The Prélude, Aria et Final was written two years later than the Prélude, Choral et Fugue in 1886/7 and it is interesting to compare the two works. Apart from their titles, which have an obvious kinship, significant similarities include the use of cyclic form; the central sections being inspired by the human voice; a shared vision of final redemption, with the triumph of good over evil; and, most curiously of all, the fact that both pieces use the same motivic material for the same emotional effect.

Both of the original Bach themes mentioned above refer to the sufferings of Christ, and the ‘motto’ motif of redemption happens to be shaped like a cross. The final (unintentional?) pun is that this same ‘motto’ theme, present and transformed in both works, appears in the ‘Transformation Scene’ from Parsifal when bread and wine are changed into Christ’s Body and Blood—the redeeming re-enactment of the Last Supper. This interpretation might not seem too far-fetched if we recall that Franck habitually left his organ bench during the Mass to kneel at this same moment of transformation.

In spite of the internal similarities, the two pieces have significant differences. Where the Prelude, Chorale and Fugue has a distinctly religious flavour, the Prelude, Aria and Finale seems more secular (the Chorale a divine song, the Aria a human one); and where the former work is universal in its message, the latter seems almost domestic, though no less spiritually serious. The Prelude, Chorale and Fugue has a tremendous unity, a feeling of magnetic inevitability which almost pulls it forward to its triumphant close; the Prelude, Aria and Finale is more like a sonata in three separate movements, although the thematic material is profusely and masterfully interconnected throughout the work. The ending, in contrast to that of the Prelude, Chorale and Fugue, is profoundly tranquil and peaceful, the ‘motto’ theme not so much representing a victory over evil as a healing of pain.

from notes by Stephen Hough © 1997

Prélude, Aria et Final (1886/7) est de deux ans postérieur à Prélude, Choral et Fugue, et la comparaison entre les deux n’est pas sans intérêt. Outre leurs titres, manifestement connexes, ces deux œuvres présentent des similitudes importantes, telles l’utilisation de la forme cyclique; des sections centrales inspirées par la voix humaine; une même vision de la rédemption finale, qui voit le bien triompher du mal; et, élément le plus curieux de tous, le recours au même matériau motivique pour le même effet émotionnel.

Les deux thèmes bachiens originaux susmentionnés font référence aux souffrances du Christ, et le «motif conducteur» de la rédemption se trouve être en forme de croix. La paronymie finale (inintentionnelle?) est que ce même «motif conducteur», présent de manière transformée dans les deux œuvres, apparaît dans la «scène de la transformation» de Parsifal, lorsque le pain et le vin sont changés en corps et sang du Christ—reconstitution rédemptrice de la Cène. Cette interprétation peut ne pas sembler trop saugrenue si nous nous rappelons que Franck quittait habituellement le banc d’orgue durant la messe pour s’agenouiller au moment précis de cette transformation.

Toutes ces similitudes internes n’excluent pas des différences importantes. Là où Prélude, Choral et Fugue recèle une saveur franchement religieuse, Prélude, Aria et Final se montre plus profane (le Choral, chant divin, l’Aria, chant humain); et là où la première pièce est universelle dans son message, la seconde a l’air quasi domestique, quoique tout aussi spirituellement sérieuse. Prélude, Choral et Fugue renferme une formidable unité, une sensation d’inévitabilité fascinante qui tire presque l’œuvre vers l’avant, jusqu’à sa conclusion triomphante; Prélude, Aria et Final ressemble plus à une sonate en trois mouvements distincts, même si le matériau thématique est abondamment et magistralement connecté tout au long de l’œuvre. La fin, contrairement à celle de Prélude, Choral et Fugue, est profondément tranquille et paisible, le «motif conducteur» représentant moins une victoire sur le mal qu’une guérison de la douleur.

extrait des notes rédigées par Stephen Hough © 1997
Français: Hypérion

Das Stück Prélude, Aria et Final wurde 1886/7, also zwei Jahre nach Prélude, Choral et Fugue, geschrieben, und es ist interessant, die beiden Werke zu vergleichen. Abgesehen von ihren Titeln, die ganz offenbar miteinander verwandt sind, gibt es auch andere Ähnlichkeiten, nämlich den Gebrauch der zyklischen Form, die Inspiration der menschlichen Stimme in den mittleren Sätzen, eine gemeinsame Vision von der endgültigen Erlösung, wo das Gute über das Böse siegt, und, was am meisten erstaunt, die Verwendung derselben Motive in beiden Stücken, um dieselbe emotionale Wirkung zu schaffen.

Die beiden obenerwähnten ursprünglichen Bachschen Themen beziehen sich auf das Leiden Christi, und das „Erlösungsmottomotiv“ ist kreuzförmig gestaltet. Die letzte (unbeabsichtigte?) Ähnlichkeit ist, daß dasselbe „Mottomotiv“, in den beiden Werken gegenwärtig und umgestaltet, in der „Wandlungsszene“ in Parsifal erschien, wo Brot und Wein in Leib und Blut Christi verwandelt werden—die erlösende Wiederholung des letzten Abendmahls. Diese Auslegung dürfte nicht allzu weithergeholt scheinen, wenn wir bedenken, daß Franck während der Messe die Orgelbank zu verlassen pflegte, um zu dem genauen Zeitpunkt der Wandlung niederzuknien.

Trotz der inneren Ähnlichkeiten gibt es wichtige Unterschiede zwischen den beiden Werken. Im Vergleich zu Prélude, Choral et Fugue, die eine ausgesprochen religiöse Atmosphäre haben, scheinen Prélude, Aria et Final profaner zu sein—der Choral ist ein göttliches, die Aria hingegen ein menschliches Lied. Hinzu kommt, daß jenes Werk eine universale, dieses eine fast häusliche Botschaft verkündet, welche jedoch nicht weniger geistlich ernstzunehmen ist. Prélude, Choral et Fugue bilden eine gewaltige Einheit und enthalten eine unaufhaltsame Anziehungskraft, die sie zu ihrem triumphalen Schluß gleichsam vorantreibt, während Prélude, Aria et Final mit ihren drei getrennten Sätzen sonatenartiger wirken, obgleich die thematischen Ideen durch das ganze Werk hindurch sowohl reichlich als auch meisterhaft miteinander verknüpft sind. Im Gegensatz zum Schluß von Prélude, Choral et Fugue ist hier der Schluß zutiefst sanft und ruhig, wobei das „Mottothema“ eher eine Heilung von Schmerzen als einen Sieg über das Böse darstellt.

aus dem Begleittext von Stephen Hough © 1997
Deutsch: Margaret Morey