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The premiere of the concerto, for which Piatigorsky was joined by the Boston Symphony Orchestra conducted by Charles Munch, took place in Boston in January 1957, the same forces reassembling to record it a few days later. In good cello-concerto fashion, the work’s first appearance met with a rather cool reception. The only explanation I can hazard is that by the time it was written (many years after Walton’s acclaimed concertos for violin and viola) the lyricism of the writing had become unfashionable; composers were expected to reflect the perceived darkness and anger of the modern nuclear world, not to write sweeping, warm-hearted music that might actually make that world a better place. There is plenty of fire in this work, but no anger; reflection, but no despair. Not nearly enough suicide chic to please the critics of the time, in fact.
Walton was of course very hurt by the lack of enthusiasm for his new work, which he felt was the best of his three concertos, and ‘the closest to his personality’ (according to Susana). His insecurity surfaces in a letter he wrote a few years later to his publisher about Britten’s Cello Symphony: ‘[The Cello Symphony] is not, as I’m unpopularly inclined to think … as good as mine. True, it’s more full of tricks, but what of ’em?’ This is hardly fair to Britten’s tragic masterpiece; but Walton did have reason to be extremely proud of his own work—it is surely one of the very greatest of all cello concertos, a deeply felt poetic utterance.
The work opens with a calm, lapping figure in the orchestra, over which the cello spins a dreamy melody; tenderness and bravura alternate throughout this compact Moderato. The scherzo is as impassioned as it is brilliant, soaring melodies interweaved with the virtuosity. Drama abounds in the finale, a set of ‘improvisations’ on a meditative theme; two sword-wielding cello cadenzas envelop a fiery tutti that anticipates the ‘Spitfire’ music Walton would later write for the film Battle of Britain. But at the end of the equally dramatic second cadenza, a surprise awaits: in a moment of moonlit beauty the bravura suddenly melts away, and we are returned to the visionary world of the first movement. From there, we gently revisit the concerto’s opening, as well as the theme of the finale, before the work comes to rest peacefully on the cello’s lowest note, a sonorous C.
from notes by Steven Isserlis © 2016
La création du concerto, que Piatigorsky joua avec l’Orchestre symphonique de Boston sous la direction de Charles Munch, eut lieu à Boston en janvier 1957, les mêmes musiciens se rassemblant pour l’enregistrer quelques jours plus tard. Comme la plupart des bons concertos pour violoncelle, la première apparition de cette œuvre suscita un accueil assez froid. La seule explication que je puisse me risquer à donner, c’est qu’à l’époque où il fut composé (de nombreuses années après le succès des concertos pour violon et pour alto de Walton), le lyrisme de l’écriture n’était plus à la mode; on attendait des compositeurs qu’ils reflètent l’obscurité et la colère du monde nucléaire moderne, pas d’écrire une musique captivante et chaleureuse qui pourrait vraiment rendre ce monde meilleur. Cette œuvre regorge de fougue, mais pas de colère; de réflexion, mais pas de désespoir. En fait, pas tout à fait assez de chic suicidaire pour plaire aux critiques de l’époque.
Walton fut bien sûr très blessé par le manque d’enthousiasme suscité par sa nouvelle œuvre, qui était, à son avis, le meilleur de ses trois concertos et «le plus proche de sa personnalité» (selon Susana). Son inquiétude se manifeste dans une lettre qu’il écrivit quelques années plus tard à son éditeur à propos de la Symphonie pour violoncelle de Britten: «[La Symphonie pour violoncelle] n’est pas, comme j’ai tendance à le penser de façon impopulaire … aussi bonne que [mon concerto]. Il est vrai qu’elle regorge d’astuces, et puis quoi?» Ce n’est pas très juste pour le chef-d’œuvre tragique de Britten: mais Walton avait vraiment raison d’être fier de sa propre œuvre—c’est sûrement l’un des plus grands concertos pour violoncelle au monde, une formulation poétique très profonde.
L’œuvre commence par une calme figure clapotante à l’orchestre, sur laquelle le violoncelle tisse une douce mélodie; la tendresse et la bravoure alternent dans tout ce Moderato dense. Le scherzo est aussi passionné que brillant, des mélodies qui surgissent se mêlant à la virtuosité. Le finale, des improvisations sur un thème méditatif, regorge de drame; les deux cadences du violoncelle brandissant une épée enveloppent un tutti enflammé qui préfigure la musique «de Spitfire» que Walton allait écrire plus tard pour le film Battle of Britain («Bataille d’Angleterre»). Mais à la fin de la seconde cadence tout aussi dramatique, une surprise nous attend: dans un moment de beauté éclairée par la lune, la bravoure se dissipe soudain et l’on retourne à l’univers visionnaire du premier mouvement. À partir de là, on revisite doucement le début du concerto, ainsi que le thème du finale, avant que l’œuvre vienne se reposer paisiblement sur la note la plus grave du violoncelle, un do sonore.
extrait des notes rédigées par Steven Isserlis © 2016
Français: Marie-Stella Pâris
Die Premiere des Konzerts wurde von Piatigorsky zusammen mit dem Boston Symphony Orchestra unter der Leitung von Charles Munch im Januar 1957 in Boston gegeben; einige Tage später fand man sich nochmals zusammen, um das Werk aufzunehmen. In bester Cellokonzert-Tradition war die Reaktion auf das Werk zunächst recht unterkühlt. Ich kann hier höchstens mutmaßen, dass zur Entstehungszeit dieses Konzerts (viele Jahre nach Waltons gefeierten Konzerten für Violine und Viola) der lyrische Satz nicht mehr der Mode entsprach; von den Komponisten wurde erwartet, dass sie die gefühlte Dunkelheit und Wut der modernen, nuklearen Welt reflektierten, und nicht ausladend-warmherzige Musik schrieben, die die Welt möglicherweise sogar verbessern könnte. Dieses Werk enthält reichlich Feuer, aber keinen Zorn; Besinnung, aber keine Verzweiflung. Und offensichtlich nicht genügend selbstmörderischen Schick, um bei den zeitgenössischen Kritikern auf Zustimmung zu stoßen.
Walton war natürlich sehr verletzt über die ausbleibende Begeisterung ob seines neuen Werkes—seiner Meinung nach war es das beste seiner drei Konzerte und „seiner Persönlichkeit am nächsten“ (wie seine Frau Susana erklärte). Seine Verunsicherung wird in einem Brief deutlich, den er einige Jahre später an seinen Verleger über Brittens Cello-Symphonie schrieb: „[Die Cello-Symphonie] ist, meiner unbeliebten Einschätzung nach, nicht … so gut wie mein Konzert. Es ist wahr, dass sie mehr Effekte enthält—na und?“ Zwar ist dies natürlich kein faires Urteil über das tragische Meisterwerk von Britten, jedoch konnte Walton auf sein eigenes Werk zu Recht sehr stolz sein. Es ist ohne Zweifel eines der größten Cellokonzerte aller Zeiten, ein tiefempfundener Ausdruck der Poesie.
Das Werk beginnt mit einer ruhigen, plätschernden Figur im Orchester, worüber das Cello eine träumerische Melodie spinnt; Zärtlichkeit und Bravour wechseln einander in diesem kompakten Moderato ab. Das Scherzo ist gleichermaßen leidenschaftlich und brillant, emporsteigende Melodien sind in virtuose Passagen eingeflochten. Im Finale—„Improvisationen“ über ein meditatives Thema—geht es höchst dramatisch zu; zwei schwertschwingende Kadenzen umschließen ein feuriges Tutti, in dem die „Spitfire“-Musik vorweggenommen wird, die Walton später für den Film Battle of Britain („Luftschlacht um England“) komponieren sollte. Doch am Ende der ebenso dramatischen zweiten Kadenz steht eine Überraschung bereit: in einem Augenblick mondbeschienener Schönheit schmilzt die Bravour plötzlich dahin und wir befinden uns wieder in der phantastischen Welt des ersten Satzes. Von dort aus geht es kurz zu dem Beginn des Konzerts und dem Thema des Finales zurück, bevor das Werk friedlich auf dem tiefsten Ton des Cellos—einem klangvollen C—endet.
aus dem Begleittext von Steven Isserlis © 2016
Deutsch: Viola Scheffel
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