Baron Frédéric Alfred d’Erlanger, (‘Baron Freddy’ to his family and friends) was naturalized British, and was long resident in London. From an established banking family, he followed the family tradition as well as being a composer. Born in Paris, his father was German and his mother American. He moved to London in his teens and remained there for the rest of his life. He was involved in promoting (and financing) music, especially opera at Covent Garden, and later was a trustee of the London Philharmonic Orchestra. A lifelong composer, performances of his works were often given by the most celebrated artists of the day. Record collectors probably will have come across him on an early Barbirolli twelve-inch 78 as the composer of the waltz Midnight Rose; he is also the composer behind the delightful ballet music of Les cent baisers, recorded by Doráti and the LSO after its stage success at Covent Garden in 1935.

It was with opera that d’Erlanger had first appeared as a composer. His opéra comique, Jehan de Saintré, was seen in Aix-les-Bains in 1893, and in Hamburg the following year. Using the pseudonym ‘Frédéric Regnal’, he made his Covent Garden debut in July 1897 with Inès Mendo, after Mérimée’s comedy. Coming from a European banking family, d’Erlanger had contacts who ensured interest outside England, and with the German title Das Erbe, his Inès Mendo was produced in Hamburg, Frankfurt and Moscow.

His opera Tess set Thomas Hardy’s Tess of the d’Urbervilles in Italian, with a libretto by Puccini’s librettist, Luigi Illica. It became famous when its first production at the San Carlo Theatre in Naples in 1906 was interrupted by an eruption of Mount Vesuvius. The Naples production spawned early recordings of Angel Clare’s aria (‘Last night I saw a vision of joy’) from Act I. The opera was produced in London in 1909 with Emmy Destinn as Tess, and Giovanni Zenatello as Angel Clare. Revived in 1910, it was later seen in Chemnitz and Budapest. In an English version, Tess was broadcast by the BBC in 1929, conducted by Joseph Lewis, and an orchestral interlude was twice played at the Proms.

His output for the concert hall is equally impressive. Probably d’Erlanger’s first success was his Suite symphonique No 2, which appeared at the Proms in September 1895. His Violin Concerto in D minor increased his standing, given its British premiere by Fritz Kreisler at a Philharmonic Society concert at the Queen’s Hall. We might particularly note its performances at Bournemouth and at the Queen’s Hall Proms where, in October 1921, it was played by Albert Sammons. It is available on volume 10 of Hyperion’s Romantic Violin Concerto series. New orchestral scores appeared at regular intervals during his lifetime, and, as well as various shorter works for piano solo and for violin or cello, there was also the Piano Concerto from 1921 and the gorgeous Verdian Messe de Requiem of 1930—a work admired and broadcast by Adrian Boult. So it is clear Frédéric d’Erlanger established a considerable musical presence in his lifetime.

D’Erlanger’s chamber music is small but distinctive. In 1895 he published a prelude for violin and piano, and in 1896 an album of six songs. In 1900 there followed the Violin Sonata in G minor (of which he was later the pianist in an acoustic recording). The Piano Quintet was a notable success at London’s St James’s Hall, Piccadilly, on 1 March 1902 at a ‘Saturday Pops’ Concert (‘At three o’clock sharp’) when the resident quartet was the Kruse Quartet, with d’Erlanger himself as pianist; it was reported that he was called three times. Repeated in an ‘all-d’Erlanger’ programme a couple of weeks later, this time at Bechstein Hall (now the Wigmore Hall), the occasion was a tribute to d’Erlanger’s virtuosity at the keyboard, the concert concluding with him improvising an impromptu on a series of four notes shouted out by members of the audience, which The Manchester Guardian reported as ‘an extremely clever display of virtuosity’. After the second performance, The Musical Times reported that the quintet ‘excites esteem’. It was published (by Simrock in Berlin) later the same year, but failed to find a wider audience, perhaps because in d’Erlanger’s lifetime it was associated with the composer as the pianist.

This is engaging and memorable music, notable for its lyricism and strikingly dramatic style, the scene set by its arresting and substantial first movement. Both the quintets on this recording observe a marked exposition repeat in the first movement (hear it in the d’Erlanger at 2'47), signalling that both are written in the formal Germanic shape of a four-movement work with sonata-allegro, slow movement, scherzo and finale. The critic Edwin Evans remarked that ‘the absence of any suggestion of the portentous … makes it more agreeable to play than many quintets of the same rank but greater pretensions’. After the epic scale of d’Erlanger’s turbulent first movement, his middle movements come as a contrast: first the toothsome, wide-spanning lyricism of the slow movement and then the fleet-footed, thistledown but relentless short scherzo. The strings are briefly muted for their soft opening entry in the slow movement, the mutes returning for the quiet coda and fade-out. The finale returns to the heroic mood of the first movement, twice interrupted by a contrasted episode based on a dancing motif. The music returns to Tempo I before the episode recurs. The argument builds to a triumphal climax and the wraith of the romantic theme of the slow movement briefly emerges. The closing bars maintain the mood and the music ends on an affirmative note.

Thomas Dunhill was a student at the Royal College of Music from 1893, and won an open scholarship to study with Stanford from 1897—an award shared with John Ireland, who became a lifelong friend. Dunhill’s early output was largely chamber music and included a quintet in E flat major with clarinet and horn (1898), heard at the RCM in March 1899. Another quintet followed, this time in F minor and written for horn, strings and piano (completed in 1900), then a piano quartet in B minor (1903), and the present Piano Quintet in C minor (1904). Coming under the influence of W W Cobbett, Dunhill embraced the one-movement fantasy form with a ‘Phantasie’ String Quartet (1906), and a Phantasy Trio for piano, viola and cello (1911). There are two violin sonatas, the second of which, completed in 1917, achieved some celebrity, though it was soon eclipsed by his friend John Ireland’s similar sonata which appeared at much the same time.

In the early years of the twentieth century, particularly before World War I, Dunhill was associated with chamber music, running his own series of pioneering chamber-music concerts at the Queen’s Small Hall, later at Steinway Hall, and subsequently at the Bechstein Hall. These he promoted in London for some dozen years from 1907 with the objective of giving new music by British composers a second hearing. He also published a book on chamber music (1913) and another on Mozart string quartets (1927). Dunhill was appointed assistant music master at Eton College in 1899, joined the staff of the RCM in 1905, and was an overseas examiner for the Associated Board, spending half of 1906 on an examining tour of Australia and New Zealand, repeated in 1908.

Over the course of his lifetime, Dunhill wrote a variety of orchestral works which have since been forgotten, and remain largely unpublished. This includes a number that were really contributions to the light-music repertoire and were certainly played in the 1930s, though unaccountably are all but forgotten today; collected together they would make an attractive programme. A useful measure of Dunhill’s reputation as an orchestral composer in his lifetime is the extent to which his music was played in the major centres, and like so many others of this generation, Dan Godfrey’s Bournemouth Municipal Orchestra provides us with an example. A total of ten works were altogether given fourteen performances between 1903 and 1934, conducted by Dunhill himself. The first of these was the Rhapsody in A minor, which the orchestra gave in January 1903. Later came a distinctly light-music suite, The Pixies, in 1908, repeated at Bournemouth three years later. The cellist May Mukle gave the first performance of Dunhill’s Capricious variations on an old English tune for cello and orchestra in November 1910, and in November 1913 came an orchestral prelude, The King’s Threshold, written for W B Yeats’s play. Almost any of these are works worth revisiting, but perhaps none is strong enough to be the basis of a revaluation of the composer’s reputation when taken alone.

In the post-World War I period, Dunhill was seen at Bournemouth as a serious mainstream composer, his symphony—which otherwise failed to establish itself—performed twice, his Elegiac variations also heard twice, as was one of his popular works of the time, the Chiddingfold Suite for strings. In contrast, Dunhill’s Symphony in A minor is an extended score, running for forty minutes, and probably his most substantial non-operatic score. In the mid-1930s, his light opera Tantivy Towers, setting words by A P Herbert, enjoyed a six-month run which in its day spawned a minor industry of extracts and arrangements, now long forgotten.

A pupil of Stanford, and at a time of radical musical developments, Dunhill made no bones about his championship of tradition and the established order (later he reported hating—yes, hating!—Vaughan Williams’s fourth symphony), and in his own programme notes for the Piano Quintet in C minor he championed chamber music as the orthodox music of his day.

The manuscript is dated September 1904 and it was first performed at the Bechstein Hall on 10 March 1905; Dunhill wrote: ‘A good audience … & very enthusiastic … Parry was there. Quintet very well received.’ We may see from Dunhill’s diaries that the composer played in a couple of private performances, and the work was heard again in 1907 and 1913 during his concerts of chamber music, but the music was not published and it is good to discover it now.

Marion Scott, writing in Cobbett’s Cyclopedic Survey of Chamber Music, described Dunhill’s chamber music as being ‘as companionable, healthy, and English as the South Downs on a sunny day’. The first movement, allegro moderato, starts with the cellist accompanied by the piano singing a theme which expands over some eleven bars. It is repeated by the whole ensemble, now louder and punchier, and runs on into another falling idea and a soaring violin line. Twice the solo piano launches what each time seems to be the beginning of the same piano miniature. The music reaches a first-time bar and we hear the exposition again. In fact it is possible that, in early performances, Dunhill had doubts about repeating the exposition, as he cancelled the repeat in the manuscript; it is nevertheless played here. Later, in the recapitulation, we have two statements of the brief ‘piano solo’ episodes again, and the movement closes serenely, pianissimo, with the marking ‘tranquillo’.

Dunhill’s middle movements are in the reverse order to the similar movements in d’Erlanger’s quintet, and so the scherzo runs second. Marked ‘con fuoco’, we are presented with a rhythmic idea hammered out at speed and at length by the strings, and later contrasted with two episodes which, although not marked as such, are in fact trios.

The slow movement is called ‘Elegie’, the expressive mood established by the solo viola accompanied by the piano and the cello, the latter providing a pizzicato bass. Bearing in mind the time at which it was written, it seems very likely that the viola virtuoso Lionel Tertis must have had a hand in this scoring, as he is well known for similar activity at this time with Dunhill and many of his contemporaries. The theme repeats in varying guises and scorings—effectively a set of variations. After a climax, the closing bars are quiet.

The finale again features the marking ‘con fuoco’ with a passage of vigorous running quavers. This is but an introduction, and the first subject that follows is a clear-cut melody played by viola and cello, elaborated over many bars. The second theme is another delightful tune, this time even more extended and clear-cut, and accompanied by upward-spread arpeggios marked ‘quasi arpa’, in ballad style. The interplay of the two tunes with the furious rising opening motif generates a gripping movement of lyricism and drama.

Lewis Foreman © 2020

Le baron Frédéric Alfred d’Erlanger («Baron Freddy» pour sa famille et ses amis) se fit naturaliser britannique et résida longtemps à Londres. Issu d’une famille de banquiers établis, il suivit la tradition familiale tout en étant compositeur. Il naquit à Paris, d’un père allemand et d’une mère américaine qui s’installèrent à Londres lorsqu’il était adolescent. Il y resta jusqu’à la fin de ses jours. Il prit une part active à la promotion (et au financement) de la musique, en particulier de l’opéra à Covent Garden, puis fut administrateur de l’Orchestre philharmonique de Londres. Il composa toute sa vie durant et ses œuvres furent souvent jouées par les artistes les plus célèbres de son temps. Les discophiles l’auront peut-être découvert grâce à un vieux 78 tours de sa valse Midnight Rose, enregistrée par Barbirolli; il composa aussi le charmant ballet Les cents baisers, enregistré par Doráti et le LSO après le succès des représentations données à Covent Garden en 1935.

C’est avec l’opéra que Frédéric d’Erlanger se fit connaître pour la première fois comme compositeur. Son opéra-comique Jehan de Saintré fut représenté à Aix-les-Bains en 1893 et à Hambourg l’année suivante. Sous le pseudonyme de «Frédéric Regnal», il fit ses débuts à Covent Garden en juillet 1897 avec l’ouvrage Inès Mendo, d’après la comédie de Mérimée. Issu d’une famille de banquiers européens, Erlanger avait des contacts grâce auxquels il suscitait un certain intérêt hors de l’Angleterre et, sous le titre allemand Das Erbe, son Inès Mendo fut produit à Hambourg, Francfort et Moscou.

Il composa son opéra Tess d’après Tess of the d’Urbervilles de Thomas Hardy, sur un livret en italien du librettiste de Puccini, Luigi Illica. Cet ouvrage connut la célébrité lorsque sa première production au Teatro San Carlo de Naples, en 1906, fut interrompue par une éruption du Vésuve. Cette production napolitaine fut à l’origine de premiers enregistrements de l’aria d’Angel Clare à l’acte I («Last night I saw a vision of joy»). L’opéra fut monté à Londres en 1909 avec Emmy Destinn dans le rôle de Tess et Giovanni Zenatello dans celui d’Angel Clare. Repris en 1910, il fut ensuite représenté à Chemnitz et à Budapest. En 1929, dans une version anglaise, Tess fut diffusé par la BBC, sous la direction de Joseph Lewis, et un interlude orchestral fut joué deux fois aux Proms.

Sa production pour le concert est tout aussi impressionnante. Le premier succès d’Erlanger fut sans doute sa Suite symphonique nº 2, jouée aux Proms en septembre 1895. Sa notoriété se développa avec son Concerto pour violon en ré mineur dont la première audition britannique fut donnée par Fritz Kreisler à un concert de la Philharmonic Society, au Queen’s Hall. On notera en particulier ses exécutions à Bournemouth et aux Proms au Queen’s Hall où, en octobre 1921, il fut joué par Albert Sammons. De nouvelles partitions pour orchestre virent le jour à intervalles réguliers au cours de sa vie; outre diverses petites pièces pour piano seul et pour violon ou violoncelle, il y eut aussi le Concerto pour piano (1921) et la splendide Messe de Requiem dans le style de Verdi (1930)—qu’admirait Adrian Boult qui en assura la diffusion. De son vivant, Frédéric d’Erlanger joua donc un rôle important dans la vie musicale.

Sa musique de chambre est réduite mais caractéristique. En 1895, il publia un prélude pour violon et piano et, en 1896, un album de six mélodies. En 1900, une Sonate pour violon et piano en sol mineur vit le jour (dont il tint ensuite la partie de piano dans un enregistrement acoustique). Le Quintette avec piano remporta un succès londonien notable à St James’s Hall, à Piccadilly, le 1er mars 1902, au cours d’un concert des «Saturday Pops» (concerts donnés le samedi après-midi «à trois heures précises»). Le quatuor résident était alors le Quatuor Kruse, Erlanger étant lui-même au piano, et on rapporte qu’il fit l’objet de trois rappels. Succès réitéré dans un programme entièrement consacré à la musique d’Erlanger quelques semaines plus tard, cette fois au Bechstein Hall (aujourd’hui le Wigmore Hall). Cet évènement était un hommage à la virtuosité pianistique d’Erlanger, le concert se terminant par l’improvisation d’un impromptu qu’il réalisa sur une série de quatre notes lancées à haute voix par des membres de l’auditoire, et que The Manchester Guardian qualifia de «démonstration très habile de virtuosité». Après la deuxième exécution, on put lire dans The Musical Times que le quintette «suscite la considération». Il fut publié (par Simrock à Berlin) un peu plus tard au cours de la même année, mais ne sut séduire un public plus large, peut-être parce que, du vivant d’Erlanger, il était associé au compositeur comme pianiste.

C’est une musique intéressante et facile à retenir, qui se distingue par son lyrisme et son style très dramatique, le décor étant planté par un premier mouvement important et saisissant. Dans cet enregistrement, les deux quintettes observent une reprise marquée de l’exposition dans le premier mouvement (à 2'47 dans celui d’Erlanger), preuve que les deux compositeurs respectaient la forme germanique traditionnelle quadripartite avec allegro de sonate, mouvement lent, scherzo et finale. Le critique Edwin Evans fit remarquer que «l’absence du moindre soupçon de solennité … le rend plus agréable à jouer que bien des quintettes analogues mais de plus grande prétention». Après la dimension épique du turbulent premier mouvement d’Erlanger, ses mouvements médians forment un contraste: tout d’abord le savoureux lyrisme très ample du mouvement lent, puis le court scherzo léger, piquant mais implacable. Les cordes sont brièvement en sourdine pour leur douce entrée initiale dans le mouvement lent, les sourdines revenant pour la calme coda et le fondu sonore. Le finale revient à l’atmosphère héroïque du premier mouvement, deux fois interrompue par un épisode contrasté basé sur un motif de danse. La musique revient au Tempo I avant le retour de cet épisode. La discussion s’élève jusqu’à un sommet triomphal et l’apparition du thème romantique du mouvement lent émerge brièvement. Les dernières mesures maintiennent l’atmosphère et la musique s’achève sur une note affirmative.

Thomas Dunhill étudia au Royal College of Music à partir de 1893, et obtint sur concours une bourse ouverte afin d’étudier avec Stanford à partir de 1897—bourse attribuée également à John Ireland, qui devint un ami de toujours. Au départ, Dunhill composa surtout de la musique de chambre, dont un Quintette en mi bémol majeur avec clarinette et cor (1898), joué au Royal College of Music en mars 1899. Vinrent ensuite un autre quintette, celui-ci en fa mineur et écrit pour cor, cordes et piano (achevé en 1900), puis un Quatuor avec piano en si mineur (1903) et le présent Quintette avec piano en ut mineur (1904). Sous l’influence de W W Cobbett, Dunhill embrassa la forme de fantaisie en un mouvement avec un Quatuor à cordes «Phantasie» (1906) et un Phantasy Trio pour piano, alto et violoncelle (1911). On lui doit aussi deux sonates pour violon et piano, dont la seconde, achevée en 1917, remporta un certain succès, même si elle fut assez vite éclipsée par la sonate analogue de son ami John Ireland qui vit le jour à peu près à la même époque.

Au début du XXe siècle, en particulier avant la Première Guerre mondiale, Dunhill s’impliqua dans la musique de chambre, organisant sa propre série de concerts de musique de chambre novateurs dans la petite salle du Queen’s Hall, puis au Steinway Hall et par la suite au Bechstein Hall. Pendant une douzaine d’années, à partir de 1907, il assura la promotion de ces concerts londoniens dont le but consistait à présenter une seconde audition d’œuvres nouvelles de compositeurs britanniques. Il publia aussi un livre sur la musique de chambre (1913) et un autre sur les quatuors à cordes de Mozart (1927). Dunhill fut nommé professeur de musique assistant au collège d’Eton en 1899, il entra dans le corps enseignant du Royal College of Music en 1905 et fut examinateur à l’étranger de l’Associated Board, effectuant dans le cadre de cette fonction une tournée en Australie et en Nouvelle-Zélande, qui occupa la moitié de l’année 1906, tournée qu’il renouvela en 1908.

Au cours de sa vie, Dunhill écrivit diverses œuvres pour orchestre aujourd’hui oubliées et en majeure partie inédites, mais certaines furent de réelles contributions au répertoire de la musique légère et furent sûrement jouées dans les années 1930; chose inexplicable, elles sont toutes oubliées de nos jours mais si on les réunissait, elles constitueraient un programme attrayant. On peut se faire une idée un peu plus précise de la réputation dont jouissait Dunhill de son vivant comme compositeur de musique orchestrale en constatant à quel point sa musique était jouée dans les grands centres. Et, comme pour beaucoup d’autres compositeurs de sa génération, l’Orchestre municipal de Dan Godfrey à Bournemouth nous en donne un exemple. Un total de dix œuvres firent l’objet de quatorze exécutions entre 1903 et 1934, sous la direction de Dunhill en personne. La première de ces œuvres fut la Rhapsodie en la mineur que l’orchestre joua en janvier 1903. Vint ensuite une suite de musique nettement légère, The Pixies, en 1908, reprise à Bournemouth trois ans plus tard. La violoncelliste May Mukle donna la création des Capricious variations on an old English tune pour violoncelle et orchestre de Dunhill en novembre 1910 et, en novembre 1913 vint un prélude orchestral, The King’s Threshold, écrit pour la pièce de W B Yeats. Presque toutes ces œuvres mériteraient d’être revisitées, mais aucune d’entre elles n’a peut-être un intérêt suffisant pour susciter un nouveau regard pouvant donner lieu à une réévaluation de la réputation du compositeur.

Après la Première Guerre mondiale, Dunhill fut considéré à Bournemouth comme un compositeur sérieux estampillé «grand public»; sa symphonie—qui, par ailleurs, ne parvint pas à s’imposer—fut jouée deux fois, ses Variations élégiaques également, tout comme l’une de ses œuvres populaires de l’époque, la Chiddingfold Suite pour cordes. En revanche, la Symphonie en la mineur de Dunhill est une très longue partition; elle dure quarante minutes et est sans doute sa partition la plus importante en dehors du domaine lyrique. Au milieu des années 1930, son opéra léger Tantivy Towers, sur un livre d’A P Herbert, tint l’affiche six mois durant ce qui, à cette époque, donna lieu à un filon mineur d’extraits et d’arrangements, depuis longtemps oubliés.

Dunhill avait été l’élève de Stanford et, à une époque de changements musicaux radicaux, il ne fit aucun mystère de son attachement à la tradition et à l’ordre établi (il déclara plus tard détester—oui, détester!—la Symphonie nº 4 de Vaughan Williams) et, dans la notice du programme qu’il écrivit pour son Quintette avec piano en ut mineur, il se fit le champion de la musique de chambre comme musique orthodoxe de son temps.

Le manuscrit est daté de septembre 1904 et fut joué pour la première fois au Bechstein Hall le 10 mars 1905; Dunhill écrivit: «Un bon public … & très enthousiaste … Parry était là. Quintette très bien accueilli.» Le journal intime de Dunhill nous indique que le compositeur donna quelques exécutions privées et que son quintette fut à nouveau exécuté en 1907 et en 1913 au cours de ses concerts de musique de chambre; mais la musique ne fut pas publiée et c’est une bonne chose de la découvrir maintenant.

Dans la Cyclopedic Survey of Chamber Music de Cobbett, Marion Scott écrit que la musique de chambre de Dunhill «est sociable, saine et aussi anglaise que les South Downs sous le soleil». Au début du premier mouvement, allegro moderato, le violoncelliste, accompagné du piano, chante un thème qui s’étend sur onze mesures. Il est repris par tout l’ensemble, plus fort et plus énergique, et se poursuit jusqu’à une nouvelle idée descendante et une ligne de violon qui monte en flèche. À deux reprises, le piano seul lance ce qui semble être à chaque fois le début de la même miniature pianistique. Après la mesure de première fois, on rejoue à nouveau l’exposition. En fait, il est possible que, lors des premières exécutions, Dunhill ait douté de la nécessité de répéter l’exposition, puisqu’il a supprimé la reprise sur le manuscrit; elle est néanmoins jouée dans cet enregistrement. Ensuite, au cours de la réexposition, nous avons une fois encore deux formulations des courts épisodes de «piano seul» et le mouvement s’achève dans la sérénité, pianissimo, sur l’indication «tranquillo».

Les mouvements centraux de Dunhill sont en ordre inverse de ceux du quintette d’Erlanger, et le scherzo vient donc en second avec l’indication «con fuoco». Une idée rythmée nous est présentée, martelée à toute vitesse et longuement par les cordes, puis contrastée avec deux épisodes qui, même s’ils ne sont pas marqués comme tels, sont en fait des trios.

Le mouvement lent s’intitule «Élégie»; l’atmosphère expressive est créée au départ par l’alto solo accompagné du piano et du violoncelle, ce dernier fournissant une basse pizzicato. Si l’on se souvient de l’époque à laquelle ce quintette fut composé, il semble fort probable que l’altiste Lionel Tertis ait contribué à cette écriture, car il était connu pour jouer ce genre de rôle auprès de Dunhill et d’un grand nombre de ses contemporains. Le thème revient sous différentes formes et instrumentations—en réalité des variations. Après un point culminant, les dernières mesures sont calmes.

Le finale présente à nouveau l’indication «con fuoco» avec un passage de croches galopantes vigoureuses. Ce n’est qu’une introduction et le premier sujet qui suit est un air précis joué par l’alto et le violoncelle, développé pendant de nombreuses mesures. Le deuxième thème est un thème charmant, cette fois encore plus développé et clair, et accompagné par des arpèges ascendants marqués «quasi arpa», dans le style d’une ballade. L’interaction des deux airs avec le motif initial ascendant déchaîné donne naissance à un mouvement captivant de lyrisme et de drame.

Lewis Foreman © 2020
Français: Marie-Stella Pâris

Baron Frédéric Alfred d’Erlanger („Baron Freddy“ für seine Familie und Freunde) hatte sich in England einbürgern lassen und lebte lange Jahre in London. Er stammte aus einer etablierten Bankiersfamilie, in deren Tradition er sich einreihte; dazu war er als Komponist tätig. Er war in Paris als Sohn eines deutschen Vaters und einer amerikanischen Mutter geboren worden. In seiner Jugend siedelte er nach London über und lebte dort bis zu seinem Tod. Er engagierte sich beim Veranstalten (und beim Finanzieren) von Musik, insbesondere an der Oper in Covent Garden, und wurde später ein Vorstandsmitglied des London Philharmonic Orchestra. Zudem komponierte er sein ganzes Leben lang und seine Werke wurden oft von den berühmtesten Künstlern der Zeit aufgeführt. Schallplattensammler kennen ihn möglicherweise von einer frühen LP mit Barbirolli, der seinen Walzer Midnight Rose eingespielt hatte; außerdem hatte d’Erlanger die reizvolle Ballettmusik Les cent baisers komponiert, die Doráti 1935 zusammen mit dem London Symphony Orchestra nach ihrem Bühnenerfolg in Covent Garden eingespielt hatte.

Als Komponist war d’Erlanger zunächst in der Opernwelt in Erscheinung getreten. Seine Opéra comique, Jehan de Saintré, wurde 1893 in Aix-les-Bains und im darauffolgenden Jahr in Hamburg gegeben. Im Juli 1897 gab er unter dem Pseudonym „Frédéric Regnal“ sein Covent-Garden-Debüt mit Inès Mendo, nach der Komödie von Mérimée. Als Mitglied einer europäischen Bankiersfamilie konnte d’Erlanger auf Kontakte zurückgreifen, die außerhalb Englands für ihn die Werbetrommel rührten, so dass die Oper unter dem deutschen Titel Das Erbe zudem in Hamburg, Frankfurt und Moskau inszeniert wurde.

Mit seiner Oper Tess vertonte er den Stoff von Thomas Hardys Tess of the d’Urbervilles in italienischer Sprache, und zwar mit einem Text von Puccinis Librettisten Luigi Illica. Das Werk wurde berühmt, als die erste Inszenierung 1906 im Theater San Carlo in Neapel von einem Vesuv-Ausbruch unterbrochen wurde. Diese Inszenierung in Neapel inspirierte frühe Aufnahmen der Arie von Angel Clare („Letzte Nacht hatte ich eine Vision der Freude“) aus dem ersten Akt. 1909 wurde die Oper in London mit Emmy Destinn in der Rolle der Tess und Giovanni Zenatello in der Rolle des Angel Clare inszeniert. 1910 wurde diese Inszenierung wiederaufgenommen und später in Chemnitz und Budapest gegeben. In einer englischen Version wurde Tess 1929 unter der Leitung von Joseph Lewis von der BBC übertragen und ein Orchesterzwischenspiel wurde zweimal im Rahmen der Proms aufgeführt.

D’Erlangers Kompositionen für die Konzertbühne sind ähnlich beeindruckend. Sein erster Erfolg war wohl die Suite symphonique Nr. 2, die im September 1895 bei den Proms gespielt wurde. Sein Violinkonzert d-Moll, dessen britische Premiere von Fritz Kreisler im Rahmen eines Konzerts der Philharmonic Society in der Queen’s Hall in London gegeben wurde, steigerte sein Ansehen. Zudem sind besonders die Aufführungen dieses Werks in Bournemouth und bei den Proms in der Queen’s Hall im Oktober 1921 hervorzuheben, wobei der Solist Albert Sammons war. Neue Orchesterwerke erschienen in regelmäßigen Abständen und neben diversen kürzeren Werken für Klavier solo und für Violine oder Violoncello schrieb er zudem das Klavierkonzert (1921) sowie die wunderschöne, an Verdi erinnernde Messe de Requiem (1930)—ein Werk, welches Adrian Boult verehrte und für das Radio aufführte. Es wird also deutlich, dass Frédéric d’Erlanger zu seinen Lebzeiten eine beachtliche musikalische Größe war.

D’Erlangers Kammermusikoeuvre ist klein, aber unverkennbar. 1895 veröffentlichte er ein Prelude für Geige und Klavier, und 1896 ein Album mit sechs Liedern. Im Jahre 1900 folgte eine Violinsonate in g-Moll (von der später eine Aufnahme mit ihm am Klavier entstand). Das Klavierquintett war ein bedeutender Erfolg in der Londoner St James’s Hall, Piccadilly, am 1. März 1902 anlässlich eines „Saturday Pops“ Konzerts („Um Punkt drei Uhr“); die Ausführenden waren das Kruse Quartet und d’Erlanger selbst am Klavier—es wurde berichtet, dass er drei Mal zurückgerufen wurden. Ein paar Wochen später wurde das Werk im Rahmen eines reinen d’Erlanger-Programms in der Bechstein Hall (die heutige Wigmore Hall) wiederholt. Dieser Anlass war ein Beleg für d’Erlangers Virtuosität am Klavier—das Konzert endete damit, dass er ein Impromptu über eine Viertonreihe improvisierte, die ihm aus dem Publikum zugerufen wurden; der Manchester Guardian bezeichnete dies als eine „äußerst geschickte Darstellung von Virtuosität“. Nach der zweiten Aufführung berichtete The Musical Times, das Quintett rufe „Hochschätzung hervor“. Es wurde noch im selben Jahr von Simrock in Berlin herausgegeben, fand jedoch kein größeres Publikum, möglicherweise weil man es zu d’Erlangers Lebzeiten mit ihm selbst am Klavier assoziierte.

Es handelt sich hierbei um einnehmende und einprägsame Musik, deren Gefühlsbetontheit und auffällig dramatischer Stil besonders beachtenswert sind; der faszinierende und ausgedehnte erste Satz steckt den Rahmen ab. In beiden hier vorliegenden Quintetten ist die Exposition des ersten Satzes zu wiederholen (im Falle des d’Erlanger findet dies bei 2'47 statt), womit sich ankündigt, dass beide der formalen deutschen Anlage eines viersätzigen Werks—Sonatensatz, langsamer Satz, Scherzo, Finale—folgen. Der Kritiker Edwin Evans merkte an: „Durch das Ausbleiben jeglicher Andeutung des Unheilvollen … ist es angenehmer zu spielen als viele andere Quintette desselben Niveaus, die jedoch größere Ambitionen haben.“ Nach der riesigen Anlage des turbulenten ersten Satzes sorgen d’Erlangers Binnensätze für Kontrast: zunächst erklingt die köstliche, weitgespannte Lyrik des langsamen Satzes und dann das schnellfüßige, federleichte und doch unerbittliche kurze Scherzo. Die Streicher sind kurz gedämpft bei ihrem leisen ersten Einsatz im langsamen Satz; die Dämpfer kehren in der ruhigen Coda wieder, die dann ausklingt. Die heroische Stimmung des ersten Satzes kehrt im Finale wieder, das zweimal von einer kontrastierenden Episode unterbrochen wird, die auf einem Tanzmotiv basiert. Die Musik kehrt zum ersten Tempo zurück, bevor die Episode wiederholt wird. Der musikalische Diskurs arbeitet auf einen triumphalen Höhepunkt hin und der Geist des romantischen Themas tritt kurz in Erscheinung. Die Schlusstakte behalten die Stimmung bei und die Musik endet auf einer positiven Note.

Thomas Dunhill studierte ab 1893 am Royal College of Music (RCM) in London und erhielt ein Stipendium zum Studium bei Stanford ab 1897—diese Auszeichnung teilte er mit John Ireland, der ein lebenslanger Freund werden sollte. Bei Dunhills Frühwerken handelte es sich in erster Linie um Kammermusik, darunter ein Quintett in Es-Dur mit Klarinette und Horn (1898), das im März 1899 am RCM aufgeführt wurde. Es folgte ein weiteres Quintett, diesmal in f-Moll und gesetzt für Horn, Streicher und Klavier (1900 fertiggestellt), ein Klavierquartett in h-Moll (1903) sowie das hier eingespielte Klavierquintett in c-Moll (1904). Unter dem Einfluss von W. W. Cobbett setzte Dunhill sich intensiv mit der einsätzigen Form auseinander, und zwar mit einem „Phantasie-Streichquartett“ (1906) und einem „Phantasie-Trio“ für Klavier, Viola und Violoncello (1911). Es gibt zudem zwei Violinsonaten, wovon die zweite (1917 fertiggestellt) einen gewissen Ruhm erlangte, obwohl sie bald von einer ähnlichen und zur gleichen Zeit herausgegebenen Sonate seines Freundes John Ireland in den Schatten gestellt wurde.

In den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts, insbesondere vor dem Ersten Weltkrieg, brachte man Dunhill mit Kammermusik in Verbindung—er organisierte seine eigene Reihe bahnbrechender Kammermusik-Konzerte in der Queen’s Small Hall, später in der Steinway Hall und schließlich in der Bechstein Hall. Diese Londoner Konzerte veranstaltete er von 1907 bis 1919 mit dem Ziel, neuer Musik von britischen Komponisten ein eigenes Forum zu bieten. Zudem brachte er ein Buch über Kammermusik (1913) und ein weiteres über die Streichquartette Mozarts (1927) heraus. 1899 wurde Dunhill zum stellvertretenden Musiklehrer vom Eton College ernannt, ab 1905 lehrte er am RCM und dazu nahm er die Musikprüfungen des Associated Board of the Royal Schools of Music im Ausland ab: 1906 und 1908 verbrachte er jeweils sechs Monate auf Prüfungstour in Australien und Neuseeland.

Im Laufe seines Lebens schrieb Dunhill verschiedene Orchesterwerke, die in der Zwischenzeit in Vergessenheit geraten und zum größten Teil unveröffentlicht geblieben sind. Darunter sind mehrere Werke, die eher zum Repertoire der „leichten Musik“ gehören und in den 1930er Jahren gespielt wurden, und trotzdem aus unerklärlichen Gründen heute vergessen sind—miteinander würden sie ein reizvolles Programm ergeben. Um Dunhills Ruf als Orchesterkomponist zu seinen Lebzeiten einschätzen zu können, ist der Umfang, in dem seine Musik in den großen Zentren gespielt wurde, ein Anhalt—das von Dan Godfrey gegründete Bournemouth Municipal Orchestra liefert ein Beispiel. Zehn Werke wurden insgesamt 14 Mal zwischen 1903 und 1934 unter der Leitung von Dunhill selbst aufgeführt. Das erste davon war die Rhapsodie a-Moll, die das Orchester im Januar 1903 spielte. 1908 kam eine ausgesprochen „leichte Musik“-Suite, The Pixies, die drei Jahre später in Bournemouth wiederholt wurde. Die Cellistin May Mukle gab im November 1910 die Premiere von Dunhills Capricious variations on an old English tune für Cello und Orchester, und im November 1913 folgte ein Orchestervorspiel, The King’s Threshold, das für W. B. Yeats’ gleichnamiges Drama entstanden war. Praktisch alle diese Werke haben eine Neubewertung verdient, doch ist vielleicht keines—allein genommen—überzeugend genug, um als Grundlage für eine Neubewertung des Rufs des Komponisten zu dienen.

In den Jahren nach dem Ersten Weltkrieg wurde Dunhill in Bournemouth als ernster Mainstream-Komponist betrachtet, dessen Symphonie—die sich sonst nicht durchsetzen konnte—zweimal aufgeführt wurde. Seine Elegiac variations sowie eines seiner beliebtesten Werke der Zeit, die Chiddingfold Suite für Streicher, waren ebenfalls zweimal zu hören. Im Gegensatz dazu ist Dunhills Symphonie a-Moll ein ausgedehntes Werk mit einer Spieldauer von etwa 40 Minuten—wahrscheinlich sein umfangreichstes Werk außerhalb der Opernsphäre. Mitte der 1930er Jahre wurde seine leichte Oper Tantivy Towers mit einem Text von A. P. Herbert sechs Monate lang gegeben, woraufhin zu jener Zeit diverse Auszüge und Arrangements angefertigt wurden, die heute allesamt vergessen sind.

Als Schüler von Stanford und zu einer Zeit radikaler musikalischer Entwicklungen gab Dunhill eindeutig zu verstehen, dass er die Tradition und bestehende Ordnung unterstützte (später soll er gesagt haben, er hasse Vaughan Williams’ vierte Symphonie), und im Programmheft für das Klavierquintett c-Moll setzte er sich für Kammermusik als orthodoxe Musik seiner Zeit ein.

Das Manuskript ist auf September 1904 datiert und wurde erstmals am 10. März 1905 in der Bechstein Hall aufgeführt; Dunhill schrieb: „Ein gutes Publikum … & sehr enthusiastisch … Parry war da. Quintett wurde sehr gut aufgenommen.“ Den Tagebüchern Dunhills ist zu entnehmen, dass der Komponist in zwei Privataufführungen mitgespielt hatte und 1907 und 1913 in seinen Kammermusik-Konzerten wieder zu hören war. Die Noten wurden jedoch nicht veröffentlicht—es ist ein Gutes, sie jetzt zu entdecken.

Marion Scott beschrieb Dunhills Kammermusik in Cobbetts Cyclopedic Survey of Chamber Music als „gesellig, vital und so englisch wie die South Downs an einem sonnigen Tag“. Der erste Satz, Allegro moderato, beginnt mit einem kantablen Thema, das sich über etwa elf Takte erstreckt und vom Cello mit Klavierbegleitung gespielt wird. Darauf wird es von dem gesamten Ensemble wiederholt, diesmal lauter und schwungvoller, und geht in ein fallendes Motiv und eine emporsteigende Geigenlinie über. Zweimal beginnt das Klavier eine Solopassage, die jeweils wie dieselbe Klavierminiatur wirkt. Die Musik erreicht eine erste Voltenklammer und wir hören die Exposition nochmals. Es ist möglich, dass Dunhill bei den ersten Aufführungen seine Zweifel hatte, ob die Exposition wiederholt werden sollte oder nicht, da er im Manuskript die Wiederholung wieder strich; hier wird sie nichtsdestotrotz gespielt. Später in der Reprise erklingen die kurzen Passagen für Klavier solo wieder, bevor der Satz heiter, „tranquillo“ und im Pianissimo zu Ende geht.

Die mittleren Sätze bei Dunhill erklingen in umgekehrter Reihenfolge zu den entsprechenden Sätzen in d’Erlangers Quintett, so dass das Scherzo hier an zweiter Stelle steht. Es ist mit „con fuoco“ bezeichnet und es erklingt ein rhythmisches Motiv, das ausführlich und mit hohem Tempo von den Streichern erklingt. Später wird es zwei Episoden gegenübergestellt, die als Trios fungieren (auch wenn sie nicht als solche angegeben sind).

Der langsame Satz ist als „Elegie“ bezeichnet und die expressive Stimmung wird zunächst von der Solobratsche, begleitet von Klavier und Cello, hergestellt, wobei das Letztere später einen Pizzicato-Bass liefert. Angesichts der Entstehungszeit des Werks ist es wahrscheinlich, dass der Bratschenvirtuose Lionel Tertis an der Ausarbeitung beteiligt war—es ist bekannt, dass er zu jener Zeit sowohl bei Dunhill als auch bei vielen anderen seiner Zeitgenossen an der Besetzung mitarbeitete. Das Thema kehrt in verschiedenen Formen und Besetzungen wieder, so dass es sich hier quasi um einen Variationensatz handelt. Nach einem Höhepunkt sind die Schlusstakte ruhig.

Im Finale findet sich wiederum die Anweisung „con fuoco“ in einer Passage mit lebhaften Achtelläufen. Es ist dies nicht mehr als eine Einleitung und das sich anschließende erste Thema ist eine scharf geschnittene Melodie, die von der Viola und dem Cello gespielt und über viele Takte ausgeziert wird. Das zweite Thema ist eine reizvolle Melodie, diesmal sogar noch ausgedehnter und noch schärfer geschnitten. Die Begleitung besteht aus aufwärts gerichteten Arpeggien mit der Bezeichnung „quasi arpa“ im Balladenstil. Das Zusammenspiel der beiden Melodien mit dem heftigen, aufsteigenden Eröffnungsmotiv erzeugt einen fesselnden, lyrischen und dramatischen Satz.

Lewis Foreman © 2020
Deutsch: Viola Scheffel