Hindemith’s only formally titled concerto for viola and full (though still small) orchestra, in the classical three-movement pattern, dates from 1935, shortly after he had completed his magnum opus, the opera Mathis der Maler. It may well be that the opera’s setting in the world of late-medieval Germany directed the composer’s attention to the old German folksongs that provide the basic material of his concerto, which he called Der Schwanendreher, ‘The Swan-Turner’, in reference to the song on which the finale is based, Seid ihr nicht der Schwanendreher? In medieval times a ‘swan-turner’ was the man who roasted swans on a spit, turning them so they were evenly browned. Hindemith intended to evoke the merry spirit of that long-gone age—which, in the increasingly dire political climate of the 1930s, was coming to represent for him a lost era of harmony and humanity.

He explained that in this concerto he saw the soloist as an itinerant fiddler who comes among convivial company and plays for them the repertoire he has learned on his travels: songs grave and gay, and finally a dance-tune—and like a good folk-fiddler, he embellishes the melodies freely and sometimes fantastically. This whimsical idea succinctly describes the procedures of the three movements: and it is clear from the unaccompanied solo which begins the first of them that the folksongs are always given Hindemith’s personal colouring. The movement is based on Zwischen Berg und tiefem Tal (Between mountain and deep valley), hinted at by the trombone in the slow introduction, and intoned by that instrument, among others, after the music has developed into a melodious but quite serious-minded faster movement. Nevertheless there is a much greater depth of lyrical feeling than in the earlier Kammermusik and Konzertmusik.

That quality is most patent in the beautiful slow movement. It opens with a touching but intense duet for viola and harp on the song Nun laube, Lindlein, laube! (Shed your leaves, little linden-tree!), which appears as a chorale on the wind instruments with melancholic comments from the soloist. The middle section, in complete contrast, lifts the spirits with a cheerful fugato on a children’s song, Der Gutzgauch auf dem Zaune sass (The cuckoo sat on the fence). This climaxes in a return of the chorale on the brass and a development of the opening duet. In the third movement the vigorous good spirits of the final dance-song provide the starting point for an extended set of cheerful variations, robust and tender, rounding off the work in highly convivial fashion.

Hindemith premiered this concerto under Willem Mengelberg in Amsterdam on 14 November 1935 and introduced it in several European and American cities during the following year. The poet Ezra Pound heard him at the Venice Biennale and afterwards wrote: ‘In this kind of music, no one, and least of all his great contemporary Igor Stravinsky, compares with Hindemith. From the viola lead grow all the sounds of the orchestra … the composer is impregnated with the sense of growth, cellular, as in the natural kingdoms. From the initial cells of the root-heart out to the utmost leaf of the foliage … the Schwanendreher is natural in its liveliness … you can use this new work of Hindemith to measure any modern music whatever.’

from notes by Malcolm MacDonald © 2011

Le concerto pour alto et grand (quoique encore petit) orchestre, au titre purement formel, adopte le modèle classique à trois mouvements et date de 1935, peu après que Hindemith eut achevé son magnum opus, Mathis der Maler. Le cadre de cet opéra—l’Allemagne médiévale tardive—a pu inciter Hindemith à s’intéresser aux vieux chants traditionnels allemands, sur lesquels repose ce concerto baptisé Der Schwanendreher, «Le tourneur de cygne», en référence au chant fondateur du finale, Seid ihr nicht der Schwanendreher? Au moyen âge, le «tourneur de cygne» était le rôtisseur faisant tourner les cygnes à la broche pour les dorer uniformément. Hindemith entendait évoquer l’esprit enjoué de ces temps depuis longtemps révolus—qui, dans le climat politique de plus en plus terrible des années 1930, en vinrent à incarner à ses yeux un âge perdu, tout d’harmonie et d’humanité.

Dans ce concerto, expliqua-t-il, il voyait le soliste comme un violoneux itinérant qui arrive en joyeuse compagnie et joue le répertoire appris au gré de ses pérégrinations: des chants graves et gais et, pour finir, un air de danse—et, en bon violoneux populaire, il embellit les mélodies en toute liberté, d’une manière parfois extraordinaire. Cette étrange conception dit succinctement ce qui se passe dans les trois mouvements: à entendre le solo sans accompagnement qui inaugure le premier, il est évident que les chants traditionnels arborent toujours la couleur du compositeur. Ce mouvement se fonde sur Zwischen Berg und tiefen Tal (Entre montagne et vallée encaissée), insinué par le trombone dans l’introduction lente puis entonné par ce même instrument, et par d’autres, après que la musique s’est développée en un mouvement plus rapide, mélodieux mais fort sérieux—ce qui n’empêche pas le sentiment lyrique d’y être bien plus profond que dans la Kammermusik et la Konzertmusik antérieures.

Cette qualité est des plus patentes dans le splendide mouvement lent s’ouvrant sur un duo pour alto et harpe touchant mais intense, fondé sur le chant Nun laube, Lindlein, laube! (Perds tes feuilles, petit tilleul!), qui apparaît comme choral aux vents, avec des commentaires mélancoliques du soliste. La section centrale, en total contraste, remonte le moral avec un fugato enjoué sur le chant enfantin Der Gutzgauch auf dem Zaune sass (Le coucou s’assit sur la clôture) pour culminer en un retour du choral aux cuivres et en un développement du duo d’ouverture. Dans le troisième mouvement, le vigoureux entrain du chant de danse final est à l’origine d’une vaste série de variations enjouées, robustes et tendres, qui fait une conclusion des plus conviviales.

Hindemith créa ce concerto le 14 novembre 1935 à Amsterdam, sous la direction de Willem Mengelberg, avant de le présenter en Europe et en Amérique l’année suivante. L’ayant entendu à la Biennale de Venise, le poète Ezra Pound écrivit: «Dans ce genre de musique, personne, et surtout pas son grand contemporain Igor Stravinsky, ne soutient la comparaison avec Hindemith. De l’alto croissent tous les sons de l’orchestre … le compositeur est imprégné du sens de la croissance, cellulaire, comme dans les règnes naturels. Des cellules initiales de la racine-cœur jusqu’aux ultimes feuilles du feuillage … le Schwanendreher est naturel dans son allégresse … on peut utiliser cette nouvelle œuvre de Hindemith pour jauger n’importe quelle musique moderne.»

extrait des notes rédigées par Malcolm MacDonald © 2011
Français: Hypérion

1935, kurz nach Vollendung seines großen Werks, der Oper Mathis der Maler, komponierte Hindemith sein einziges formell als Konzert für Bratsche und (wenngleich immer noch kleines) Orchester bezeichnetes Werk mit klassisch-dreisätzigem Aufbau. Es könnte durchaus sein, dass ihn die Ansiedlung der Oper im spätmittelalterlichen Deutschland auf alte deutsche Volkslieder als Ausgangsmateral für dieses Konzert aufmerksam machte, das er, unter Bezugnahme auf den letzten Satz, der sein Material aus dem Lied Seid ihr nicht der Schwanendreher? bezieht, Der Schwanendreher nannte (der Küchenjunge, der den Schwan am Spieß über dem Feuer dreht). Hindemith wollte angesichts des zunehmend düsteren politischen Klimas der dreißiger Jahre die frohgemute Laune einer lange vergangenen Zeit herauf beschwören, die ihm Sinnbild eines verlorenen Zeitalters von Harmonie und Humanität war.

Er erklärte, der Solist dieses Konzerts sei als Wanderfiedler zu verstehen, der auf eine fröhliche Gesellschaft stößt und ihr das auf seinen Wanderungen gesammelte Repertoire vorspielt: traurige ebenso wie fröhliche Lieder und abschließend eine Tanzmelodie, die er als Volksmusikant freizügig und bisweilen fantastisch verziert. Dieser humorige Einfall beschreibt kurz und bündig den Ablauf der drei Sätze. Aus dem unbegleiteten Solo, das den ersten Satz einleitet, wird deutlich, dass Hindemith den Volksliedern stets seine eigene Färbung verleiht. Der Satz verarbeitet das Lied Zwischen Berg und tiefem Tal, auf das die Posaune in der langsamen Einleitung hinweist und das von diesem und anderen Instrumenten intoniert wird, nachdem der Satz sich melodiös, aber recht ernsthaft entwickelt und an Tempo gewonnen hat. Nichtsdestoweniger finden wir hier sehr viel tieferes lyrisches Gefühl als in den früheren Werken der Kammermusik und Konzertmusik.

Diese Qualität wird am deutlichsten im schönen langsamen Satz, der mit einem anrührend intensiven Duett für Bratsche und Harfe nach dem Lied Nun laube, Lindlein, laube! beginnt und dann als Choral auf den Blasinstrumenten mit melancholischen Kommentaren vom Solisten erscheint. Der Mittelteil ist das genaue Gegenstück und hebt die Gemüter mit dem Kinderlied Der Gutzgauch auf dem Zaune sass in fröhlichem Fugato. Den Höhepunkt bilden die Rückkehr des Chorals im Blech und die Entwicklung des einleitenden Duetts. Im dritten Satz gibt die lebhafte gute Laune des abschließenden Tanzlieds den Einsatz zu einer ausführlichen Folge fröhlicher Variationen von robuster bis zarter Natur, die das Werk auf höchst volksfestliche Weise abrunden.

Hindemith gab die Uraufführung dieses Konzerts am 14. November 1935 in Amsterdam unter Willem Mengelberg und spielte es im folgenden Jahr in mehreren europäischen und amerikanischen Städten. Der Dichter Ezra Pound hörte ihn auf der Wiener Biennale und schrieb anschließend: „In dieser Art von Musik ist niemand, und am wenigsten sein großer Zeitgenosse Strawinsky, mit Hindemith vergleichbar. Aus der Führung der Bratsche wachsen alle großen Orchesterklänge heraus … der Komponist ist wie in den Königreichen der Natur durchtränkt vom Wesen des Zellwuchses. Von den ersten Zellen des Wurzelstocks bis zum letzten Blatt der Baumkrone … der Schwanendreher ist natürlich in seiner Lebhaftigkeit … dieses neue Werk von Hindemith kann man als Maßstab aller modernen Musik verwenden.“

aus dem Begleittext von Malcolm MacDonald © 2011
Deutsch: Henning Weber