«« Nouveau » Quatuor Takács ? Il s’agit en effet du premier CD d’une équipe modifiée … Disons-le d’emblée : l’association actuelle nous comble d’aise et va sans doute, comme par le passé, orner de nouveaux fleurons une discographie déjà riche. On annonce, toujours pour le label Hyperion qui a succédé à Decca en 2005, des quatuors de Haydn pour 2022 … Le Quatuor Takács, de son côté, met tout de suite la sœur en lumière, en lui donnant la première place du programme. On savoure ainsi cette partition d’une vingtaine de minutes qui date de 1834, ne semble jamais avoir été jouée du vivant de Fanny … L’idée de placer dans le programme l’opus 80 juste après le quatuor de Fanny assure une dimension poignante à la relation fraternelle. Felix signe, en quelque sorte, un éloge funèbre à la mémoire de Fanny dans cette partition douloureuse achevée en septembre 1847. Quatre mois après l’irréparable perte, Felix clame son insupportable douleur dans le mouvement initial, confrontant l’auditeur à une sorte de rage désespérée qui n’est pas courante dans ses compositions. Après un Allegro où l’on sent la torture qui le dévore, un sublime et déchirant Adagio (en recherche d’apaisement ?) précède l’Allegro molto final, qui laisse pantois d’émotion, le Quatuor Takács arrivant presque à rendre concrètes les larmes que l’on entend se déverser dans les dernières mesures. On n’en sort pas indemne» (Crescendo Magazine, Belgium)

«« Nouveau » Quatuor Takács ? Il s’agit en effet du premier CD d’une équipe modifiée … Disons-le d’emblée : l’association actuelle nous comble d’aise et va sans doute, comme par le passé, orner de nouveaux fleurons une discographie déjà riche. On annonce, toujours pour le label Hyperion qui a succédé à Decca en 2005, des quatuors de Haydn pour 2022 … Le Quatuor Takács, de son côté, met tout de suite la sœur en lumière, en lui donnant la première place du programme. On savoure ainsi cette partition d’une vingtaine de minutes qui date de 1834, ne semble jamais avoir été jouée du vivant de Fanny … L’idée de placer dans le programme l’opus 80 juste après le quatuor de Fanny assure une dimension poignante à la relation fraternelle. Felix signe, en quelque sorte, un éloge funèbre à la mémoire de Fanny dans cette partition douloureuse achevée en septembre 1847. Quatre mois après l’irréparable perte, Felix clame son insupportable douleur dans le mouvement initial, confrontant l’auditeur à une sorte de rage désespérée qui n’est pas courante dans ses compositions. Après un Allegro où l’on sent la torture qui le dévore, un sublime et déchirant Adagio (en recherche d’apaisement ?) précède l’Allegro molto final, qui laisse pantois d’émotion, le Quatuor Takács arrivant presque à rendre concrètes les larmes que l’on entend se déverser dans les dernières mesures. On n’en sort pas indemne» (Crescendo Magazine, Belgium)

‘This complete set of Chopin Nocturnes … is a sure-fire winner, fit to be placed alongside recordings by giants of the past, such as my particular favourite, Arthur Rubinstein … even if you know the Nocturnes (or think you do), and are well stocked with recordings, make room for this one, augmented as it is by five other charming but spurious nocturnes, once thought to be by Chopin. Some pianists think a Chopin recital is all about them, and their excessive poetic feelings. Hough thinks these Nocturnes, to which Chopin was devoted, are all about the composer. His reticence does Chopin’s genius a huge service, especially when his playing is so refined, and his dynamics and tempi so perfectly judged’ (The Mail on Sunday)

‘The Gesualdo Six are well placed to record this music. They’re very good at looking around the repertoire and working out what will fit with everything else … I love anthologies, and I love this particular one … that counter-tenor sound, it’s out of this world. I should say that my favourite recording of this [Intemerata Dei mater] for many, many years has been the 1976 David Munrow recording and I think this actually outdoes it. I shouldn’t say that because Munrow is absolutely my hero, but I think this is even nicer’ (BBC Record Review)

‘They do make such a beautiful sound … the secret is five wonderful musicians and singers (from five different countries—Austria, Belgium, England, Germany and Switzerland) in the right acoustic, and that really works for this music. They place the microphones exactly right so that we can ‘get’ the building, and the singers can feel the support of that, but we can hear all the detail. That’s what I love about these single-voice recordings, in that actually you can hear the detail of all the parts, and you can with Cinquecento’ (BBC Record Review)

‘British Solo Cello Music brings together works by Benjamin Britten, William Walton, John Gardner, Frank Merrick and Thomas Adès. Many have personal connections with Isserlis, recounted in a liner note full enough to act as a social history of 20th-century cello music … Isserlis brings all his intelligence and passion to this impassioned music [the Britten Cello Suite] but offers other moods too’ (The Guardian)» More

‘There is huge entertainment value in this sparkling CD … outstanding’ (Choir & Organ)» More

‘The five voices of Cinquecento are as immaculate as ever, their full sound and flawless intonation leaving a hint of almost organ-like harmonic richness at times, and the spaciousness of the recording suits them and the music really well. It’s fourteen years since they last brought us music by this under-appreciated Renaissance composer—after all, if Lassus rated him he was probably pretty good—and this is beautiful music’ (BBC Record Review)

‘Overall, what leaps out is the sheer quality, consistency and stylishness of Janine Jansen’s playing. She conjures up the mood of each piece with seemingly effortless and flawless technique … Pappano is a sensitive partner, bending the pulse of the music to respond to Jansen’s organic rubato’ (BBC Music Magazine)

‘It’s almost a commonplace to remark upon Shelley’s unstinting advocacy of all‑but-forgotten and sometimes rather inconsequential music. That’s to do Benda a disservice, however … where these works really score … is in the slow movements, which have a richness and personality not often associated with the transitional music of the mid-18th century. These thus become the expressive fulcrum of each work; that of the F minor Concerto in particular deploys muted strings and a singing solo line to go to emotional places one might not have expected’ (Gramophone)

«Steven Isserlis, comme tout le monde, s’est retrouvé à l’arrêt au début du printemps 2020. Le violoncelle solo fut une planche de salut : il se remit à travailler une grande Suite que Frank Merrick (1886-1981) lui avait donnée en mains propres. Notre jeune virtuose avait alors dix-sept ans et s’était pris d’affection pour ce pianiste qui futl’élève de Leschetizky et débuta sous la baguette de Hans Richter … Britten est également au programme avec deux partitions taillées pour Rostropovich : le vigoureux Thema qu’il écrivit en 1976, déjà très affaibli, pour le soixante-dixième anniversaire de Sacher, et l’importante Suite no 3 (1971), ici défendue avec passion et engagement … On en ressort avec Sola (2000), piécette très prenante écrite par Thomas Adès … Toute une époque» (Diapason, France)» More

‘As ever with Isserlis, his conversational booklet notes, with their plethora of personal anecdotes and musicological musings, are an integral part of the pleasure … Walton’s Theme for a Prince, composed in 1969 for Prince Charles’s 21st birthday, rarely gets a recorded outing, yet its blink-and-you’ll-miss-it 16 bars come with a spacious, lyrical beauty from Isserlis that’s been stopping me in my tracks on each fresh hearing. Or there’s Isserlis’s postscripting of Britten’s dark Third Cello Suite—a multi-hued reading of immense beauty that rings with the impression of emotional authenticity—with four traditional Russian themes Britten borrowed for it … perhaps what I value most about this programme, though, is the supple, lyric beauty Isserlis draws from his 1726 ‘Marquis de Corberon’ Stradivarius at every turn, and particularly in the Britten Suite. We critics often relish it when an artist isn’t afraid of a bit of ugly in the pursuit of making a searing point. Yet Isserlis reminds us that it’s possible to bring tonal beauty to even the most pained musical expression without pulling any emotional punches’ (Gramophone)