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Track(s) taken from CDA67687

Viola Concerto, Op 37

composer
1980/4; composed at the suggestion of the cellist Gregor Piatigorsky; first performed in Pittsburgh in 1984 by Pinchas Zukerman under André Previn

Lawrence Power (viola), Bergen Philharmonic Orchestra, Andrew Litton (conductor)
Recording details: August 2009
Grieghallen, Bergen, Norway
Produced by Andrew Keener
Engineered by Simon Eadon & Gunnar Herleif Nilsen
Release date: October 2010
Total duration: 32 minutes 24 seconds

Cover artwork: Fall, 1981 by Tamas Galambos (b1939)
Private Collection / Bridgeman Art Library, London
 
1
Moderato assai  [13'26]
2
Allegro giocoso  [5'07]
3
Adagio  [6'17]
4

Reviews

'[Rózsa] Everything comes across with maximum impact—Power's agility at speed, his warm 'walnut' tone, and the innate musicality of his phrasing. Andrew Litton is in total command of every aspect of the score, inspiring his Bergen players to a performance that's dramatic, incisive and atmospheric. The Bartók concerto is presented in Serly's familiar completion and again, there's an urgency about the playing that is offset by a profoundly poetic response to the work's many lyrical episodes, especially the central Adagio religioso. Litton has a keen ear for detail and Andrew Keener's engineering team supports him with sound that is both transparent and full-bodied' (Gramophone)

'Listening to Lawrence Power's committed performance of both works leaves one grappling for reasons for the comparative neglect of the Rózsa … Power delivers a highly charged account of the solo part maximising emotional contrasts in the music to an even greater extent than the impressive Gilad Karni on a rival Naxos disc. The Bartók is equally compelling' (BBC Music Magazine)

'Power’s supreme artistry fuels performances of works by composers who are linked. Serly, who edited Bartók’s Viola Concerto, is given the limelight in his Rhapsody, and the spicy concerto by Rózsa makes for a pungent coupling. All are energised by the orchestra’s vigour' (The Daily Telegraph)

'Power is a much more full-toned soloist in the Bartók concerto than some of his predecessors … his tonal control is magnificent, wide-ranging with not a trace of throatiness even at the top of the range, and his technical command is the next best thing to flawless … it seems unlikely that the solo line here has ever been quite this beautifully shaped. The Bergen Philharmonic under Andrew Litton … acquits itself admirably, with finely shaped solo lines, blended sectional playing and ample bite in the tuttis where required' (International Record Review)

'The viola soars into wide-ranging beauty in Lawrence Power's expert hands … Power really makes his viola throb in Bartók's dark-hued unfinished concerto' (The Times)

'Here's a wonderfully imaginative piece of record programming … [Rózsa] This piece derseves to become the viola player's answer to the Korngold Violin Concerto. The superb accounts of the Bartók concerto and Serly's short yet compelling Rhapsody only enhance this set's desirability' (The Sunday Times)

'Lawrence Power plays all three pieces with big-toned, fibre-rich advocacy' (The Irish Times)
Despite the fact that he left Hungary at a relatively early age and studied his craft in Germany, Rózsa’s music—including his film music—is often imbued with distinct Hungarian national characteristics reminiscent of Kodály and Bartók, whose example he admired tremendously. The Hungarian accent of the Viola Concerto is plain to hear. Rózsa especially loved string instruments: he had begun playing the violin at the age of five and in his early teens became the leader of his high school orchestra. He admitted to a great fondness for the viola, but it was only towards the end of his life that he cast that instrument in a solo role. In fact the Viola Concerto was Rózsa’s final orchestral work, while the last work he ever completed was an Introduction and Allegro for unaccompanied viola, written in 1988.

The Viola Concerto, Op 37, was worked on between 1980 and 1984, and was actually composed at the suggestion of the cellist Piatigorsky. It had a somewhat troubled gestation as Rózsa was constantly being interrupted by appeals to provide Hollywood film-scores (he put aside the concerto in order to write his score for Alain Resnais’s Providence, for example). It was finally premiered in Pittsburgh in 1984 by Pinchas Zukerman, under the baton of André Previn. Rózsa had originally planned a concerto in the conventional three movements, but the first movement turned into ‘something darker and weightier’ than he had originally intended, so he felt the need to insert a contrastingly short, scherzo-like Allegro giocoso ahead of the slow movement and finale. The four-movement design somewhat resembles that of Ernest Bloch’s Suite for viola and orchestra, which may have been one model for Rózsa. Another was undoubtedly Bartók’s Viola Concerto of 1945; while Bartók contracted an original four-movement conception into three, Rózsa did the opposite. But the overall impression of the work is individual, darkly Romantic, and still authentically Hungarian in inspiration.

The big first movement is expansively, broodingly rhapsodic. From a sombre opening, the voice of the solo viola arises like a bardic singer telling a tragic yet inspiring tale. This vein of lyric melancholy predominates, but it alternates with much more energetic, incisively rhythmic music that drives to a passionate climax. A voluble solo cadenza occurs about two-thirds of the way through the movement, after which flute and harp accompany the viola to lead into the nostalgic and shadowy reprise and coda. The agile, dynamic scherzo is the perfect foil to this first movement, characterized by repeated figures and pounding rhythms. A resolute second subject brings the spirit of a quick march, but the movement evaporates in quick-fire instrumental solos ranging from piccolo to tuba, leading to a brilliantly throwaway ending.

The Adagio slow movement is an intensely lyrical Hungarian nocturne, calm at first but growing passionate and troubled. (In the central climax there is a distinct resemblance to the sequence ‘Brutus’ Secret’ in Rózsa’s 1953 film score for Joseph L Mankiewicz’s Julius Caesar, starring Marlon Brando, John Gielgud and James Mason.) The movement ends with the viola singing seraphically in harmonics in its highest register, and the finale bursts in without a break. This starts as a hectically exciting moto perpetuo but lapses time and again into warmer, nostalgically lyrical episodes, redolent of Hungarian folksong. As the movement progresses the march character of the second movement makes itself felt once again, and the music rouses itself to a triumphantly energetic and decisive conclusion.

from notes by Calum MacDonald © 2010

Bien qu’il ait quitté la Hongrie relativement jeune et ait appris son art en Allemagne, la musique de Rózsa—y compris sa musique de film—est souvent imprégnée d’éléments nationaux hongrois caractéristiques rappelant Kodály et Bartók, qu’il admirait énormément. L’accent hongrois du Concerto pour alto est évident. Rózsa aimait particulièrement les instruments à cordes: il a commencé à jouer du violon à l’âge de cinq ans et, au début de son adolescence, il était violon solo de son orchestre scolaire. Il ne cachait pas sa grande passion pour l’alto, mais c’est seulement à la fin de sa vie qu’il a confié à cet instrument un rôle de soliste. En fait, le Concerto pour alto est la dernière œuvre orchestrale de Rózsa, alors que sa dernière œuvre achevée est une Introduction et Allegro pour alto seul, écrite en 1988.

Rózsa a travaillé à son Concerto pour alto, op. 37, entre 1980 et 1984, et l’a en fait composé à l’instigation du violoncelliste Piatigorsky. Cette œuvre a connu une gestation assez agitée car Rózsa était constamment interrompu par des demandes de musiques de film pour Hollywood (il a notamment mis de côté le concerto afin d’écrire sa partition pour Providence d’Alain Resnais). Le concerto a été finalement créé à Pittsburgh en 1984 par Pinchas Zukerman, sous la direction d’André Previn. À l’origine, Rózsa avait prévu un concerto dans les trois mouvements conventionnels, mais le premier mouvement est devenu «quelque chose de plus sombre et de plus monumental» qu’il ne l’avait voulu et, pour créer un contraste, il a ressenti le besoin d’insérer un Allegro giocoso court dans le style d’un scherzo avant le mouvement lent et le finale. La conception en quatre mouvements ressemble à celle de la Suite pour alto et orchestre d’Ernest Bloch, qui a peut-être été un modèle pour Rózsa. Un autre modèle a été sans aucun doute le Concerto pour alto de Bartók de 1945: alors que Bartók a réduit en trois mouvements un plan original quadripartite, Rózsa a fait le contraire. Mais l’impression globale de l’œuvre est personnelle, d’un romantisme sombre, et quand même d’inspiration assurément hongroise.

Le grand premier mouvement est largement et ténébreusement rhapsodique. D’un début sombre, la voix de l’alto solo s’élève comme celle d’un barde racontant une histoire tragique mais pourtant exaltante. Cette veine de mélancolie lyrique prédomine, mais elle alterne avec une musique beaucoup plus énergique, rythmée d’une manière précise, qui mène à un sommet passionné. Une cadence volubile du soliste survient aux deux tiers du mouvement environ, puis la flûte et la harpe accompagnent l’alto pour mener à la reprise nostalgique et sombre et à la coda. Le scherzo vif et dynamique met parfaitement en valeur ce premier mouvement, caractérisé par des figures répétées et des rythmes martelés. Un second sujet résolu apporte l’esprit d’une marche rapide, mais le mouvement s’évapore dans des solos instrumentaux rapides allant du piccolo au tuba, vers une conclusion à l’emporte-pièce.

Le mouvement lent Adagio est un nocturne hongrois au lyrisme intense, tout d’abord calme puis passionné et agité (dans le sommet central, il y a une parenté évidente avec la séquence «Secret de Brutus» dans la musique de film que Rózsa a écrite en 1953 pour le Jules César de Joseph L. Mankiewicz, avec Marlon Brando, John Gielgud et James Mason en vedettes). Le mouvement s’achève avec l’alto qui chante de manière angélique en harmoniques dans son registre le plus aigu, et le finale jaillit sans interruption. Il commence comme un moto perpetuo frénétique et palpitant, mais tombe maintes et maintes fois dans des épisodes plus chaleureux au lyrisme nostalgique, qui évoquent le chant traditionnel hongrois. Au fur et à mesure que le mouvement progresse, le caractère de marche du second mouvement se fait à nouveau sentir, et la musique s’élève vers une conclusion triomphale, énergique et décidée.

extrait des notes rédigées par Calum MacDonald © 2010
Français: Marie-Stella Pâris

Obwohl er Ungarn recht jung verließ und sein Handwerk in Deutschland erlernte, ist Rózsas Musik—auch seine Filmmusik—oft von eindeutig ungarischen Charakteristika durchsetzt, die an Kodály und Bartók erinnern, die er beide sehr verehrte. Der ungarische Akzent des Bratschenkonzerts ist deutlich herauszuhören. Rózsa liebte die Streichinstrumente besonders: er hatte im Alter von fünf Jahren begonnen, Geige zu spielen und war nur wenige Jahre später bereits Konzertmeister des Orchesters seiner Oberschule. Er bekannte sich immer zu seiner großen Vorliebe für die Bratsche, doch teilte er dem Instrument erst gegen Ende seines Lebens eine Solorolle zu. Tatsächlich war das Bratschenkonzert Rózsas letztes Orchesterwerk, während sein letztes Werk überhaupt das Introduction and Allegro für Viola ohne Begleitung (1988) war.

Das Bratschenkonzert, op. 37, wurde zwischen 1980 und 1984 komponiert und entstand auf den Anstoß des Cellisten Piatigorsky hin. Der Reifeprozess des Konzerts war etwas unruhig, da Rózsa ständig von Filmmusik-Aufträgen für Hollywood unterbrochen wurde (er legte das Konzert zum Beispiel beiseite, um seine Filmmusik zu Alain Resnais’ Providence zu komponieren). Es wurde schließlich in Pittsburgh im Jahr 1984 von Pinchas Zukerman und unter der Leitung von André Previn uraufgeführt. Rózsa hatte ursprünglich ein konventionelles Solokonzert in dreisätziger Form geplant, doch hatte sich dann der erste Satz in „etwas dunkleres und gehaltvolleres“ verwandelt als ursprünglich vorgesehen, so dass er sich genötigt sah, dem ein kurzes, scherzoartiges Allegro giocoso vor dem langsamen Satz und dem Finale gegenüber zu stellen. Die viersätzige Anlage erinnert in gewisser Weise an Ernest Blochs Suite für Viola und Orchester, die ein Vorbild für Rózsa gewesen sein könnte. Ein weiteres Vorbild war zweifellos Bartóks Bratschenkonzert von 1945: während Bartók seine ursprüngliche viersätzige Anlage auf eine dreiteilige Form reduzierte, tat Rózsa das Gegenteil. Doch der Gesamteindruck des Konzerts ist der eines individuellen, düster-romantischen und authentisch ungarischen Werks.

Der große erste Satz ist weitgespannt und grüblerisch-rhapsodisch angelegt. Aus einem düsteren Anfang erhebt sich die Stimme der Solobratsche wie ein Barde, der von einer tragischen und doch inspirierenden Geschichte singt. Dieser lyrisch-melancholische Stil herrscht auch weiterhin vor, alterniert jedoch mit einer deutlich energischeren, pointiert rhythmischen Musik, die einen leidenschaftlichen Höhepunkt ansteuert. Eine gewandte Solokadenz erklingt nach etwa zwei Dritteln des Satzes. Danach begleiten Flöte und Harfe das Soloinstrument, das in die nostalgische und schattenhafte Reprise und Coda hinüber leitet. Das agile, dynamische Scherzo ist der ideale Kontrast zu diesem ersten Satz, das sich durch wiederholte Figuren und hämmernde Rhythmen auszeichnet. Ein resolutes zweites Thema sorgt für den Eindruck eines schnellen Marsches, doch löst sich der Satz mit ungeheuer schnellen Instrumentalsolos der Piccoloflöte bis zur Tuba auf, die zu einem brillanten improvisationsartigen Ende führen.

Der langsame Satz, Adagio, ist ein intensiv-lyrisches, ungarisches Nocturne, das zunächst ruhig und dann zunehmend leidenschaftlich und geplagt ist. (Bei dem Höhepunkt etwa in der Mitte ist eine deutliche Parallele zu der Sequenz „Brutus’ Geheimnis“ in Rózsas Filmmusik von 1953 für Joseph L. Mankiewiczs Julius Caesar mit Marlon Brando, John Gielgud und James Mason festzustellen.) Der Satz endet damit, dass die Viola engelhaft im höchsten Register im Flageolett singt und das Finale ohne Pause hereinbricht. Dieses beginnt als hektisches und aufregendes moto perpetuo, das jedoch immer wieder in wärmere, nostalgisch-lyrische Episoden zurückfällt, die an ungarische Volkslieder erinnern. Im Laufe des Satzes kommt der Marsch-Charakter des zweiten Satzes nochmals zum Ausdruck und die Musik schwingt sich zu einem triumphierend energischen und bestimmten Ende empor.

aus dem Begleittext von Calum MacDonald © 2010
Deutsch: Viola Scheffel

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