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Track(s) taken from CDA67672

Concerto for violin, piano and orchestra, H342

composer
1 December 1952 - 10 March 1953, New York; first performed by the dedicatees Benno and Sylvia Rabinof with the San Antonio Symphony Orchestra under Victor Alessandro, in San Antonio on 13 November 1954

Bohuslav Matoušek (violin), Karel Košárek (piano), Czech Philharmonic Orchestra, Christopher Hogwood (conductor)
Recording details: April 2004
Dvořák Hall, Rudolfinum, Prague, Czech Republic
Produced by Zdeněk Zahradník
Engineered by Tomáš Zikmund
Release date: February 2008
Total duration: 27 minutes 43 seconds

Cover artwork: Silver Birches by Dorothée Martin du Mesnil (b1959)
Private Collection / Bridgeman Images
 

Reviews

‘With its fresh invention and lively demeanour, [Concerto da camera] remains one of his more popular concertos although it has never received its due on disc. This newcomer sets that omission straight, however, crisply performed and immaculately recorded. The same applies to its companion pieces … strongly recommended’ (Gramophone)

‘Christopher Hogwood and Bohuslav Matoušek are entirely at home with this repertoire: there is a wealth of interpretative details, but what impresses most is the bigger picture and strong sense of where Martinů is going … in this clear recording there is a huge amount to enjoy’ (BBC Music Magazine)

‘The Concerto da Camera is an inventive and satisfying score in Martinů's Concerto Grosso mode with an appealing variation first movement radiating vitality … Christopher Hogwood has developed into an outstanding Martinů interpreter and the performances are first-class’ (International Record Review)

‘Matoušek enjoyes a distinctly concertante approach to the Concerto da camera, only at the appropriate moments stepping into the soloist's role … Matoušek revels in the technical demands of the Czech Rhapsody and caresses its long, flowing melodies with considerable beauty. Karel Košárek is the excellent pianist, and the Czech Philharmonic is well versed in Martinů's personalised tonal qualities. There's immaculately balanced sound with transparency throughout the orchestra’ (The Strad)

‘Martinů is a terminally underrated figure; these blistering performances will hopefully provide a tipping-point of recognition’ (Classic FM Magazine)

‘This disc is superb in every aspect from performance to recording quality, and will really force the listener to re-evaluate Martinů’s place among composers. Very highly recommended’ (Audiophile Audition, USA)

‘Like the first issue, his disc is an absolute delight from start to finish, and performances are utterly convincing. Hogwood keeps the music flowing naturally and everything here is a testimony to Martinů's fertile inventiveness. Sound and presentation are of a consistently fine quality’ (Classical.net)
Compared to the rather neo-Impressionistic works from this period—the most prominent one being the complex and dense Phantaisies symphoniques (Symphony No 6, H343)—the Concerto for violin, piano and orchestra appears to be surprisingly tonal and traditional. Its first movement, Poco allegro, combines neo-baroque techniques with elements of jazz. The toccata-like opening in D minor evokes the famous Double concerto for two string orchestras from 1938, and introduces a feverish ostinato around the basic note D. This is followed by a surprisingly Dvořák-like melody in the strings. The first entrance of the solo piano adopts the toccata of the orchestral introduction, but in E flat minor. The solo violin steps in, taking up the string melody of the introduction, now in E flat major. Throughout the middle section Martinů works with these two motifs. After the recapitulation a coda in E major closes the movement.

The second movement, Adagio, opens in a sort of E minor. Though very tonal again, here the proximity to his more typical music of that time such as The Greek Passion can be felt, distinguished by sudden changes of mood as well as of the density of orchestral texture. It feels like a strange meditation, anticipating with its simplicity Martinů’s elementary folk cantata Opening of the Springs from 1955.

The solo violin enters with a variant of its theme from the first movement. The piano joins in with figurative passagework in C major, at first providing an accompanimental backdrop for an orchestral oboe solo and only gradually developing into a genuine solo part. A richly figurative cadenza for the two solo instruments is followed by a vibrant orchestral melody that reminds us of the composer’s Czech origins. Here, for the first time, the typical Juliette chord progression appears, a sort of plagal cadence best known from his opera Juliette which also appears in several other works, especially from the 1950s. The movement closes in an emphatic C major.

The opening orchestral section of the Allegro reflects the world of Martinů’s Symphony No 4, written at the end of World War 2. The piano enters in C major with an optimistic variant of the toccata-like figuration of the first movement. Just two bars later it is joined by the solo violin. The second theme sounds like a highly unusual fusion of the expressive worlds of Dvořák’s violin concerto and late nineteenth-century Italian opera. Short melodic cells, however, refer to the neo-baroque period of Martinů. What seems at first to be a literal reprise is suddenly stopped after just thirteen bars by a highly operatic procedure: a long pause followed by an unusually dramatic, even tragic, entrance of the piano. It is easy to see at this point a sort of Faustian dilemma (‘Two souls live in my chest’), but we cannot know whether this was what Martinů had in mind. The dark vision is lightened slightly by the entrance of two clarinets and by a gradual tonal stabilization. Step by step the orchestra comes in. The coda is in Martinů’s favourite key of B flat major; it presents stretto fanfares from the oboes and trumpets and modulates to E minor. A chorale melody finally leads to the culmination in C major.

from notes by Aleš Březina © 2008

Comparé aux pièces contemporaines, plutôt néo-impressionnistes—la plus saillante étant les denses et complexes Fantaisies symphoniques (Symphonie no 6, H343)—, le Concerto pour violon, piano et orchestre paraît étonnamment tonal et traditionnel. Son premier mouvement, Poco allegro, mêle techniques néobaroques et éléments de jazz. L’ouverture en ré mineur, à la toccata, évoque le fameux Double Concerto pour deux orchestres à cordes de 1938 et introduit un fébrile ostinato autour de ré, la note de base. S’ensuit une mélodie curieusement dvořákienne, aux cordes. La première entrée du piano solo adopte la toccata de l’introduction orchestrale, mais en mi bémol mineur. Puis le violon solo entre à son tour en reprenant la mélodie introductive aux cordes, désormais en mi bémol majeur. Tout au long de la section centrale, Martinů travaille avec ces deux motifs. Passé la réexposition, une coda en mi majeur clôt le mouvement.

Le deuxième mouvement, Adagio, s’ouvre sur une sorte de mi mineur. Martinů est, là encore, fort tonal, mais la proximité avec sa musique plus typique de l’époque (telle La Passion grecque) est perceptible, marquée par de brusques changements de climat et de densité dans la texture orchestrale. Ce mouvement s’apparente à une étrange méditation, dont la simplicité anticipe la cantate populaire élémentaire L’éveil des sources (1955).

Le violon solo entre en variant son thème du premier mouvement. Le piano le rejoint avec un passage figuratif en ut majeur, fournissant d’abord un fond d’accompagnement au hautbois solo de l’orchestre pour devenir peu à peu une authentique partie solo. Une cadenza richement figurative pour les deux instruments solo précède une vibrante mélodie orchestrale qui nous rappelle les origines tchèques du compositeur. Ici apparaît pour la première fois la progression harmonique typique de Juliette, sorte de cadence plagale surtout connue dans cet opéra, mais présente aussi dans plusieurs autres œuvres, essentiellement des années 1950. Le mouvement s’achève sur un vigoureux ut majeur.

La section orchestrale liminaire de l’Allegro reflète l’univers de la Symphonie no 4 de Martinů, écrite à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Le piano entre en ut majeur et se livre à une variante optimiste de la figuration à la toccata du premier mouvement avant d’être rejoint par le violon solo, à peine deux mesures plus tard. Le second thème ressemble à une très insolite fusion des univers expressifs du concerto pour violon dvořákien et de l’opéra italien de la fin du XIXe siècle, même si de brèves cellules mélodiques renvoient à la période néobaroque de Martinů. Ce qui s’apparente d’abord à une reprise littérale est brusquement stoppé au bout de treize petites mesures par un procédé très opératique: une longue pause suivie d’une entrée du piano inhabituellement dramatique, voire tragique, où l’on aura beau jeu de voir une manière de dilemme faustien («Deux âmes habitent en mon sein»), mais sans pouvoir savoir si Martinů y songea. Deux clarinettes et une progressive stabilisation tonale viennent légèrement éclairer ce sombre tableau. Peu à peu, l’orchestre fait son entrée. La coda, en si bémol majeur (une tonalité chère à Martinů), présente des fanfares en strette aux hautbois et aux trompettes et module vers mi mineur. Enfin, une mélodie de choral mène à l’apogée en ut majeur.

extrait des notes rédigées par Aleš Březina © 2008
Français: Hypérion

Im Vergleich mit den ziemlich neoimpressionistischen Werken aus jener Zeit—das berühmteste davon ist die komplexe und dichte, mit Phantaisies symphoniques überschriebene Sinfonie Nr. 6 H343—scheint das Konzert für Violine, Klavier und Orchester überraschend tonal und traditionell zu sein. Sein erster Satz, Poco allegro, kombiniert neobarocke Techniken mit Jazzelementen. Die einer Toccata ähnliche Einleitung in d-Moll ruft das berühmte Doppelkonzert für zwei Streichorchester von 1938 in Erinnerung und führt ein fiebriges Ostinato um den Grundton D ein. Dieser Einleitung schließt sich eine überraschenderweise an Dvořák erinnernde Melodie in den Streichern an. Das Soloklavier übernimmt bei seinem ersten Einsatz die Toccata der Orchestereinleitung, allerdings in es-Moll. Die Solovioline tritt hinzu und übernimmt die Streichermelodie der Einleitung, nun allerdings in Es-Dur. Im gesamten Mittelteil arbeitet Martinů mit diesen zwei Motiven. Nach der Reprise beschließt eine Koda in E-Dur den Satz.

Der zweite Satz, Adagio, beginnt in einer Art e-Moll. Auch wenn dieser Satz wieder sehr tonal ist, kann man die Nähe zu der für Martinů in jener Zeit typischeren Musik, wie zum Beispiel The Greek Passion, spüren. Diese Musik zeichnet sich durch plötzliche Stimmungswechsel sowie einen dichten Orchestersatz aus. Der zweite Satz lässt an eine merkwürdige Meditation denken und nimmt mit seiner Schlichtheit Martinůs einfache, volkstümliche Kantate Otvírání studánek („Das Manifest der Brünnlein“) von 1955 vorweg.

Die Solovioline setzt mit einer Variante ihres Themas aus dem ersten Satz ein. Das Klavier gesellt sich mit figurativen Läufen in C-Dur hinzu, liefert damit zuerst einen begleitenden Hintergrund für ein Solo der Orchesteroboe und entwickelt sich erst allmählich zu einer eigenständigen Solostimme. Eine reich verästelte Kadenz für die zwei Soloinstrumente wird von einer leuchtenden Orchestermelodie gefolgt, die uns an die tschechische Herkunft des Komponisten erinnert. Hier taucht zum ersten Mal die typische Juliette-Akkordfolge auf, eine Art plagaler Schluss, der am meisten aus Martinůs Oper Juliette bekannt ist, aber auch in einigen anderen Werken auftaucht, besonders in den 1950er Jahren. Der Satz schließt mit einem emphatischen C-Dur.

Der einleitende Orchesterabschnitt des Allegros spiegelt die Welt aus Martinůs 4. Sinfonie wider, die gegen Ende des zweiten Weltkrieges entstand. Das Klavier setzt in C-Dur ein mit einer optimistischen Variante der einer Toccata ähnlichen Geste aus dem ersten Satz. Nur zwei Takte später tritt die Violine zum Klavier hinzu. Das zweite Thema klingt wie eine extrem ungewöhnliche Verschmelzung von Ausdruckswelten aus Dvořáks Violinkonzert und italienischen Opern des späten 19. Jahrhunderts. Kurze melodische Zellen verweisen jedoch auf Martinůs neobarocke Periode. Was zuerst wie eine notengetreue Wiederholung scheint, wird nach nur 13 Takten von einem stark opernhaften Verfahren plötzlich gebremst: nach einer langen Pause setzt das Klavier ungewöhnlich dramatisch, fast schon tragisch ein. Man kann an dieser Stelle leicht eine Art Faust’sches Dilemma („Zwei Seelen wohnen, ach, in meiner Brust“) erkennen, aber wir werden niemals wissen, ob Martinů tatsächlich daran gedacht hatte. Die dunkle Stimmung wird vom Einsatz zweier Klarinetten und einer allmählichen tonalen Stabilisierung leicht aufgehellt. Schritt für Schritt tritt das Orchester hinzu. Die Koda steht in Martinůs Lieblingstonart B-Dur. Hier erklingen Strettafanfaren von den Oboen und Trompeten und eine Modulation nach e-Moll. Eine Choralmelodie führt letztlich zum Höhepunkt in C-Dur.

aus dem Begleittext von Aleš Březina © 2008
Deutsch: Elke Hockings

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