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Track(s) taken from CDA67688

Prélude, Fugue et Postlude

composer
extracted in 1948 by Honegger from his 1929 ballet-melodrama Amphion; this version first performed in 1928 by the Orchestre de la Suisse Romande under Ernest Ansermet

BBC National Orchestra of Wales, Thierry Fischer (conductor)
Recording details: February 2008
Brangwyn Hall, Guildhall, Swansea, Wales
Produced by Andrew Keener
Engineered by Simon Eadon
Release date: November 2008
Total duration: 12 minutes 46 seconds

Cover artwork: Angels of Peace (1948) by Jean Théodore Dupas (1882-1964)
Private Collection / Bridgeman Images
 

Reviews

‘Fischer directs controlled but expressive accounts of all four works which would grace any collector's shelves’ (Gramophone)

‘Here is an excellent introduction to a still underrated composer … in the Concerto, Alban Gerhardt ranges from the seductive to the sensational: for the opening, Thierry Fischer conjures up a wonderful dream atmosphere, and at the other end of the scale Gerhardt gives a terrific account of Maurice Maréchal's authorised cadenza … [Prélude, Fugue et Postlude] is one of Honegger's great unknown masterpieces, and Fischer's orchestral balance captures perfectly the personal quality of the three majestic chords that open the Prélude—they could be by no-one else’ (BBC Music Magazine)

‘This beautfully judged account of Honegger's Christmas cantata, his last complete work, makes this collection an appropriately seasonal release. But the three other major works here are fascinating … Alban Gerhardt, who seems to make a speciality of less well known 20th-century cello concertos, is the outstanding soloist’ (The Guardian)

‘This gleaming new recording … the Cello Concerto is a debonair score with a bluesy turn-of-phrase that suggests Honegger was spinning Duke Ellington records on his turntable. Gerhardt plays with genuine soul’ (Classic FM Magazine)

‘If Santa can only bring you one present this Christmas, make it the Hyperion recording of Honegger's Une Cantate de Noël’ (Birmingham Post)

‘This superbly recorded release significantly adds to the Honegger discography. Despite giving top billing to Une Cantate de Noël, all four works here are of the highest level of craftsmanship’ (Classical Source)
Honegger’s mastery of fugue is illustrated in his Prélude, Fugue et Postlude. This was first performed in 1948 by the Orchestre de la Suisse Romande conducted by Ernest Ansermet, but the music dates from much earlier, for Honegger extracted and arranged these three pieces from a major dramatic work for reciter, solo singers, chorus and orchestra, Amphion, which he had composed in 1929 to a text by Paul Valéry. Written for Ida Rubinstein, Amphion had been produced at the Paris Opéra in June 1931 but then forgotten after a few concert performances. The Prélude, Fugue et Postlude can be regarded as an independent (and abstract) triptych, but Honegger nonetheless prefaced the score with Valéry’s summary of his drama: ‘Amphion, a mortal man, receives the lyre from Apollo. Music is born from the touch of his fingers. At the emerging sounds, the rocks move, join together: architecture is created. Just as the Hero is about to enter the temple, the figure of a veiled woman approaches him and bars his way. She is Love, or Death: Amphion buries his face in her breast and allows her to lead him away.’

It seems, therefore, that should we wish it we could seek a programmatic element, or at least an emotional correlative, in this triptych. The solemn, discreetly bitonal harmonies of the Prélude and the burgeoning strands of melody that follow could certainly be described as Apollonian, but a mood of striving provokes a climactic passage which leads up to the start of the Fugue. Based on a gawky, angular theme that starts effortfully in the bass, this movement might indeed evoke the movement of rocks, building through suaver countersubjects and episodes to a majestic architectural contrapuntal structure. It passes into a climax with a fateful tolling rhythm that eventually subsides to leave a more meditative mood of acceptance. The final span is lyrically elegiac, and the work ebbs away into the shadows in a spirit of Attic sobriety.

from notes by Calum MacDonald © 2008

Sa maîtrise de la fugue, Honegger l’affiche dans son Prélude, Fugue et Postlude créé en 1948 par l’Orchestre de la Suisse romande placé sous la baguette d’Ernest Ansermet. Mais il s’agit d’une musique bien antérieure, car Honegger arrangea ces trois pièces à partir d’une grande œuvre dramatique pour récitant, solistes vocaux, chœur et orchestre baptisée Amphion et composée en 1929 sur un texte de Paul Valéry. Écrit pour Ida Rubinstein, cet Amphion fut produit à l’Opéra de Paris en juin 1931 puis joué quelquefois en concert avant de sombrer dans l’oubli. Le Prélude, Fugue et Postude peut être considéré comme un triptyque indépendant (et abstrait), même si Honegger plaça en exorde de sa partition un résumé de son drame par Paul Valéry: «Amphion, homme, reçoit d’Apollon la lyre. La musique naît sous ses doigts. Au son de la musique naissante, les pierres se meuvent, s’unissent, l’architecture est créée. Au moment où le Héros va monter au Temple, une forme de femme voilée s’approche de lui et lui barre le passage. Amphion cache son visage dans le sein de cette figure, qui est l’Amour ou la Mort, et se laisse entraîner par elle.»

On peut donc, si on le veut, chercher un élément programmatique, ou du moins un corrélatif émotionnel, dans ce triptyque. Les harmonies solennelles, discrètement bitonales, du Prélude et les fils mélodiques naissants qui viennent ensuite pourraient certainement être qualifiés d’apolliniens, mais une atmosphère de lutte déclenche un passage paroxystique menant au début de la Fugue. Fondé sur un thème gauche, haché, qui démarre difficilement à la basse, ce mouvement pourrait vraiment évoquer les pierres qui se meuvent, bâti qu’il est sur des contre-sujets et des épisodes plus suaves pour aboutir à une majestueuse structure architecturale contrapuntique. Survient alors un apogée au funeste rythme de glas, qui finit par le céder à un climat d’acceptation davantage méditatif. Un ultime pan lyriquement élégiaque et l’œuvre disparaît dans l’ombre, dans un esprit sobrement attique.

extrait des notes rédigées par Calum MacDonald © 2008
Français: Hypérion

Honeggers meisterliche Handhabung der Fuge wird in seinem Prélude, Fugue et Postlude illustriert. Dies wurde 1948 vom Orchestre de la Suisse Romande unter Ernest Ansermet uraufgeführt, aber die Musik datiert von viel früher, denn Honegger hatte diese drei Stücke aus einem größeren dramatischen Werk Amphion für Sprecher, Solosänger, Chor und Orchester entnommen und arrangiert, das er 1929 auf einen Text von Paul Valéry komponiert hatte. Amphion wurde für Ida Rubinstein geschrieben und im Juni 1931 an der Pariser Opéra inszeniert, geriet aber nach einigen weiteren Konzertaufführungen schließlich in Vergessenheit. Prélude, Fugue et Postlude lässt sich als unabhängiges (und abstraktes) Triptychon betrachten, aber Honegger stellte der Partitur trotzdem Valérys Zusammenfassung seines Dramas voraus: „Amphion, ein Sterblicher, erhält die Leier von Apollo. Unter seinen Fingern wird die Musik geboren. Durch die Klängen der entstehenden Musik bewegen sich die Felsen und fügen sich zusammen, und die Architektur wird kreiert. In dem Moment, als der Held den Tempel betreten will, tritt ihm eine verschleierte Frau entgegen und versperrt ihm den Eingang. Amphion verbirgt sein Gesicht im Busen dieser Gestalt, die die Liebe oder der Tod ist, und lässt sich von ihr wegführen.“

Es scheint also, dass wir in diesem Triptychon nach einem programmatischen Element oder zumindest einem emotionalen Zusammenhang suchen können, wenn wir wollen. Die feierlichen, bitonalen Harmonien des Prélude und die aufkeimenden Melodiefäden, die folgen, könnten sich durchaus als apollonisch bezeichnen lassen, aber eine Stimmung des Wetteifers provoziert eine Steigerung, die zum Einsatz der Fuge führt. Diese basiert auf einem unbeholfenen, kantigen Thema, das mühsam im Bass beginnt, und dieser Satz könnte wohl die Bewegung der Felsen darstellen, die sich durch elegantere Gegenthemen und Episoden in einer majestätischen kontrapunktischen Struktur zusammenfügen. Sie ergießt sich in einen Höhepunkt mit einem schicksalsträchtig läutenden Rhythmus, der schließlich nachgibt und eine nachdenklichere Stimmung von Annahme hinterlässt. Dieser letzte Abschnitt ist lyrisch-elegisch, und das Werk verflüchtigt sich in einem Geist attischer Nüchternheit in die Schatten.

aus dem Begleittext von Calum MacDonald © 2008
Deutsch: Renate Wendel

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