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Polaris 'Voyage for orchestra'

composer
2010

 
In the composer’s own words:

Polaris explores the use of star constellations for naval navigation and the emotional navigation between the absent sailors and what they leave behind …
‘It is scored for orchestra, including groups of brass instruments that may be isolated from the stage. These instruments play in canon, one in each of the three sections of the piece, entering in order, from the highest (trumpets) to the lowest (bass tuba). Their melody, like all the music in this work, is derived from a magnetic series, a musical device heard here for the first time, in which all 12 notes are gradually presented, but persistently return to an anchoring pitch, as if magnetised. With the first appearance of the twelfth note, marked clearly with the first entrance of the timpani, the poles are reversed. At the start of the third and final section, a third pole is discovered, which establishes a stable equilibrium with the first.’

Composed in 2010 for the opening of the New World Symphony’s hall in Miami, and subtitled ‘a voyage’, Polaris is space travel in sound. The music explores the space in which it will play, paying due attention to instrumental positioning and placing the brass instruments in different parts of the hall. At the same time, being poetically aimed towards Polaris, the Pole Star, the work is guided by other poles, of harmony, as it moves forward through slowmoving cycles, ever gaining in power through three broad phrases.

A large orchestra is assembled, but the journey is initiated by a solo piano, lightly shadowed by pizzicato violins, as it projects a line that stays always similar, while never exactly repeating—a diatonic line, focused at first on C-sharp. As this infinite line goes on and changes in harmonic character, more and more instruments chime in around it, their lines similar again but proceeding at different speeds, slowest of all being the gleaming arc made by three trumpets. With these pronouncing their grand phrases, joined eventually by the other brass and by low strings in rotations that are, once more, never exact, the impression may be of an immense passacaglia, a little out of joint.

Steadily, through the first third of the 15-minute composition, density and dynamic level increase up to a protracted climax. What might seem the goal is, however, only a station on the way to a further voyage. The texture thins again, and accumulates again, towards a second climax. Third time round, though, there is nowhere else to go, and the work comes to its end at a full intensity of white noise, white light.

from notes by Paul Griffiths © 2016

Selon les propres mots du compositeur:

«Le propos de Polaris est l’utilisation des constellations célestes pour la navigation maritime, ainsi que la navigation émotionnelle entre les marins, absents, et ceux qu’ils ont laissés derrière eux … L’œuvre est écrite pour un orchestre au sein duquel des groupes de cuivres peuvent être placés hors de la scène. Ces instruments jouent en canon, un dans chacune des sections de la pièce; ils entrent dans l’ordre, des plus aigus (trompettes) au plus grave (tuba basse). Leur mélodie, comme toute la musique présente dans cette œuvre, est issue d’une série magnétique, un procédé musical que l’on entend ici pour la première fois et dans lequel les douze notes sont toutes présentées tour à tour mais retournent de manière persistante à un pôle d’attraction, comme si elles étaient magnétisées. A la première apparition de la douzième note, soulignée clairement par l’entrée des timbales, les pôles s’inversent. Au début de la troisième et dernière section, on découvre un troisième pôle, qui établit un équilibre stable avec le premier.»

Composé en 2010 pour l’inauguration de la salle du New World Symphony à Miami, et sous-titré «Un voyage», Polaris est un voyage spatial en sons. La musique explore l’espace dans lequel elle va se déployer; une attention particulière est portée à la place des instruments, et les cuivres sont disposés en différents points de la salle. Par ailleurs, pointant par son contenu poétique vers Polaris, l’Etoile polaire, l’œuvre est gouvernée par d’autres pôles—des pôles harmoniques—, tandis qu’elle progresse au travers de cycles aux lentes évolutions, accumulant toujours plus de puissance au fil de trois amples phrases.

Un vaste orchestre est rassemblé, mais c’est le piano solo qui donne le départ du voyage, légèrement voilé par les violons en pizzicatos; il présente une ligne mélodique qui garde toujours les mêmes contours bien qu’elle ne se répète jamais à l’identique—une ligne diatonique, centrée sur la note do dièse. Tandis que cette ligne infinie poursuit son déploiement au gré de différents caractères harmoniques, des instruments de plus en plus nombreux carillonnent autour d’elle; leurs lignes sont elles aussi semblables, quoiqu’elles avancent à des vitesses différentes—la plus lente étant celle de l’arc resplendissant dessiné par les trois trompettes. Lorsque celles-ci énoncent leurs phrases grandioses, rejointes finalement par les autres cuivres et par les cordes graves dans des rotations qui, une fois de plus, ne sont jamais exactes, l’impression est presque celle d’une immense passacaille, un peu déglinguée.

Pendant le premier tiers de cette composition de quinze minutes, la densité et le niveau dynamique croissent constamment, jusqu’à un sommet prolongé. Mais ce qui pourrait sembler être le but se révèle n’être qu’une étape sur le chemin d’un second voyage. La texture s’épure de nouveau, puis l’accumulation reprend jusqu’à un nouveau sommet. La troisième fois, néanmoins, il n’y a plus nulle part d’autre où aller, et l’œuvre se conclut dans la pleine intensité d’un bruit blanc, d’une lumière blanche.

extrait des notes rédigées par Paul Griffiths © 2016
Français: Claire Delamarche

In den eigenen Worten des Komponisten:

Polaris erkundet den Einsatz von Sternbildern zur Navigation in der Schifffahrt wie auch zur emotionalen Orientierung zwischen den abwesenden Seeleuten und dem, was sie zurücklassen …
Das Werk ist für Orchester einschließlich Blechbläsergruppen, die von der Bühne getrennt werden können. Diese Instrumente spielen Kanon—ein Kanon pro Werkabschnitt, von denen es drei gibt—und setzen nacheinander vom höchsten (Trompeten) bis zum tiefsten Instrument (Basstuba) ein. Ihre Melodie stammt wie die gesamte Musik in diesem Werk aus einer magnetischen Reihe, ein musikalisches Mittel, das hier zum ersten Mal zu hören ist. Bei einer magnetischen Reihe werden nacheinander alle zwölf Töne vorgestellt, sie kehren aber hartnäckig zu einer Schlüsselnote zurück, als wären sie magnetisiert. Beim ersten Einsatz des zwölften Tons, deutlich durch den ersten Auftritt der Pauken markiert, wechseln die Pole. Zu Beginn des dritten und letzten Abschnitts kommt ein dritter Pol ins Spiel, der ein stabiles Gleichgewicht zum ersten erzeugt.“

Polaris wurde 2010 für die Eröffnung des Konzertsaals der Orchesterakademie New World Symphony in Miami komponiert und trägt den Untertitel „eine Reise“. Polaris ist Raumfahrt in Klängen. Die Musik erkundet den Raum, in dem sie sich bewegen wird. Deshalb gilt der Anordnung der Instrumente sowie der Aufstellung der Blechbläser an verschiedenen Orten im Saal besondere Bedeutung. Gleichzeitig wird das Werk, das poetisch auf Polaris, den Polarstern, ausgerichtet ist, von anderen Polen wie z. B. der Harmonie gesteuert. Dabei bewegt es sich durch langsam fortschreitende Zyklen und gewinnt durch drei breite Phrasen zunehmend an Kraft.

Trotz großer Orchesteraufstellung wird die Reise durch ein von Violinpizzikati schwach schattiertes Soloklavier eingeleitet. Das Klavier projiziert eine Linie, die immer gleichbleibt, sich jedoch niemals genau wiederholt—eine diatonische Linie mit anfänglicher Ausrichtung auf Cis. Nach und nach erklingen um diese unendlich weiterspinnende und harmonisch veränderliche Linie herum andere Instrumente. Auch ihre Linien wiederholen sich in ähnlicher Gestalt, die Tempi untereinander sind jedoch unterschiedlich. Die langsamste Linie schlägt mit drei Trompeten den strahlenden Bogen. Während diese Trompeten ihre prachtvollen Phrasen hervorheben, gesellen sich allmählich andere rotierende Blechbläser und tiefe Streicher hinzu, die ihre Kreise ebenfalls niemals genau gleich drehen. So entsteht womöglich der Eindruck einer immensen, etwas verzerrten Passacaglia.

Im ersten Drittel der 15-minütigen Komposition nimmt die Dichte und Intensität stetig zu und strebt einen hinausgezögerten Höhepunkt an. Was jedoch wie ein Ziel erscheint, ist nur ein Aufenthalt auf einer längeren Reise. Die Textur wird wieder dünner und verdichtet sich erneut für einen zweiten Höhepunkt. Beim dritten Mal gibt es jedoch kein Weiterkommen. Das Werk schließt mit höchst intensivem weißem Rauschen, weißem Licht.

aus dem Begleittext von Paul Griffiths © 2016
Deutsch: Elke Hockings

Recordings

Adès: Asyla, Tevot & Polaris
Studio Master: LSO0798Download onlyStudio Master FLAC & ALAC downloads available

Track-specific metadata for LSO0798 track 6

Artists
ISRC
GB-DGQ-16-29601
Duration
13'30
Recording date
9 March 2016
Recording venue
Barbican, London, United Kingdom
Recording producer
James Mallinson
Recording engineer
Neil Hutchinson & Jonathan Stokes
Hyperion usage
  1. Hyperion sampler - March 2017 (HYP201703)
    Disc 1 Track 10
    Release date: March 2017
    Download-only sampler
  2. Adès: Asyla, Tevot & Polaris (LSO0798)
    Disc 1 Track 6
    Release date: March 2017
    Download only
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