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Track(s) taken from CDA67973

String Quartet No 3, Op 46

composer
1943; Theresienstadt

The Nash Ensemble
Studio Master FLAC & ALAC downloads available
CD-Quality:
Studio Master:
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Studio Master:
Recording details: February 2012
St Michael's Church, Highgate, London, United Kingdom
Produced by Andrew Keener
Engineered by Simon Eadon
Release date: February 2013
Total duration: 13 minutes 47 seconds

Cover artwork: A Brundibár birthday card for Eva Baierová, who played Aninka by František Zelenka (1904-1944)
Image supplied by the Jewish Museum in Prague
 
1
2
Presto –  [3'29]
3
Largo –  [3'49]
4

Reviews

'Ullmann's concentrated, sole surviving quartet breathes a rarefied air, every bar testifying to his complete mastery of quartet-writing' (Gramophone)

'Powerfully emotional works, performed here by The Nash Ensemble with passionate conviction and great attention to detail … an impressive achievement' (BBC Music Magazine)

'These sharply contrasting pieces, played with typical Nash polish and intelligence, show there was no shared Theresienstadt style—just a collection of promising creative careers never allowed to reach fulfilment' (The Guardian)

'This important and satisfying album brings together works by four Jewish composers transported by the Nazis to the ghetto created in the Czech town of Terezin … Simon Broughton's excellent booklet note encourages further study of this extraordinary story … the superb musicians of The Nash Ensemble turn in performances of searing conviction and they have been beautifully recorded' (International Record Review)

'The Nash Ensemble's performances are top-drawer, remarkably so with the various string groupings; as usual, the Hyperion recording leaves nothing to be questioned' (The New Zealand Herald)
Viktor Ullmann (1898–1944) composed his first two string quartets in 1923 and 1936 respectively, the second getting a London performance in 1938, but they haven’t survived. The String Quartet No 3 was composed in Theresienstadt in 1943 and is distinctly Viennese in character, following classical models with a wistful, lyrical quality. There are two sorts of compositions from Theresienstadt: those that somehow reflect the circumstances in which they were written and those that are pure music. Ullmann’s chamber opera Der Kaiser von Atlantis (‘The Emperor of Atlantis’) is an example of the former while the quartet is a classical gem.

Ullmann’s third quartet is in four sections, but they run into each other to form a single-movement work that is fluid and concise. The searingly beautiful opening is scored for the four instruments in a mood of nostalgic melancholy which moves into a grotesque scherzo with the cello responding angrily and soothingly to what sound like taunts from the upper strings. Phrases are tossed from instrument to instrument and pizzicatos fly. Soothing the atmosphere, the lyrical melody of the opening returns but shifts towards a darker mood. This leads into the slow movement which begins with a chromatic note-row on the viola and then the cello building up a fugue-like texture. This is the emotional heart of the work and also has references back to the opening melody. The finale has a bold, assertive theme alternating with fast scurrying passages before returning to another variation of the opening music as a coda.

from notes by Simon Broughton © 2013

Viktor Ullmann (1898–1944) rédigea ses deux premiers quatuors à cordes, désormais perdus, en 1923 et en 1936 (le second fut exécuté à Londres en 1938). Écrit à Theresienstadt en 1943, son Quatuor à cordes nº 3, au caractère nettement viennois, a toute la mélancolie et le lyrisme des modèles classiques. On distingue deux types de composition créées à Theresienstadt: celles qui, d’une manière ou d’une autre, reflètent les circonstances de leur rédaction et celles qui sont de la pure musique. De Viktor Ullmann, l’opéra de chambre Der Kaiser von Atlantis («L’empereur d’Atlantis») relève du premier type, tandis que le quatuor est un bijou classique.

Le Quatuor nº 3 présente quatre sections imbriquées les unes dans les autres de manière à former une œuvre en un seul mouvement, fluide et concise. L’ouverture, d’une beauté fulgurante, est écrite pour les quatre instruments dans un climat de mélancolie nostalgique qui se meut en un scherzo grotesque, où le violoncelle répond avec emportement et calme à ce qui s’apparente à des railleries de la part des cordes supérieures. Les phrases sont passées d’instrument en instrument et les pizzicatos volent. Apaisant l’atmosphère, la mélodie lyrique de début revient, non sans s’assombrir. Arrive ensuite le mouvement lent, qui part sur une série chromatique à l’alto avant que le violoncelle n’élabore une texture fuguée. C’est là le cœur émotionnel de l’œuvre, qui renvoie également à la mélodie inaugurale. Après avoir vu un thème audacieux, affirmatif, alterner avec des passages précipités, le finale retrouve pour coda une nouvelle variation de la musique liminaire.

extrait des notes rédigées par Simon Broughton © 2013
Français: Hypérion

Viktor Ullmann (1898–1944) schrieb seine ersten beiden Streichquartette in den Jahren 1923 und 1936; das zweite kam 1938 in London zur Aufführung, doch beide sind heute verschollen. Das Streichquartett Nr. 3 entstand 1943 in Theresienstadt und zeigt einen eindeutig wienerischen Charakter. Es ist an klassische Vorbilder angelehnt, zugleich aber von einer lyrischen Schwermut geprägt. Ullmanns Werke aus der Zeit in Theresienstadt lassen sich in zwei Gruppen unterteilen: Manche spiegeln auf eine oder andere Weise die Umstände ihrer Entstehung wider, bei anderen handelt es sich um absolute Musik. Die Kammeroper Der Kaiser von Atlantis ist ein Beispiel für die erstgenannte Kategorie, während das Quartett ein Glanzstück der klassischen Art darstellt.

Ullmanns drittes Quartett ist vierteilig, doch gehen die Abschnitte ineinander über, so dass ein einsätziges Werk entsteht, das flüssig und prägnant ist. Der schmerzlich schöne Anfangsteil, den alle vier Instrumente gemeinsam bestreiten, ist von einer Atmosphäre nostalgischer Melancholie geprägt. Er geht in ein groteskes Scherzo über, in dem das Cello den wie Sticheleien anmutenden Einwürfen der hohen Streicher manchmal wütend, dann wieder besänftigend begegnet. Phrasen werden von einem Instrument zum anderen geworfen, und die Pizzicati fliegen nur so umher. Dann beruhigt sich die Stimmung mit Rückkehr des lyrischen Themas vom Anfang, das nun aber in einen eher düsteren Ton umschlägt. Damit vollzieht sich der Übergang zum langsamen Satz, der mit einer chromatisch geprägten Tonreihe der Bratsche einsetzt, woraufhin das Cello einen fugenartigen Abschnitt anstößt. Hier liegt das emotionale Kernstück des Werks, und wiederum wird Bezug auf das Anfangsthema genommen. Dem Finale liegt ein forscher, selbstbewusster Gedanke mit geschwinden Passagen zugrunde, ehe sich abermals eine abgewandelte Form der Anfangstakte als Coda anschließt.

aus dem Begleittext von Simon Broughton © 2013
Deutsch: Arne Muus

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