigt, was im Stil an César Franck erinnert (Jongen war erst Mitte Zwanzig, als er dieses Konzert komponierte). Ein kontrastierendes Thema in E-Dur zeigt ein weiteres Charakteristikum Francks auf—er kommt wiederholt auf einen, beziehungsweise zwei Töne zurück, um die die gesamte Melodie kreisen zu scheint. Wie Schmitt anmerkt, ist es dann im langsamen Satz (der allerdings nicht als „Andante“, sondern als Adagio, molto espressivo) bezeichnet ist, wo Jongen sich mit liedartigen Melodien für den Solisten, die sich oft nach oben zu schrauben scheinen, befreit; dazu erklingt ein zumeist behutsam eingefärbter Orchestersatz, der nur einmal, kurz vor Ende, in ein großes Tutti aufblüht.
Schmitt behält sein höchstes Lob für das Finale vor—ein Satz, dessen Jongen selbst sich offenbar sogar noch kurz vor der Veröffentlichung nicht ganz sicher war. In der Partitur ist eine fakultative Kürzung von etwa 10 Seiten kurz nach dem Beginn angegeben, womit die gesamte Orchestereinleitung bis auf die ersten beiden Takte ausgelassen wird. Schmitt hatte aber offenbar keine derartigen Bedenken:
Das Finale ist zu Beginn durch die aufsteigenden Sexten in den Streichern sehr eindringlich und dann strahlend gegen Ende, wenn sich eine wahrhaftige Explosion üppiger Themen und Rhythmen vollzieht.
Wiederum macht sich der wohlwollende Einfluss Francks hier in dem vorantreibenden aufsteigenden und abfallenden Thema bemerkbar, welches zunächst in den tiefen Streichern erklingt und dann von den Geigen und Bratschen über tiefen Orgelpunkten weitergeführt wird, bevor die Musik durch spitze Holzbläserakkorde einen anderen Anstrich erhält. Der erste Soloeinsatz ist ein rasanter Kontrapunkt zum Anfangsthema, das im Untergrund weiter grummelt. Ein zweites Thema sorgt für einen ruhigeren Kontrast und wird von Harmonien unterstützt, die sich offenbar mühelos umher bewegen. Die Musik wird mithilfe des Anfangsthemas zu einem spannungsvollen Höhepunkt geführt, wobei die Tonart von h-Moll nach H-Dur wechselt und eine mitreißende Coda folgt—wohl die „Explosion“, auf die Schmitt hingewiesen hatte—und mit einer kurzen Passage mit Fanfaren der Holz- und Blechbläser endet, die die Transformation des Themas nach Dur hervorhebt. Für Schmitt war das völlig überzeugend—obwohl er Jongen sehr lobte, konnte er es sich nicht versagen, einen Pfeil in eine unverhoffte Ecke abzuschießen:
Dieses Konzert, das, soweit ich weiß, bisher in Frankreich unbekannt war, darf zu den schönsten Violinkonzerten gezählt werden und kann als vorteilhafter Ersatz des zwar interessanten, jedoch abgedroschenen Mendelssohn dienen, und umso mehr des Beethoven, dem jegliches musikalische Interesse fehlt.
aus dem Begleittext von Nigel Simeone © 2015
Deutsch: Viola Scheffel