Stabat mater

composer
author of text
Sequence for the Feast of Seven Dolours of the Blessed Virgin Mary

 
In his day, Astorga was best known for his chamber cantatas, of which more than one hundred and fifty survive. These are well written, tuneful and were thoroughly popular. Only the first Act of the opera Dafni now survives. But by far his most enduring work has proved to be a setting of the Stabat Mater, his only surviving sacred composition. Whether it was the apparent romance of his adventurous life that attracted people, or the allure of a wild nobleman who wrote good music, a veritable cult for Astorga grew up during the nineteenth century. Epics, dramas and novellas were written and, in the absence of much fact, legends were invented, colourfully describing the gruesome death of his father on the scaffold. Johann Joseph Abert wrote an opera in 1866 in which Astorga becomes deranged, only being brought back to sanity when his wife plays a few bars of his Stabat Mater setting. The work appeared in many manuscript copies, was published several times and performed with considerable frequency.

Hans Volkmann, Astorga's great champion and biographer at the start of the twentieth century, dated the Stabat Mater, purely (and rather debatably) on stylistic grounds, around 1707. There are equally valid arguments for any date up to around 1730. Whatever, throughout we see Astorga's gift for writing warm melodies, typical of the Neapolitan style of the time. He also captures the melancholy of this most desolate of sacred texts and, especially in the choruses, demonstrates a thorough grasp of counterpoint, but never at the expense of musicality. The work sets ten of the standard six-line verses, connecting two for the third, double-duet movement, but otherwise forming independent movements. In his scoring Astorga takes a variety of combinations of chorus, solo, duet and trio. The mixture of melody with melancholy, sweetness tempered with mild chromaticism, old-fashioned polyphony contrasted with Neapolitan cantilena, a surprisingly Germanic use of motivic development in the bel canto bass solo Fac me plagis vulnerari and the final, quietly operatic chorus which gently directs the listener away from the Virgin's sorrow towards the Carmelite missal's more optimistic 'palm of victory', all show an enormously attractive musical style. Composers and their work often enjoy a bumpy progression through history, but few paths can have been as bizarre as that of Astorga: in the eighteenth century a musical nobleman, during the nineteenth century a folk hero, and in the twentieth-century – oblivion.

from notes by Robert King © 1999

En son temps, Astorga fut surtout connu pour ses cantates de chambre, dont plus de cent cinquante survivent. Joliment écrites, mélodieuses, elles furent immensément populaires. Seul le premier acte de son opéra Dafni nous est parvenu. Mais son œuvre la plus durable est de loin une mise en musique du Stabat Mater, son unique pièce sacrée survivante. Qu’il fût dû à l’apparent caractère romanesque de sa vie aventureuse ou au charme d’un noble excentrique qui écrivait de la bonne musique, un véritable culte de Astorga se développa au cours du XIXe siècle. Épopées, draines et novella [N d.T.: bref récit – romanesque ou non – ou conte] virent le jour et, en l’absence de faits nombreux, des légendes furent inventées, brossant avec pittoresque le macabre trépas de son père sur l’échafaud. En 1866, Johann Joseph Abert écrivit un opéra où Astorga, devenu fou, n’est ramené à la raison que lorsque sa femme joue quelques mesures de son Stabat Mater. L’œuvre, parue dans maintes copies manuscrites, fut publiée plusieurs fois et interprétée extrêmement souvent.

Hans Volkmann, grand apôtre et biographe de Astorga au début du XXe siècle, data le Stabat Mater des environs de 1707, mais en se fondant sur des bases purement stylistiques (ce qui est quelque peu sujet à débat). En fait, des arguments tout aussi valables permettent d’étayer n’importe quelle date jusqu’en 1730. Qu’importe. Cette œuvre laisse voir le don de Astorga pour l’écriture de mélodies chaleureuses, typiques du style napolitain de l’époque. Le compositeur appréhende également la mélancolie du texte – le plus désolé de tous les textes sacrés – et, surtout dans les chœurs, fait montre d’une profonde compréhension du contrepoint, mais jamais aux dépens de la musicalité. L’œuvre met en musique dix des habituelles strophes de six vers, qui forment des mouvements indépendants, à l’exception du troisième mouvement, un double duo pour lequel deux strophes sont appariées. L’écriture de Astorga embrasse diverses combinaisons de chœurs, de solos, de duos et de trios. Le mélange de la mélodie à la mélancolie, la douceur tempérée par un léger chromatisme, la polyphonie surannée mise en contraste avec la cantilène napolitaine, un usage étonnamment germanique du développement motivique dans le solo de basse (un bel canto) Fac me plagis vulnerari et le chœur final, paisiblement opératique, qui éloigne calmement l’auditeur de l’affliction de la Vierge pour l’emmener vers «la palme de la victoire», plus optimiste, du missel carmélitain sont autant d’éléments révélateurs d’un style musical des plus séduisants. Les compositeurs et leurs œuvres jouissent souvent d’une progression cahotique dans l’histoire, mais peu de parcours ont été aussi bizarres que celui de Astorga: noble musicien au XVIIIe siècle, héros populaire au XIXe et … musicien oublié au XXe.

extrait des notes rédigées par Robert King © 1999
Français: Hypérion

Zu Lebzeiten war Astorga vorwiegend für seine Kammerkantaten bekannt, von denen über einhundertfünzig erhalten sind. Sie sind kompetent gesetzt und melodienreich und waren ausgesprochen populär. Von der Oper Dafni ist nur der erste Akt überliefert. Als sein bei weitem dauerhaftestes Werk erwies sich jedoch die einzige erhaltene geistliche Komposition, eine Vertonung des Stabat Mater. Ob es die scheinbare Romantik seines abenteuerlichen Lebens war, die so viele Leute anziehend fanden, oder der Reiz eines ungebärdigen Adligen, der gute Musik zu schreiben wußte, jedenfalls kam im 19. Jahrhundert ein wahrer Astorga-Kult auf. Es entstanden einschlägige Epen, Dramen und Novellen, und in Ermanglung von Fakten wurden Legenden ersonnen, die blumig den grausigen Tod seines Vaters auf dem Schaffott beschrieben. Johann Joseph Abert schrieb 1866 eine Oper, in der Astorga dem Wahnsinn verfällt und erst wieder zu Verstand kommt, als seine Frau ihm einige Takte aus seinem Stabat Mater vorspielt. Das Werk war in zahlreichen handschriftlichen Kopien in Umlauf, wurde mehrmals gedruckt und recht häufig aufgeführt.

Hans Volkmann, Astorgas begeisterter Fürsprecher und Biograph zu Beginn des 20. Jahrhunderts, datierte das Stabat Mater mit auschließlich (und umstritten) stilistischer Begründung auf die Zeit um 1707. Ebenso stichhaltige Gründe ließen sich für jedes Datum bis etwa 1730 anführen. Auf jeden Fall erkennen wir darin durchweg Astorgas Begabung für das Schreiben warmherziger Melodien, wie sie für den neapolitanischen Stil jener Zeit typisch waren. Außerdem fängt er die Melancholie dieses trostlosesten aller geistlichen Texte ein und demonstriert insbesondere in den Chören seine eingehende Beherrschung des kontrapunktischen Satzes, nie jedoch auf Kosten der Musikalität. Das Werk vertont zehn der gewohnten sechszeiligen Verse und faßt zwei zum dritten Satz zusammen, einem Doppelduett; ansonsten bildet jeder Vers einen eigenen Satz. Astorga setzt die verschiedensten Kombinationen von Chor, Solo, Duett und Trio ein. Ein Gemisch aus Melodik und Melancholie, Lieblichkeit, die durch milde Chromatik ausgeglichen wird, altmodische Polyphonie und im Kontrast dazu neapolitanischer Kantilenenstil, die überrraschend deutsch anmutende motivische Arbeit im Belcanto-Baßsolo Fac me plagis vulnerari und der abschließende, unaufdringlich opernhafte Chor, der den Hörer sanft von der Trauer der Jungfrau ablenkt und zur optimistischeren ‘Siegespalme’ des karmelitischen Meßbuchs hinführt – das alles sind Belege für einen ungeheuer attraktiven Musikstil. Komponisten und ihr Schaffen sind oft den Unwägbarkeiten der Geschichte ausgesetzt, doch können nur wenige Entwicklungen so bizarr verlaufen sein wieder die von Astorga: im 18. Jahrhundert ein musikalischer Edelmann, das 19. Jahrhundert hindurch ein Volksheld, und im 20. Jahrhundert – Vergessenheit.

aus dem Begleittext von Robert King © 1999
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller

Recordings

Boccherini & Astorga: Stabat mater
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Boccherini & Astorga: Stabat mater
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Details

Movement 1: Stabat mater dolorosa
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Movement 2: O quam tristis et afflicta
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Movement 3: Quis est homo, qui non fleret
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Movement 4: Eia mater, fons amoris
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Movement 5: Sancta mater, istud agas
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Movement 6: Fac me tecum pie flere
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Movement 7: Virgo virginum praeclara
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Movement 8: Fac me plagis vulnerari
Track 19 on CDA67108 [1'55] To be superseded by CDH55287
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Movement 9: Christe quam sit hinc exire
Track 20 on CDA67108 [4'04] To be superseded by CDH55287
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Track-specific metadata for SACDA67108 track 19

Movement 8: Fac me plagis vulnerari
Artists
ISRC
GB-AJY-99-10819
Duration
1'55
Recording date
24 February 1999
Recording venue
St Jude-on-the-Hill, Hampstead Garden Suburb, London, United Kingdom
Recording producer
Ben Turner
Recording engineer
Philip Hobbs
Hyperion usage
  1. Boccherini & Astorga: Stabat mater (CDA67108)
    Disc 1 Track 19
    Release date: September 1999
    Deletion date: January 2008
    To be superseded by CDH55287
  2. Boccherini & Astorga: Stabat mater (SACDA67108)
    Disc 1 Track 19
    Release date: September 1999
    Deletion date: August 2013
    Super-Audio CD — Deleted