The key of B minor, rarely used by Haydn (and even more rarely by Mozart), brought out a restless, questing strain in his musical personality. The first of his two quartets in that key, Op 33 No 1 (1781), had begun ambivalently, with a suggestion of D major. Nine years later, its Op 64 successor, No 2 in B minor, follows suit. For a few seconds the first violin seems to suggest D major, an impression bluntly contradicted when the lower instruments enter, forte, with astringent B minor harmonies. The violin then repeats the opening phrase against a falling B minor scale from the viola, confirming that D major was just a chimera. It is typical of Haydn that the effect is at once witty and disquieting. This ambiguity sets the tone for a movement of disconcertingly abrupt contrasts, epitomized at the end of the exposition where a bout of Sturm und Drang rhetoric gives way to a footling buffo tune, complete with irreverent pizzicato twangs. Haydn continues to develop the motifs of the main theme in the recapitulation, which begins with the harmonized version of the opening phrase (by now there can be no pretence of D major innocence) and cleaves to B minor throughout its unpredictable course.

The four movements of Op 64 No 2 chart the gradual triumph of B major over B minor. After the close of the first movement, where even the buffo tune acquires an acerbic edge, the B major adagio ma non troppo brings a magical contrast of mood, texture and colour. This is music of seraphic calm, with a minimum of harmonic tension. Formally the movement unfolds as a series of gently ornamental variations on a sustained theme that initially suggests an ancient cantus firmus. But with no clear-cut divisions between the variations (the two halves of the theme are later compressed into one), the impression is of an unbroken meditation.

Worrying obsessively at a nagging repeated figure, the irregularly phrased B minor minuet encloses a major-keyed ländler trio of Schubertian sweetness and grace that turns out to be a free variation of the minuet itself. The gypsy-flavoured finale, growing entirely from its opening theme, makes unsettling play with phrase structure and—in the capricious central development—silence. Then, midway through the recapitulation, Haydn brings back the theme in an emphatic celebration of B major before the music evaporates into the ether.

from notes by Richard Wigmore © 2018

La tonalité de si mineur, rarement utilisée par Haydn (et encore plus rarement par Mozart), faisait ressortir un ton interrogateur dans sa personnalité musicale. Le premier de ses deux quatuors dans cette tonalité, l’op.33 nº 1 (1781), avait commencé de façon ambivalente, avec une suggestion de ré majeur. Neuf ans plus tard, son successeur de l’op.64, le nº 2 en si mineur, fait de même. Pendant quelques secondes, le premier violon semble suggérer ré majeur, une impression franchement contredite lorsque les instruments graves entrent, forte, avec des harmonies cinglantes en si mineur. Le violon rejoue ensuite la phrase initiale sur une gamme descendante de si mineur à l’alto, confirmant que ré majeur était juste une chimère. D’emblée, l’effet produit est spirituel et troublant, une caractéristique de Haydn. Cette ambiguïté donne le ton d’un mouvement aux contrastes déconcertants, parfaitement illustrés à la fin de l’exposition où un moment de rhétorique Sturm und Drang fait place à un air buffo futile, avec des vibrations pizzicato irrévérencieuses. Haydn continue à développer les motifs du thème principal dans la réexposition, qui commence par la version harmonisée de la phrase initiale (il n’y a alors aucun faux-semblant d’innocence de ré majeur) et adhère à si mineur tout au long de son cours imprévisible.

Les quatre mouvements de l’op.64 nº 2 planifient le triomphe progressif de si majeur sur si mineur. Après la conclusion du premier mouvement, où même l’air buffo prend un côté caustique, l’adagio ma non troppo en si majeur apporte un contraste magique d’atmosphère, de texture et de couleur. C’est une musique d’un calme séraphique, avec un minimum de tension harmonique. Sur le plan formel, ce mouvement se déroule comme une série de variations agréablement ornementales sur un thème soutenu qui fait penser d’abord à un cantus firmus ancien. Mais sans aucune division précise entre les variations (les deux moitiés du thème sont ensuite réduite à une), on a une impression de méditation ininterrompue.

Le menuet en si mineur retourne dans tous les sens et de façon obsessionnelle une figure répétée tenace. Il est phrasé irrégulièrement et comporte un trio-ländler en majeur d’une douceur et d’une grâce schubertiennes qui s’avère être une variation libre du menuet lui-même. Le finale à la saveur tzigane, entièrement issu de son thème initial, joue de manière troublante avec la structure de la phrase et—dans le développement central fantasque—le silence. Ensuite, à la moitié de la réexposition, Haydn fait revenir le thème dans une célébration emphatique de si majeur avant de laisser s’envoler la musique dans les espaces célestes.

extrait des notes rédigées par Richard Wigmore © 2018
Français: Marie-Stella Pâris

Die Tonart h-Moll, die Haydn selten (und Mozart noch seltener) einsetzte, brachte in seinem Wesen einen Zug rastloser Forscherneugier zum Vorschein. Das erste der beiden Quartette in dieser Tonart, op. 33 Nr. 1 (1781), oszillierte mehrdeutig nach D-Dur. Neun Jahre später, in der Nr. 2 in h-Moll, betritt sein op. 64-Nachfolger in derselben Tonart ähnliche Pfade. Ein paar Sekunden lang scheint die 1. Violine nach D-Dur zu weisen, erntet aber den Widerspruch der tieferen Kollegen, die forte mit straffen h-Moll-Akkorden dreinfahren. Dann wiederholt die 1. Violine die Anfangsphrase über einer absteigenden h-Moll-Tonleiter der Bratsche und bestätigt damit, dass D-Dur nur als Trugbild vorüberzog. Typisch für Haydn ist, wie zielsicher dieser Effekt zwischen Humor und Beunruhigung platziert ist. Diese Mehrdeutigkeit setzt den Grundton für einen Satz von bestürzenden Kontrasten, die am Ende der Exposition ihren Höhepunkt finden: Dort weicht ein Ausbruch von Sturm-und-Drang-Gesten einem gemütlichen buffo-Ton einschließlich respektloser Pizzicato-Zupfer. Die Motive des Hauptthemas entwickelt Haydn in der Reprise weiter, die mit der harmonisierten Version der Anfangsphrase einsetzt—D-Dur-Unschuld zu mimen, hat nun keinen Sinn mehr—, und über ihren gesamten, unvorhersehbaren Verlauf hinweg an h-Moll festhält.

Über die vier Sätze des op. 64 Nr. 2 hinweg wird der allmähliche Sieg von H-Dur über h-Moll geschildert. Nach dem Schluss des ersten Satzes, in dem selbst die buffo-Melodie aggressive Schärfe annahm, wirkt das Adagio ma non troppo in H-Dur als zauberischer Gegensatz in Stimmung, Satzart und Klangfarbe—eine Musik von seraphischer Ruhe und minimaler harmonischer Spannung. Der Satz entfaltet sich als Reihe sanft ausschmückender Variationen über ein getragenes Thema, das zunächst einen uralten Cantus firmus anzudeuten scheint. Doch weil die Variationen nicht klar voneinander getrennt sind (die zwei Abschnitte des Themas werden später zu einem einzigen komprimiert), entsteht der Eindruck einer einzigen, ungebrochenen Meditation.

Das aus irregulären Phrasen zusammengesetzte h-Moll-Menuett hält sich an einer nervös wiederholten Figur auf und umschließt ein Trio von Schubert’scher Süße und Grazie, das sich als freie Variation des Menuetts erweist. Das Finale lebt ganz von seinem Anfangsthema, in dem alla zingarese mehr als nur anklingt. Es spielt auf beunruhigende Weise mit dem Phrasenaufbau und—in der launischen zentralen Durchführung—mit der Pause. Dann, mitten in der Reprise, überführt Haydn das Thema in ein emphatisches H-Dur, bevor die Musik himmelwärts verhuscht.

aus dem Begleittext von Richard Wigmore © 2018
Deutsch: Friedrich Sprondel