Serge Prokofiev was a mere twenty-one when in 1912 he composed his Ballade for cello and piano. In fact, the opening theme dates from even earlier: in his autobiography he recalls that ten years earlier he had written a violin sonata, ‘of which only the principal theme of the first movement remained, and was used ten years later in the Ballade for cello, Op 15. The three bars of the introduction and the first five bars of the theme are identical in both compositions … thus the first theme of the Ballade, composed at the age of eleven, is the earliest of my published works with an opus number.’ The enfant terrible Prokofiev, though not particularly known for his modesty, was nevertheless realistic about the task he had set himself in writing this work: ‘Although I had good instincts and a sound grasp of orchestration, I was not well prepared technically to write chamber music. Bringing the cello and piano parts of the Ballade into good order and balance cost me much labour, but the more the work continued the easier it became.’

It may date from early in his career, but the Ballade is pure Prokofiev from the outset, imbued with the quality noted by his friend Serge Moreux: ‘The master’s thematic material is always long. Its points of departure are always tunes that appear to us genuinely Slav.’ The work opens with thunderous piano chords, rather reminiscent of Tchaikovsky’s first piano concerto. These, however, fade away quickly and unexpectedly within three bars (rather than the more usual unit of four) in order to afford the cello space to sound its dramatic melody. It seems as if an epic tale is being told here, a folk legend involving giants and ogres—the latter particularly in evidence with the arrival of the agitated second theme (1'53). Here one can feel the presence of a Baba Yaga-like evil spirit. Or perhaps more apt would be a quote from Shakespeare: ‘By the pricking of my thumbs, something wicked this way comes’, since this is one of the longest pizzicato passages in all cello literature—quite a strain on the cellist’s poor thumb. (Apparently it was Belousov’s idea to play this theme pizzicato; he must have been either a masochist, or abnormally thick-skinned—or both. It is effective, though, I have to admit.) The tension escalates incrementally until the the first theme reappears in pulverizing form. The second half of the piece—Prokofiev noted that the Ballade was ‘similar in form to a sonata in two movements’—introduces a wailing melody, incorporating the markings ‘molto espressivo’, ‘tristamente’ and finally ‘piangendo’ (‘plaintively’—an indication Prokofiev had borrowed from Tchaikovsky’s opera The Queen of Spades). The evil spirit of the second subject has evidently caused a trail of destruction, over which this third subject grieves. The Ballade ends with a quiet version of the opening theme, succeeded by a final descent, marked ‘tenebroso’ (‘shadowy’), with which the cello slithers down to its lowest, duskiest note. The monster is subsumed back into the depths …

from notes by Steven Isserlis © 2019

Serge Prokofiev n’avait que vingt-et-un ans lorsqu’il composa sa Ballade pour violoncelle et piano en 1912. En fait, le thème initial est encore antérieur : dans son autobiographie, il rappelle que, dix ans plus tôt, il avait écrit une sonate pour violon et piano, «dont il ne reste que le thème principal du premier mouvement et qui fut utilisé dix ans plus tard dans la Ballade pour violoncelle et piano, op.15. Les trois mesures de l’introduction et les cinq premières mesures du thème sont identiques dans les deux compositions … ainsi le premier thème de la Ballade, composé à l’âge de onze ans, est la plus ancienne de mes œuvres publiées avec un numéro d’opus.» Prokofiev, «l’enfant terrible», même s’il n’est pas particulièrement connu pour sa modestie, était néanmoins réaliste à propos de la tâche qu’il s’était fixée en écrivant cette œuvre: «Même si j’avais un bon instinct et une bonne maîtrise de l’orchestration, je n’étais pas bien préparé sur le plan technique à écrire de la musique de chambre. Il m’a fallu beaucoup de travail pour mettre en ordre et bien équilibrer les parties de violoncelle et de piano de la Ballade, mais plus je travaillais plus cela devenait facile.»

Elle date peut-être du début de sa carrière, mais la Ballade est du pur Prokofiev dès le début, imprégnée de cette qualité que notait son ami Serge Moreux: «Le matériel thématique du maître est toujours long. Ses points de départ sont toujours des mélodies qui nous semblent vraiment slaves.» L’œuvre commence par des accords tonitruants du piano, ce qui rappelle un peu le concerto pour piano nº 1 de Tchaïkovski. Toutefois, ces accords s’estompent rapidement et de façon imprévue en l’espace de trois mesures (au lieu du groupe plus habituel de quatre mesures) afin de donner au violoncelle de l’espace pour jouer sa mélodie dramatique. Il semble qu’un récit épique est raconté ici, une légende folklorique impliquant des géants et des ogres—ces derniers particulièrement visibles avec l’arrivée du deuxième thème agité (1'53). On peut y sentir la présence d’un esprit maléfique comme Baba Yaga. Ou une citation de Shakespeare serait peut-être plus appropriée: «By the pricking of my thumbs, something wicked this way comes» («Dans mes pouces un picotement dit l’approche d’un méchant»), car c’est l’un des plus longs passages pizzicato de toute la littérature pour violoncelle—une rude épreuve pour les pauvres pouces du violoncelliste. (Apparemment, c’est Belousov qui eut l’idée de jouer ce thème pizzicato; il devait être masochiste ou bien avoir la peau anormalement épaisse—ou les deux. Mais ça fait de l’effet, je dois l’admettre.) La tension monte progressivement jusqu’à ce que le premier thème reparaisse sous une forme tyrannique (4'36). La seconde moitié de l’œuvre—Prokofiev nota que la Ballade était «identique quant à la forme à une sonate en deux mouvements»—introduit une mélodie plaintive (6'00), comprenant les indications «molto espressivo», «tristamente» et finalement «piangendo» («d’un ton plaintif»—une indication que Prokofiev avait empruntée à l’opéra de Tchaïkovski La Dame de pique). L’esprit maléfique du deuxième sujet a évidemment tout détruit sur son passage, ce sur quoi ce troisième sujet s’afflige. La Ballade s’achève sur une version calme du thème initial, suivie d’une descente finale, marquée «tenebroso», qui fait glisser le violoncelle jusqu’à sa note la plus grave et la plus sombre. Le monstre est sommé de rejoindre ses abîmes …

extrait des notes rédigées par Steven Isserlis © 2019
Français: Marie-Stella Pâris

Prokofjew war gerade 21 Jahre alt, als er 1912 seine Ballade für Cello und Klavier komponierte. Das Anfangsthema ist sogar noch älter: Er schreibt in seiner Autobiografie, er habe zehn Jahre zuvor eine Violinsonate geschrieben, „von der nur das Hauptthema des ersten Satzes erhalten blieb, das ich zehn Jahre später für die Ballade für Cello, op. 15, verwendete. Die drei Einleitungstakte und die ersten fünf Takte des Themas sind in beiden Kompositionen gleich … damit ist das erste Thema der Ballade, das ich mit elf Jahren komponierte, mein frühestes Stück mit einer Opuszahl.“ Prokofjew, das enfant terrible, war zwar nicht gerade für seine Bescheidenheit bekannt; doch machte er sich keine Illusionen über die Aufgabe, die er sich mit diesem Stück gesetzt hatte: „Zwar hatte ich einen guten Instinkt und verstand etwas von Instrumentation, aber mir fehlte das Rüstzeug im Komponieren von Kammermusik. Es kostete mich einige Mühe, Klavier und Cello in gute Form und Balance zu bringen, doch je länger ich an dem Werk schrieb, desto leichter fiel es mir.“

Obschon ein Frühwerk, ist die Ballade doch reiner Prokofjew von Anfang an, durchtränkt von jener Qualität, die sein Freund Serge Moreux so beschrieb: „Das thematische Material des Meisters ist immer lang. Immer geht es von Melodien aus, die uns echt slawisch vorkommen.“ Das Werk beginnt mit donnernden Klavier-Akkorden, die an Tschaikowskys Klavierkonzert Nr. 1 denken lassen. Sie verebben allerdings rasch und unerwartet innerhalb von nur drei Takten (statt der erwartbaren vier), um dem Cello Raum für seine dramatische Melodie zu geben. Hier scheint eine epische Geschichte erzählt zu werden, eine Sage von Riesen und Ungeheuern—von letzteren besonders, wenn das erregte zweite Thema einsetzt (1'53). Hier spürt man einen bösen Geist, eine Baba Yaga. Passender ist hier vielleicht Shakespeare: „Bei des Däumchens Juckerei, etwas Böses kommt vorbei“, denn es handelt sich um eine der längsten Pizzicato-Passagen der gesamten Cello-Literatur—der arme Cellistendaumen wird hier arg strapaziert. (Das Thema pizzicato zu spielen, war offenbar Belousows Idee; er muss entweder Masochist oder außergewöhnlich dickhäutig oder beides gewesen sein. Allerdings muss ich zugeben: Es klingt gut.) Schrittweise steigt die Spannung, bis das erste Thema in geradezu explosiver Gestalt wiederkehrt (4'36). Die zweite Hälfte des Stücks—Prokofjew merkte an, es ähnele „in der Form einer Sonate in zwei Sätzen“—führt eine jammernde Melodie ein (6'00), unter anderem markiert als „molto espressivo“, „tristamente“ und schließlich „piangendo“ („klagend“—eine Bezeichnung, die Prokofjew Tschaikowskys Pique Dame entlehnt hatte). Offenbar hat der böse Geist des zweiten Themas eine Schneise der Verwüstung hinterlassen, die dieses dritte Thema nun betrauert. Die Ballade schließt mit einer stillen Fassung des ersten Themas, gefolgt von einem letzten, „tenebroso“ („düster“) markierten Absteigen, mit dem das Cello auf seinen tiefsten, schwärzesten Ton hinabgleitet. Das Ungeheuer hat sich in die Tiefe zurückgezogen …

aus dem Begleittext von Steven Isserlis © 2019
Deutsch: Friedrich Sprondel