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Symphony No 2 in B major 'To October', Op 14

composer
1927
author of text

 
How it appeared
This one-movement composition for orchestra and chorus written by the 21-year-old Dmitri Shostakovich was only retrospectively named the Second Symphony: when it was first presented in public in 1927, it was called To October and was intended as a musical celebration to mark the tenth anniversary of the October Revolution. The composer had no hesitation in accepting the State Music Publishing House’s commission, also accepting without any particular resistance the slogan-filled text by the poet Alexander Bezymensky proposed by the publishing house. Perhaps it was this text that posed a problem for Shostakovich. In any case, work on the score extended for half a year, although upon listening to the seventeen-minute symphony we fall under the impression that it was created in one unstinting effort.

What is striking about it
The Second Symphony is certainly not one of the composer’s better-known works (even in the St Petersburg Philharmonic, the citadel of Shostakovich’s music, it has been performed only fourteen times in sixty years; for thirty-five years it was not performed at all). But the symphony invariably strikes all who listen to it. Could anyone have expected an officially commissioned composition to contain such linguistic and stylistic radicalness? Some might say that in the 1920s, masters of the young Soviet arts such as the artists Filonov, Tatlin and Malevich, and the film directors Meyerhold and Eisenstein were working in a similar vein. Yet of all the composers, only Shostakovich (most of all in his Second Symphony and in the opera The Nose) dazzled with his originality, moreover this was an originality that also captivated people, meaning it was accessible to ordinary people, for whom emotion is the most important aspect in art. It is like the pictures of the brilliant avant-garde painter Pavel Filonov: at first their harsh colourful accents affect the viewer, and then the viewer starts to discern in them the outlines of a living scene. In the Second Symphony there is an episode (before the chorus starts up) which the author named Death of a Small Child; listeners may know nothing about the real story behind this episode (during the revolution the young Shostakovich witnessed the killing of a baby on the streets), they may fail to find anything depictive in the music, yet the alternating themes of the violas and clarinets compel the listeners to concentrate wholeheartedly. In any case, the composer had in mind the sympathetic and heartfelt public when he said of the symphony: 'It is music that is simple and accessible for the modestly off'.

Structure and language
The Second Symphony is also unique in that, given the strangeness of the musical language and the complete absence of a sonata scheme, it possesses an absolute compositional clarity or, to put it another way, a distinct, if unstated, programme. At the beginning is a 'dark chaos', intertwining lines of string instruments and a quickening rhythmic pulse. The colour emerges: the brass wind instruments enter with their comparatively bright melodic material. A new phase of development: fermentation. One on top of the other, the voices of the thirteen instruments gradually build up (beginning with the violin), the atonal sound mass vibrates over fifty-three bars. The Cosmos is born out of chaos, emitting a vast quantity of energy! There is the social cosmos too: from 'the lower depths' comes liberation, with thunderous cries of protest and declamation dominating the symphony. After a contrasting interlude (Death of a Small Child), at the signal of the factory whistle, which is incorporated into the make-up of the orchestra, the chorus begins to sing. In the choral finale, all the pressure of the montage dramaturgy adopted by Shostakovich for his Second Symphony is resolved; this finale is a hymn with firm tonal constancies, with a raised intonation which does not hamper, and even intensifies Bezymensky’s propagandist text.

Then and later
In appraisals of the Second Symphony critics often take an unusual angle: they try to understand where its avant-garde style comes from. They mention Shostakovich’s elder contemporaries—Hindemith, Stravinsky, Honegger—and they find no direct correlation with the music of the Second Symphony, bearing in mind that the young Soviet composer was well acquainted with their creativity. It could be argued that this music is the product of sheer genius, as was, for example, the music of Charles Ives from a previous generation of composers and from another land. Of course, there is no doubt about Shostakovich’s brilliant training and broad outlook, but, after all, the compositional approach which he used in the Second Symphony appeared in modern music only thirty-five to forty years later (with Ligeti and Penderecki). The fact that the mature Shostakovich avoided speaking of it can be explained by his unpleasant memories surrounding the reasons for its appearance. In any case, the fantastically imposing fugue in the first movement of the Fourth Symphony (“the horror of the human multitude”, as I once dared call it) owes much to the thirteen-voice episode in the Second Symphony.

And surely the citations from the 'revolutionary songs' in the Eleventh and Twelfth Symphonies contain echoes of the content of To October (as the Second Symphony was called). It is another matter that here, in the Second Symphony, folklore material is merely hinted at, and that on the whole this symphony is decisively free of the ideology of the Bolshevist state and likewise the ideology of classical music. Yet it could be claimed, without fear of contradiction, that the young Shostakovich’s score is the incarnation of the Revolution, both in the renewal of language and in the power of its creative impulse.

from notes by Leonid Gakkel © 2010
English: Anna Gunin

Une commande
À l’origine, cette pièce en un mouvement pour chœur et orchestre composée par Dmitri Chostakovitch à l’âge de 21 ans ne s’intitulait pas Symphonie nº 2: à sa création en 1927, elle avait pour titre À Octobre—dédicace symphonique et se voulait une commémoration de la Révolutionrusse dont c’était le dixième anniversaire. Le compositeur n’avait pas hésité à accepter cette commande des Éditions musicales d’État, ni même rechigné devant le texte de propagande du poète Alexandre Bezymenski qu’on lui avait confié. On peut se demander si ce texte ne lui posa pas toutefois problème. La composition de cette pièce symphonique de dix-sept minutes exigea, en effet, quelque six mois d’effort, même si à l’écoute on a l’impression qu’elle fut écrite d’une seule traite.

Originalité
La Symphonie nº 2 est loin d’être une des œuvres les plus connues du compositeur (même l’Orchestre philharmonique de Saint-Pétersbourg, véritable champion de la musique de Chostakovitch, ne l’a jouée que quatorze fois en soixante ans; et elle fut totalement absente de son répertoire pendant trente-cinq ans). Cette symphonie n’en est pas moins saisissante à l’écoute. Qui aurait pu s’attendre à un langage et un style musical d’une nouveauté aussi radicale? Certains diront que dans les années 1920, les artistes qui dominaient la scène culturelle de la jeune république soviétique comme Filonov, Tatline, Malevitch et les cinéastes Meyerhold et Eisenstein travaillaient dans le même esprit. Néanmoins, de tous les compositeurs, Chostakovitch est le seul à éblouir par son originalité (surtout avec sa Symphonie nº 2 et son opéra Le Nez), et à captiver le public par son originalité même. C’est que sa musique est accessible aux gens ordinaires, pour qui l’émotion est l’élément qui doit primer dans l’art. Ainsi en est-il des tableaux du brillant peintre d’avant-garde Pavel Filonov: on est d’abord frappé par la stridence des couleurs et puis progressivement on commence à discerner les contours d’une scène avec des personnages. Dans la Symphonie nº 2, il y a un épisode (juste avant l’entrée du chœur) qui représente, dit le compositeur, «la mort d’un petit enfant»; même si l’on ne sait rien de l’événement en question (pendant la Révolution, le jeune Chostakovitch a été témoin du meurtre d’un enfant dans la rue), et même si la musique n’évoque aucune scène précise en nous, la manière dont les thèmes sont repris tour à tour par les altos et les clarinettes force volontiers l’attention. C’est à ce public bienveillant et sensible que pensait le compositeur pensait lorsqu’il disait de sa symphonie: «C’est une musique simple et accessible aux plus modestes».

Structure et langage
La Symphonie nº 2 est également unique en son genre en ce sens que malgré l’étrangeté de son langage musical et l’absence de forme sonate, elle relève d’une écriture d’une clarté absolue, autrement dit d’un programme implicite mais néanmoins précis. Tout commence par un «sombre chaos» où s’entrelacent les cordes et le tempo s’accélère. La couleur jaillit à l’entrée des cuivres dont le matériau mélodique brille par contraste. Vient ensuite un nouveau développement: la fermentation. Les voix des treize instruments s’empilent progressivement les unes sur les autres (à commencer par le violon), et la masse atonale résonne sur cinquante-trois mesures. L’univers naît du chaos en libérant une énorme quantité d’énergie! L’univers, c’est aussi la société: la libération émerge des «profondeurs» avec des cris de protestation et des proclamations retentissantes qui dominent la symphonie. Après le contraste de l’épisode de «la mort d’un petit enfant», au signal du sifflet d’usine, incorporé dans l’orchestre, le chœur se met à chanter. Toute la tension issue du montage dramaturgique mis au point par Chostakovitch trouve sa résolution dans le finale choral de la Symphonie nº 2, hymne dont la constance tonale et la force d’intonation ne nuit en rien, voire même renforce le texte de propagande de Bezymenski.

Évolution
La critique s’empresse souvent, contre toute attente, de chercher à comprendre l’origine du style avant-gardiste de la Symphonie nº 2. Elle évoque alors les aînés de Chostakovitch—Hindemith, Stravinski, Honegger—mais sans découvrir de lien direct entre la Symphonie nº 2 et leurs œuvres, que le jeune compositeur soviétique connaissait bien. Cette musique est donc, pourrait-on dire, le produit d’un pur génie, comme le fut celle de Charles Ives quelques décennies auparavant et dans un autre pays. La brillante formation musicale de Chostakovitch et son ouverture d’esprit ne font aucun doute; ceci dit, l’écriture dont relève la Symphonie nº 2 ne trouve d’équivalent dans la musique moderne que trente-cinq à quarante ans plus tard (avec Ligeti et Penderecki). Si Chostakovitch évite plus tard de s’expliquer là-dessus, c’est probablement parce que cela lui rappelle de pénibles souvenirs. Quoi qu’il en soit, la fugue extraordinairement imposante du premier mouvement de la Symphonie nº 4 («l’horreur de la multitude humaine», comme j’ai osé l’appeler) doit beaucoup à l’empilement des treize voix dans la Symphonie nº 2.

En outre, les citations de «chants révolutionnaires» des Symphonies nº 11 et nº 12 ne manquent pas de rappeler À Octobre (rebaptisée par la suite Symphonie nº 2). Par ailleurs, le folklore russe est à peine évoqué dans la Symphonie nº 2 et, dans l’ensemble, l’idéologie de l’État bolchévique comme celle de la musique classique lui sont totalement étrangères.

On pourrait néanmoins affirmer, sans craindre de se contredire, que la partition du jeune Chostakovitch est à l’image même de la Révolution, tant est nouveau son langage et puissant l’élan créateur dont elle procède.

extrait des notes rédigées par Leonid Gakkel © 2010
Français: Mireille Ribière

Entstehung
Diese einsätzige Komposition für Chor und Orchester, geschrieben vom damals 21-jährigen Dmitri Schostakowitsch, wurde erst später zur Zweiten Sinfonie umbenannt. Als die Musik 1927 der Öffentlichkeitvorgestellt wurde, hieß sie „An den Oktober“ und war ein Werk zur Feier des zehnten Jahrestags der Oktoberrevolution. Es bereitete dem Komponisten keine Probleme, einen Auftrag des staatlichen sowjetischen Musikverlags anzunehmen, und er akzeptierte auch ohne größere Einwände den ideologieträchtigen Text des Dichters Alexander Besymenski, den der Verlag vorschlug. Womöglich erwies sich der Text dann allerdings doch als problematisch für Schostakowitsch, denn die Arbeit an der Musik zog sich über ein halbes Jahr hin. Beim Hören der 17-minütigen Sinfonie erweckt sie jedoch den Eindruck, als sei sie in einem breiten Wurf geschrieben.

Das Fesselnde
Die Zweite Sinfonie gehört zweifellos nicht zu den bekannteren Werken des Komponisten (selbst in der Philharmonie von St. Petersburg, der Bastion von Schostakowitschs Musik, wurde sie im Verlauf von sechzig Jahren nur 14 Mal aufgeführt, dabei 35 Jahre lang überhaupt nicht). Doch wer sie hört, kann sich ihrem Bann nicht entziehen. Wer hätte gedacht, dass eine in offiziellem Auftrag entstandene Komposition sprachlich und stilistisch derartig radikal wäre? Man könnte dagegenhalten, dass in den 1920er Jahren die Meister der jungen sowjetischen Kunst wie die Maler Filonow, Tatlin und Malewitsch und die Regisseure Meyerhold und Eisenstein in einer ähnlichen Richtung arbeiteten. Doch unter den Komponisten verblüffte allein Schostakowitsch mit seiner Originalität (insbesondere in seiner Zweiten Sinfonie und der Oper Die Nase)—zumal einer Originalität, die die Menschen auch begeisterte, das heißt, sie war den einfachen Menschen zugänglich, für die Gefühl die wesentliche Qualität der Kunst ist. Es ergeht einem wie mit den Gemälden des brillanten Avantgarde-Künstlers Pawel Filonow: Zunächst ist man von den schroffen, farbenkräftigen Akzenten gebannt, dann entdeckt man darin die Umrisse einer lebendigen Szene. In der Zweiten Sinfonie gibt es einen Abschnitt (bevor der Chor einsetzt), den der Komponist „Tod eines Kindes“ nannte. Die Zuhörer kennen den Hintergrund dieser Episode möglicherweise nicht (während der Revolution wurde der junge Schostakowitsch Zeuge, wie auf der Straße ein Kleinkind getötet wurde), vielleicht finden sie in der Musik auch nichts Bildliches, doch die alternierendenThemen derBratschen und der Klarinetten zwingen das Publikum zur Konzentration. Auf jeden Fall stand dem Komponisten das mitfühlende, innige Publikum vor Augen, als er über die Sinfonie sagte: „Es ist schlichte Musik, die den weniger Bemittelten zugänglich ist.“

Struktur und Sprache
Einzigartig an der Zweiten Sinfonie ist auch, dass sie—wenn man die ungewöhnliche musikalische Sprache bedenkt sowie das völlige Fehlen einer Sonatenform—eine außergewöhnliche kompositorische Klarheit besitzt, man könnte auch sagen: ein unverkennbares, wenn auch unerläutertes, Programm. Anfangs herrscht „dunkles Chaos“: verwobene Streicherlinien und ein sich beschleunigender rhythmischer Schlag. Langsam nimmt die Musik Farbe an, die Blechbläser setzen mit ihrem eher hellen Melodiematerial ein. Ein neuer Abschnitt der Entwicklung beginnt: Fermentation. Allmählich bauen sich (ausgehend von der Geige) übereinander die Stimmen der dreizehn Instrumente auf, die atonale Klangmasse vibriert über 53 Takte hinweg. Aus dem Chaos wird der Kosmos geboren, was unfassliche Energien freisetzt. Und es gibt auch einen sozialen Kosmos: Aus den „unteren Tiefen“ steigt die Befreiung auf, donnernde Protestrufe und Deklamationen beherrschen die Sinfonie. Nach einem kontrastierenden Zwischenspiel (Tod eines Kindes) setzt auf das Signal einer Fabriksirene hin—die ins Orchester integriert ist—der Chor ein. Im Chorfinale wird der Druck der Dramaturgie, den Schostakowitsch in dieser Sinfonie aufbaute, aufgelöst. Das Finale ist eine Hymne fester tonaler Konstanten und erhöhter Intonation, die die propagandistische Lyrik Besymenskis nicht behindert, sondern vielmehr unterstreicht.

Damals und später
Bei der Beschäftigung mit dieser Sinfonie nehmen viele Kritiker eine ungewöhnliche Warte ein und versuchen, die Ursprünge ihres avantgardistischen Stils zu eruieren. Sie erwähnen Schostakowitschs ältere Zeitgenossen—Hindemith, Strawinski, Honegger—und finden von ihnen keine direkte Verbindung zur Musik der Zweiten, wiewohl der junge sowjetische Musiker mit deren Schaffen natürlich vertraut war. Man könnte die Meinung vertreten, diese Musik sei das Werk eines wahren Genies, wie etwa auch die Musik Charles Ives´ aus einer früheren Generation und einem anderen Land. An Schostakowitschs herausragender Ausbildung und seinem umfassenden Blick kann kein Zweifel bestehen, dennoch verblüfft, dass der kompositorische Ansatz, den er in der Zweiten Sinfonie verfolgte, in der modernen Musik erst 35 bis 40 Jahre später wieder zu hören war (bei Ligeti und Penderecki). Die Tatsache, dass der reife Schostakowitsch nicht gerne über dieses Werk sprach, hängt wohl mit den missliebigen Erinnerungen zusammen, die die Gründe für ihre Entstehung umgeben. Wie dem auch sei, die ungemein imposante Fuge im ersten Teil der Vierten Sinfonie („das Grauen der Menschenmenge“, wie ich es einmal nannte) ist stark der 13-stimmigen Passage in der Zweiten Sinfonie verpflichtet.

Zweifellos klingt „An den Oktober“ auch in den Zitaten aus den Revolutionsliedern in der Elften und Zwölften Sinfonie an. Doch hier, in der Zweiten, ist das volkstümliche Material nur ahnungsweise zu hören, insgesamt fehlt dem Werk jede bolschewistische Staatsideologie und auch jede Ideologie der klassischen Musik.

Dennoch kann man mit Fug und Recht behaupten, dass die Partitur des jungen Schostakowitschs eine Verkörperung der Revolution darstellt, sowohl in der Erneuerung der Sprache als auch in der Gewalt ihres kreativen Impulses.

aus dem Begleittext von Leonid Gakkel © 2010
Deutsch: Ursula Wulfekamp

Как это появилось?
Одночастное сочинение для оркестра и хора, написанное 21-летним Дмитрием Шостаковичем, лишь задним числом было названо Второй симфонией: когда его впервые публично показали в 1927 году, оно называлось «Посвящение Октябрю» и предназначалось для музыкального празднества в честь десятилетия Октябрьской революции. Композитор без колебаний взял соответствующий заказ Государственного издательства, а также без особого сопротивления принял лозунговый текст поэта Александра Безыменского, предложенный издательством. Может быть, именно этот текст стал для Шостаковича проблемой. Во всяком случае, работа над партитурой растянулась на полгода, хотя при слушании семнадцатиминутной симфонии у нас создается впечатление, что она создана одним неослабевающим усилием.

Что в ней поражает?
Вторая симфония—отнюдь не самое известное произведение композитора (ведь даже в Петербургской филармонии, этом оплоте музыки Шостаковича, оно было исполнено всего четырнадцать раз за шестьдесят лет; тридцать пять лет его не исполняли вообще). Но симфония неизменно поражает всех, кто ее слушает. Можно ли ожидать от сочинения на официальную тему такой радикальности языка и стиля? Скажут, что сходным образом работали в 1920-е годы мастера молодого советского искусства: художники Филонов, Татлин, Малевич, режиссеры Мейерхольд и Эйзенштейн. Но из композиторов только Шостакович (более всего во Второй симфонии и в опере «Нос») ошеломил новизной, притом новизна еще и увлекала, а значит, была доступна простому человеку, для которого эмоциональность важнее всего в любом искусстве. Это как на картине гениального авангардиста Павла Филонова: сначала она воздействует на вас резким красочным акцентом, а потом вы начинаете распознавать в ней контуры жизненной реальности. Во Второй симфонии есть эпизод (перед вступлением хора), который автор называл «Смерть младенца»; можно ничего не знать о реальной подоплеке этого эпизода (в годы революции юный Шостакович видел сцену уличного детоубийства), можно не находить в музыке ничего изобразительного, но следующие друг за другом темы альтов и кларнета заставляют слушателя душевно сосредоточиться. Во всяком случае, отзывчивую и чистосердечную публику имел в виду композитор, когда говорил о своей симфонии: «Музыка простая и доступна для небогатых».

Построение и язык
Вторая симфония уникальна еще и в том, что при непривычности музыкального языка и полном отсутствии сонатной схемы она обладает совершеннейшей композиционной ясностью или, если угодно, четкой, хотя и не объявленной программой. Вначале—«темный хаос», переплетающиеся линии струнных инструментов и учащающийся ритмический пульс. Колорит проясняется: вступают медные духовые с относительно ярким мелодическим материалом. Новая фаза развития: брожение. Друг над другом постепенно надстраиваются голоса тринадцати инструментов (начиная со скрипки), атональная звуковая масса вибрирует на протяжении пятидесяти трех тактов. Космос рождается из хаоса, выбрасывая огромное количество энергии! Можно говорить и о социальном космосе: «из низов» приходит освобождение, громовые возгласы протеста и утверждения занимают авансцену симфонии. После контрастной интермедии («Смерть младенца») по сигналу фабричного гудка, введенного в состав оркестра, начинает петь хор. В хоровом финале разрешается все напряжение монтажной драматургии, принятой Шостаковичем для своей Второй симфонии; этот финал есть гимн с твердыми тональными устоями, с приподнятой интонацией, которой не только не мешает, но и усиливает плакатный текст Безыменского.

Тогда и потом
В суждениях о Второй симфонии часто появляется необычный угол зрения: пытаются понять, откуда взялся ее авангардный стиль. Называют старших современников Шостаковича: Хиндемита, Стравинского, Онеггера… и не находят у них никаких прямых соответствий с музыкой Второй симфонии, если считать, что молодой советский композитор хорошо знал их творчество. Склонен думать, что эта музыка есть продукт чистой гениальности, как было, например, у Чарльза Айвза из предыдущего композиторского поколения и из другой страны. Конечно, нет сомнений в блестящей выучке и широком кругозоре Шостаковича, но ведь те приемы письма, которые он использовал во Второй симфонии, появились в современной музыке только спустя тридцать пять—сорок лет (у Лигети, Пендерецкого). От этой симфонии сам ее автор немало получил в будущем, а то, что зрелый Шостакович на словах чуждался ее, можно объяснить неприязненными воспоминаниями о причинах ее появления. Во всяком случае немыслимо впечатляющее фугато в первой части Четвертой симфонии («ужас людского множества»,—как я позволил себе однажды написать о нем) немало обязано тринадцатиголосному эпизоду во Второй.

А цитаты из «революционных песен» в Одиннадцатой и Двенадцатой симфониях разве не были перекличкой с программным содержанием «Посвящения Октябрю» (не забудем о названии Второй симфонии)? Другое дело, что здесь, во Второй, фольклорный материал проходит лишь тенью и что в целом эта симфония решительным образом очищена от идеологии большевистского государства, а также и от идеологии классической музыки.

Но можно было бы сказать, не боясь никаких парадоксов, что сама партитура молодого Шостаковича является воплощенной революцией—как в обновлении языка, так и в мощи созидательного порыва.

Leonid Gakkel © 2010

Recordings

Shostakovich: Symphonies Nos 2 & 11
Studio Master: MAR0507Download onlyStudio Master FLAC & ALAC downloads available

Details

Section 1: Largo – Crotchet = 152 – Poco meno mosso – Allegro molto
Section 2: Crotchet = 152 – Meno mosso – Moderato
Section 3: To October
Track 3 on MAR0507 [6'40] Download only

Track-specific metadata for MAR0507 track 1

Largo – Crotchet = 152 – Poco meno mosso – Allegro molto
Artists
ISRC
RU-A52-10-00701
Duration
7'18
Recording date
1 February 2010
Recording venue
Concert Hall of the Mariinsky Theatre, St Petersburg, Russia
Recording producer
James Mallinson
Recording engineer
Jonathan Stokes & Neil Hutchinson
Hyperion usage
  1. Shostakovich: Symphonies Nos 2 & 11 (MAR0507)
    Disc 1 Track 1
    Release date: December 2010
    Download only
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