Falstaff, completed in 1913 but in the composer’s mind since 1901, is in many respects another self-portrait. ‘Falstaff is the name’, Elgar wrote, ‘but Shakespeare—the whole of human life—is the theme.’ Later he said that he had enjoyed writing Falstaff ‘more than any other music I have ever composed and perhaps for that reason it may prove to be among my best efforts’. Many would now agree with him, but the work was a failure at its first performance at the Leeds Festival in October 1913 and for many years afterwards. Indeed it was probably not fully appreciated until he made his famous recording in 1931-32. Elgar called it a symphonic study and it is in four movements with two interludes. All can be related to Elgar himself. The first movement [1] opens with musical portraits of Falstaff and Prince Hal, their principal themes running through the whole work, suitably varied. The second movement [2] shows Falstaff and the Prince in the Boar’s Head, Eastcheap, jesting with the landlady and carrying out a robbery at Gadshill [3], music that reminds us how Elgar enjoyed ‘japes’ and practical jokes. Falstaff falls asleep [4] and, in the first interlude [5], dreams of his youth as page to the Duke of Norfolk—Elgar in his most nostalgic mood for ‘what might have been’. Part 3 [6] is like a scherzo, with Falstaff leading a ‘scarecrow army’ in battle. He returns through the apple orchards of Elgar’s own West Country [7], the cue for more nostalgia and the second interlude [8] in Justice Shallow’s orchard, accompanied by ‘sadly merry pipe and tabor music’. Part 4 begins with news of Hal’s accession to the throne [9]. Falstaff hurries to London for the pomp and circumstance of the coronation, but the new king brutally rejects his old friend [10] and the work ends with Falstaff on his deathbed wistfully recalling the past. His last thought is of Hal.

The Romance for bassoon was composed in 1909-10, at the same time as the Violin Concerto of which it is a thematic offshoot. Written for the London Symphony Orchestra’s principal bassoonist, Edwin F. James, who gave the first performance in February 1911, it is a charming piece which stresses the instrument’s lyrical qualities (Elgar himself played the bassoon in his youth).

‘A man’s attitude to life’ was how the 62-year-old Elgar described his Cello Concerto. But what was his attitude to life when he was composing it in 1918-19? Distress at the terrible casualties on the Western Front, depression over his own health and because he knew that the public’s appetite for his music was diminishing, and a persistent nostalgia for what he called ‘old times’. But he also described it as ‘a real large work and I think good and alive’. He wrote most of it in the peace and isolation of the Sussex cottage, Brinkwells, where he found the quietness also to compose three chamber works. The first music of the concerto to be written was the main theme of the first movement, started on the day he left a London nursing-home after a tonsils operation in March 1918. But it was almost nine months before he decided to use the theme for a cello concerto. He completed the work in August 1919 and the first performance was given in London on 27 October, with Felix Salmond as soloist and Elgar conducting the LSO. The performance was disastrously under-rehearsed, the Queen’s Hall was not full and the critical reception was lukewarm. But the music won through. Great cellists took it up and now it is one of the most popular of his major works.

Although there is an autumnal world-weariness about the concerto, one should not overlook the ‘alive’ quality Elgar mentioned. The flourish for cello which opens the work is a splendidly virile gesture, the scherzo is all quicksilver and rhythmic fantasy while the finale at some points recaptures the panache of pre-1914 Elgar. But the first movement’s 9/8 theme is intrinsically melancholy, there is an air of unreality in the scherzo and the short Adagio, with its light orchestral accompaniment, is the very music of sadness and despair, recalled in the coda of the finale which, for all its boisterous last outburst, is a desolate heart-cry. The scoring is masterly throughout, allowing the soloist effortless domination.

And what, you may ask, is the Smoking Cantata? It was one of Elgar’s ‘japes’. One of his oldest friends was Edward Speyer, a wealthy German businessman who had settled in England in 1859. Elgar was often his guest at Ridgehurst, his home at Shenley, Hertfordshire. Staying there in July 1919 while completing the Cello Concerto, he met Speyer’s brother-in-law Maurice Kufferath, director of opera at the Monnaie Theatre in Brussels. They became good friends and were highly amused when Speyer asked them not to smoke in the hall or on the staircase. Elgar suggested a five-movement cantata on the subject. He wrote one section (No 3) and headed it:

‘Specimen of an edifying, allegorical, improving, expostulatory, educational, persuasive, hortatory, instructive, dictatorial, magisterial, mandatory work for solo (E. Speyer), chorus of unintelligent smokers etc etc

1. Chorus of unintelligent smokers.
2. Orchestra (furioso). The awakening of E. Speyer.
3. Recit. by E. Speyer in the character of Sarastrowotanbasilioklingsohrdalandmarcelorovesobiterolfscarpia.
4. Air (E. Speyer) comminatory.
5. Grand Chorus of repentant Smokers. The whole designed by Edward Elgar Op 1,001.’

The full score of No 3 comprises a nine-bar Wagnerian setting of the words ‘Kindly, kindly, kindly do not SMOKE in the hall or staircase!’ with the voice part marked lusingando [tenderly], minacciando!! [menacing], feroce! [fiercely], deciso [firmly]. Over the word SMOKE Elgar drew a medieval Hell’s mouth with smoke belching forth. This recording is the work’s world premiere!

Michael Kennedy © 2004

Falstaff, achevé en 1913 mais que le compositeur avait à l’esprit depuis 1901, est par bien des aspects un nouvel autoportrait. «Falstaff en est le nom», écrivit Elgar, «mais c’est Shakespeare—l’humanité dans son ensemble—qui en est le thème.» Plus tard, il déclara que composer Falstaff lui avait procuré «plus de plaisir qu’aucune autre œuvre que j’aie jamais composée et c’est sans doute pour cette raison qu’il se révèlera être l’une de mes plus belles réussites». Nombreux sont ceux qui en conviendraient, mais cet ouvrage fut un échec lorsqu’il fut créé au Festival de Leeds en octobre 1913 et il demeura longtemps méconnu. De fait, il ne fut sans doute pas pleinement apprécié avant qu’Elgar en réalise son célèbre enregistrement en 1931-32. Le compositeur considérait Falstaff comme une étude symphonique et l’ouvrage comporte quatre mouvements et deux interludes. Tous peuvent être directement associés à Elgar. Le premier mouvement [1] débute par des portraits en musique de Falstaff et du prince Hal, leurs thèmes principaux se retrouvant tout le long de l’ouvrage, variés comme il se doit. Le deuxième mouvement [2] montre Falstaff et le prince à l’auberge de La tête de sanglier, à Eastcheap, plaisantant avec la tenancière et maraudant à Gadshill [3], pages qui nous rappellent à quel point Elgar appréciait les farces et les blagues de potache. Falstaff s’endort [4] et rêve de sa jeunesse, lorsqu’il était page du duc de Norfolk [5]—Elgar sous son jour le plus nostalgique alors qu’il évoque «ce qui aurait pu être». La troisième partie [6] équivaut à un scherzo, avec Falstaff menant une «armée d’épouvantails» au combat. Il revient à travers les champs de pommiers du pays d’Elgar [7], encore une occasion de s’attendrir et le point de départ du deuxième interlude [8] dans le verger du juge Shallow, au son d’«une cornemuse tristement joyeuse et un tambourin». On apprend l’accession de Hal au trône [9]. Falstaff se précipite à Londres pour les solennités du couronnement, mais le nouveau roi rejette brutalement son vieil ami [10] et l’ouvrage s’achève avec Falstaff sur son lit de mort évoquant tristement le passé. Ses dernières pensées sont pour Hal.

La Romance pour basson fut composée en 1909-10, à la même époque que le Concerto pour violon dont elle est un avatar thématique. Ecrite pour le premier basson du LSO, Edwin F. James, qui la créa en février 1911, c’est une pièce délicieuse qui met en valeur les qualités lyriques de cet instrument (Elgar joua lui-même du basson dans sa jeunesse).

«L’attitude d’un homme envers la vie.» C’est ainsi qu’Elgar, à soixante-deux ans, décrivait son Concerto pour violoncelle. Mais quelle était son attitude envers la vie lorsqu’il le composa en 1918-19? La détresse devant tant de victimes sur le front occidental, la dépression causée par sa propre santé et parce qu’il sentait diminuer l’intérêt du public pour sa musique, et une nostalgie persistante de ce qu’il appelait «le bon vieux temps». Mais il le décrivait également comme «une vraie grande œuvre et, je le pense, une œuvre bonne et vivante». Il en écrivit la majeure partie dans le calme et l’isolement de Brinkwells, son cottage du Sussex où il trouva aussi la tranquillité pour composer trois œuvres de chambre. Les premières notes du concerto qui furent écrites sont le thème principal du premier mouvement, débuté le jour où Elgar quitta une clinique londonienne après une opération des amygdales en mars 1918. Mais près de neuf mois s’écoulèrent avant qu’il décide d’utiliser ce thème dans un concerto pour violoncelle. Il acheva l’ouvrage en août 1919 et la création fut donnée à Londres le 27 octobre, avec Felix Salmond comme soliste et Elgar à la tête de l’Orchestre symphonique de Londres. Cette exécution fut catastrophiquement peu répétée, le Queen’s Hall n’était pas plein et l’accueil de la critique fut tiède. Mais ces pages surent s’imposer: de grands solistes reprirent le concerto et il est aujourd’hui l’une des grandes œuvres les plus populaires d’Elgar.

Même si ce concerto dénote un désenchantement automnal, on ne devrait pas en omettre la facette «vivante», soulignée par Elgar. Les fioritures de violoncelle qui ouvrent l’œuvre sont une assertion magnifiquement virile, le scherzo déborde de vivacité et de fantaisie rythmique tandis que le finale retrouve parfois le panache du Elgar d’avant-guerre. Mais le thème à 9/8 du premier mouvement est foncièrement mélancolique, le scherzo est vaguement irréel, et le bref Adagio, avec son accompagnement orchestral diaphane, est l’essence musicale même de la tristesse et du désespoir, rappelée dans la coda du finale qui malgré son dernier éclat tapageur est un cri du cœur désolé. Du début jusqu’à la fin, l’orchestration est magistrale, permettant au soliste de dominer l’ensemble sans effort.

Et qu’est-ce, à votre avis, que la Smoking Cantata? C’était l’une des farces d’Elgar. L’un de ses plus vieux amis était Edward Speyer, riche homme d’affaires allemand qui s’était établi en Angleterre en 1859. Elgar était souvent invité à Ridgehurst, sa résidence de Shenley, dans le Hertfordshire. Y séjournant en juillet 1919 alors qu’il achevait le Concerto pour violoncelle, il rencontra le beau-frère de Speyer Maurice Kufferath, directeur de l’Opéra de la Monnaie à Bruxelles. Ils devinrent bons amis et furent très amusés quand Speyer les pria de ne pas fumer dans le couloir ou dans l’escalier. Elgar proposa d’écrire une cantate en cinq mouvements à ce sujet. Il en écrivit une section (nº 3) et l’intitula:

«Spécimen d’ouvrage édifiant, allégorique, didactique, récriminatoire, persuasif, prédicatif, instructif, dictatorial, magistral, obligatoire pour soliste (E. Speyer), chœur de fumeurs obtus, etc. etc.

1. Chœur de fumeurs obtus.
2. Orchestre (furioso). L’éveil de E. Speyer.
3. Récit. par E. Speyer interprétant le personnage de Sarastrowotanbasilioklingsohrdalandmarcelorovesobiterolfscarpia.
4. Air (E. Speyer) comminatoire.
5. Grand Chœur de fumeurs repentants. L’ensemble conçu par Edward Elgar, op 1001.»

Michael Kennedy © 2004
Français: David Ylla-Somers

Die sinfonische Studie Falstaff, die 1913 fertiggestellt wurde, dem Komponisten aber schon seit 1901 im Kopf herumging, ist in vielerlei Hinsicht ebenfalls ein Selbstporträt. „Falstaff ist der Name“, schrieb Elgar dazu, „doch Shakespeare—das ganze menschliche Leben—ist das Thema.“ Später fügte er hinzu, er habe es genossen, Falstaff zu schreiben, „mehr als jede andere Musik, die ich komponiert habe, und vielleicht wird sie sich deshalb als eine meiner besten Leistungen erweisen“. Heute würden ihm viele zustimmen, doch die Uraufführung des Werks beim Leeds Festival im Oktober 1913 war ein Misserfolg, und so blieb es noch viele Jahre danach. Man könnte sogar sagen, dass man dieses Werk erst richtig zu schätzen weiß, seit Elgar 1931/32 seine berühmte Einspielung vorgenommen hat. Elgar nannte es eine „sinfonische Studie“, und es ist in vier Sätzen und zwei Zwischenspielen angelegt. Sämtliche Abschnitte stehen in Beziehung zu Elgar selbst. Der erste Satz [1] beginnt mit musikalischen Porträts von Falstaff und Prinz Heinrich, und deren Leitmotive durchziehen, angemessen abgewandelt, das ganze Werk. Der zweite Satz [2] zeigt Falstaff und den Prinzen in der Schenke Zum Wilden Schweinskopf in Eastcheap, wo sie mit der Wirtin scherzen und in Gadshill einen Raubüberfall begehen [3]; die Musik erinnert uns an Elgars Vorliebe für Bubenstücke und lustige Streiche. Falstaff schläft [4] ein und träumt von seiner Jugend als Page des Herzogs von Norfolk [5]—Elgar in besonders sehnsüchtiger Stimmung nach dem, „was gewesen sein könnte“. Der dritte Teil [6] hat etwas von einem Scherzo: Falstaff führt ein Heer von Vogelscheuchen in die Schlacht. Er kehrt durch Elgars Heimat zurück [7] , nämlich die Obstgärten im Südwesten Englands, Anlass zu erneuter Nostalgie und dem zweiten Zwischenspiel [8] im Obstgarten des Richters Schaal, begleitet von „traurig vergnügter Musik mit Pfeife und Trommel“. Da erhält Falstaff Nachricht von der Thronbesteigung des Prinzen [9] . Er eilt nach London, um der prunkvollen Krönung beizuwohnen, doch der neue König weist seinen alten Freund brutal zurück [10], und das Werk endet mit Falstaff auf dem Totenbett, wie er wehmütig der Vergangenheit gedenkt. Sein letzter Gedanke gilt Heinrich.

Die Romanze für Fagott ist 1909/10 entstanden, um die gleiche Zeit wie das Violinkonzert, dessen thematischer Ableger sie ist. Komponiert für Edwin F. James, den Ersten Fagottisten des London Symphony Orchestra, der im Februar 1911 die Uraufführung besorgt hat, streicht dieses reizvolle Stück den lyrischen Charakter des Instruments heraus (Elgar hatte in seiner Jugend selbst Fagott gespielt).

„Die Einstellung eines Mannes zum Leben“, so hat der zweiundsechzigjährige Elgar sein Cellokonzert beschrieben. Wie jedoch sah seine Einstellung zum Leben aus, als er es 1918/19 komponierte? Er war bekümmert über die furchtbaren Verluste an der Westfront, niedergeschlagen über den eigenen Gesundheitszustand und die Erkenntnis, dass die Lust des Publikum auf seine Musik geringer wurde, und er sehnte sich ständig nach dem, was er „die gute alte Zeit“ nannte. Andererseits beschrieb er das Konzert als „wirklich großes Werk und meines Erachtens gut und lebendig“. Er komponierte es überwiegend in der friedlichen Abgeschiedenheit des Hauses Brinkwells in der südenglischen Grafschaft Sussex, wo er die Ruhe fand, außerdem drei Kammermusikwerke zu verfassen. Der musikalische Ansatz des Konzerts, das Hauptthema des ersten Satzes, entstand an dem Tag, an dem er nach einer Mandeloperation im März 1918 aus einem Londoner Sanatorium entlassen wurde. Aber es sollte noch fast neun Monate dauern, bis er entschied, das Thema für ein Cellokonzert zu verwenden. Er vollendete das Werk im August 1919, und die Uraufführung fand am 27. Oktober des Jahres in London statt, mit Felix Salmond als Solist und Elgar am Pult des London Symphony Orchestra. Die Aufführung war katastrophal schlecht vorbereitet, die Queen’s Hall nicht ausverkauft und die Reaktion der Kritiker halbherzig. Doch die Musik setzte sich durch. Bedeutende Cellisten nahmen sich ihrer an, und heute zählt das Konzert zu den populärsten der bedeutenden Werke Elgars.

Obwohl dem Konzert eine gewisser herbstlicher Weltschmerz anhaftet, ist die von Elgar angesprochene Lebendigkeit nicht zu übersehen. Die Cello-Geste, die das Werk einleitet, hat einen herrlich maskulinen Charakter, das Scherzo ist quecksilbrig und voller rhythmischer Einfälle und das Finale findet an einigen Stellen zu dem Elan zurück, der für Elgar vor 1914 typisch gewesen war. Andererseits ist das Thema des ersten Satzes im 9/8-Takt an sich melancholisch, das Scherzo hat etwas Unwirkliches und das kurze Adagio mit seiner leichten Orchesterbegleitung ist der musikalische Inbegriff von Trauer und Verzweiflung; beides wird in Erinnerung gerufen in der Coda des Finales, das ungeachtet des ungestümen Ausbruchs am Schluss ein untröstlicher Aufschrei aus ganzem Herzen ist. Die Instrumentierung ist durchweg meisterhaft und ermöglicht es dem Solisten, mühelos zu dominieren.

Und was, könnte man sich fragen, hat es mit der Smoking Cantata auf sich? Sie war eines von Elgars „Bubenstücken“. Einer seiner ältesten Freunde war Edward Speyer, ein reicher deutscher Geschäftsmann, der sich 1859 in England niedergelassen hatte. Elgar war oft bei ihm zu Gast in Ridgehurst, seinem Haus in Shenley in der Grafschaft Hertfordshire. Im Juli 1919, als er dort das Cellokonzert fertigstellte, lernte er Speyers Schwager Maurice Kufferath kennen, den Direktor der Oper am Théâtre de la Monnaie in Brüssel. Sie freundeten sich an und waren äußerst amüsiert, als Speyer sie aufforderte, in der Eingangshalle bzw. im Treppenhaus nicht zu rauchen. Elgar schlug eine fünfsätzige Kantate zu diesem Thema vor. Er schrieb einen Teil (Nr. 3) und wählte folgende Überschrift:

“Kostprobe eines erbaulichen, allegorischen, weiterbildenden, erzieherisch wertvollen, überzeugenden, ermunternden, lehrreichen, diktatorischen, gebieterischen, obligatorischen Werks für Solostimme (E. Speyer), Chor der beschränkten Raucher usw. usf.

1. Chor der beschränkten Raucher
2. Orchester (furioso). Das Erwachen des E. Speyer
3. Rezit. E. Speyer nach Art eines Sarastrowotanbasilioklingsohrdalandmarcelorovesobiterolfscarpia
4. Arie (E. Speyer). Bedrohlich
5. Großer Chor der reuigen Raucher. Das Ganze ersonnen von Edward Elgar, op.1,001.”

Die Gesamtpartitur der Nr. 3 besteht aus einer neun Takte langen Vertonung des Textes „Habt die Güte, bitte, bitte, bitte nicht im Flur und Treppenhaus zu rauchen!“. Der Gesangspart ist lusingando [sacht], minacciando!! [drohend], feroce! [heftig] bzw. deciso [entschieden] bezeichnet. Über das Wort SMOKE hat Elgar einen mittelalterlichen Höllenschlund gezeichnet, aus dem Rauch hervorquillt. Die vorliegende Einspielung ist die Uraufführung des Werks!

Michael Kennedy © 2004
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller