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Track(s) taken from CDA67525

Symphony No 2

composer
1900/2, revised 1909

Dallas Symphony Orchestra
Recording details: January 2005
Eugene McDermott Concert Hall, Morton H Meyerson Symphony Center, Dallas, USA
Produced by Christoph Classen
Engineered by Andrés Villalta
Release date: October 2006
Total duration: 39 minutes 41 seconds
 

Reviews

‘A truly haunting effect’ (BBC Music Magazine)

‘No other version quite probes or reveals the unique and compelling world of Ives's imagination as does this’ (International Record Review)

‘Cherish the endearing Third for its alert phrasing; cherish the Fourth for the transcendental finale, beautifully caught by the microphones. Polished performances’ (The Times)

‘Litton and the Dallas Symphony realise very well Symphony No 3 … a powerful sense of community is captured—the hymn singing at camp meetings—the whole finely modulated and pointed, the second movement Scherzo being especially ear catching, and the finale ideally intense’ (Fanfare, USA)

‘These performances represent all that's best about American orchestras and conductors’ (MusicWeb International)

‘As Tony Haywood wrote in his appreciative review, you really need the companion disc, containing Nos 1 and 4 and Central Park in the Dark, to complete the picture— only, with no download, on CDA67540. The transition from No 1 to No 4 on this album is a real culture shock. Now the hymns, popular songs and marching tunes are juxtaposed and superimposed on each other in the second movement. I’m not sure that I can yet relate fully to this symphony, or that I ever shall, but I’m prepared to work at it for the sake of the sublime third movement and the powerful finale’ (MusicWeb International)

‘Stunning 'live' performances’ (Yorkshire Post)

‘What a wonderful surprise it has been, seeing the release of the complete Ives symphonies on Hyperion. I have no doubt that Andrew Litton's cycle will serve as the reference for many years to come … you won't hear a more insouciant account of the finale anywhere, while the second movement has a real spring to its step—its final bars are simply hilarious, less outrageous than the symphony's ending, but no less surprising in their own way … the Third Symphony isn't as easy to play as it sounds, and Litton not only captures the music's flow to perfection, he gives the small wind and brass complement plenty of opportunity to shine, albeit sensitively … finally, the engineering is rich, clear and vibrant. A major achievement, no doubt about it’ (Classics Today)

‘There are various 'one off' recordings of Ives’s symphonies, but Andrew Litton and Hyperion are to be commended for presenting these works splendidly played and excellently recorded in state-of-the-art sound … Litton is his own man and his reading is a very strong and convincing one’ (Classical Source)

«Quant à la Symphony nº 4, elle rend plus manifestes le projet spirituel, le savoir-faire musical, la matière sonore grouillante et la nature créatrice du compositeur. Là encore, le travail d'Andrew Litton est à saluer parce qu'il nous place dans le 'laboratoire' passionné de chaque œuvre, il joue chaque pièce pour ce qu'elle est et jamais au nom d'une 'vision' d'interprète qui recouvrait ce corpus décidément extraordinaire» (Le Monde de la Musique, France)
If it was Ives’s destiny to mediate between American and European elements in his music, the second symphony was his first important effort in that direction. Like the first symphony, the second is a big late-Romantic work in the spirit of Brahms, Tchaikovsky, and Dvořák. But its melodic material is new: quotes and adaptations of American tunes ranging from hymns to college tunes to the sentimental and sprightly songs of Stephen Foster. At the same time, there is an abiding presence of Dvořák’s ‘New World’ Symphony, and beyond that snippets of other familiar European pieces, their presence sometimes subtle and sometimes startling, like a window quickly opening and closing on another world: bits of Brahms’s first in every movement, hints of Tchaikovsky, Bach and Wagner. Some of these moments are undigested, and Ives was annoyed at them in later years, but they are clearly to the point of uniting the Old World and New.

The Andante moderato first movement is a stately fugue, Bachian in approach but recalling the brooding side of Brahms. The animated middle section suggests Bachian counterpoint, but its source is a fiddle tune called Pigtown Fling. With a jaunty lilt and a Scotch snap, the second movement Allegro molto breaks in, the first theme of this proper sonata form derived from the Civil War song Wake Nicodemus and the gospel hymn Bringing in the Sheaves. The wistfully pretty second theme quotes the Ivy League tune Where, oh where are the pea-green freshmen?. Memorable in the development section are a warm and beautiful reminiscence of When I survey the wondrous cross and a snippet of Brahms’s first symphony.

The Adagio cantabile third movement is Romantically passionate, the main theme starting with an evocation of the hymn Beulah Land and ending with an earnest peroration on America the Beautiful. The middle section of this ABA form reaches a climax of almost Tchaikovskian passion. The fourth movement’s Lento maestoso amounts to a long introduction to the finale, its material a shortened recall of the opening-movement fugue (revealing the second, like all the Ives symphonies, as a ‘cyclic’ work, with themes recurring among the movements).

Then Ives applies the spurs: the finale is marked Allegro molto vivace and amounts to a rollicking fiddle tune. The theme is Ives’s, but its underpinning is Foster’s Camptown Races, which finally emerges onto the surface in the horns. Part of the breathless and headlong quality of the finale comes from its quick shifts of direction, like montage in film; an example is the fife-and-drum corps that breaks into the end of the first-theme section (we’re back in sonata form). The gentle second theme evokes Foster’s Old Black Joe. The finale’s coda is a romping Ivesian quodlibet, recalling that old genre in which familiar tunes are stacked up in counterpoint. Here it is a grand brass-band review of themes from the whole symphony that climaxes with the trombones blaring out Columbia, the gem of the ocean at ffff—as loud as possible, if not louder.

Then comes the famous last chord, a yawping tone cluster that Ives added decades after the symphony was finished. It is generally taken as the old Ives thumbing his nose at the conventionalities of the piece, but his explanation makes a quite different point: he noted that at old-time dances fiddlers would often signal the end of the evening with a raking dissonance across the strings. So the end of the second symphony is another demonstration of Ives’s love of the concrete realities of everyday music, and their indelible connection to the heart and soul.

The second symphony is a kind of joyful revolution, the first work for the concert hall with an unmistakable American voice. But for nearly fifty years it was an unheard revolution: largely finished by 1902, it did not receive its premiere until 1951, by the New York Philharmonic under Leonard Bernstein. And Ives never wrote another piece like it.

from notes by Jan Swafford © 2006

Si le destin musical d’Ives était de servir de médiateur entre les éléments américains et européens, alors la Symphonie nº 2 fut sa première tentative importante en ce sens. Comme la Symphonie nº 1, cette vaste œuvre est marquée par le romantisme tardif, dans l’esprit de Brahms, de Tchaïkovsky et de Dvořák. Mais son matériau mélodique est neuf, avec des citations et des adaptations d’airs américains, qu’il s’agisse d’hymnes, d’airs de collège ou de mélodies sentimentales et guillerettes de Stephen Foster. Dans le même temps, la Symphonie du «Nouveau Monde» de Dvořák est constamment là, secondée par des bribes d’autres pièces européennes connues, à la présence tantôt subtile, tantôt saisissante, telle une fenêtre sitôt ouverte sitôt refermée sur un autre monde—fragments de la Symphonie nº 1 de Brahms à chaque mouvement, allusions à Tchaïkovsky, à Bach et à Wagner. Certains de ces moments sont mal digérés, et Ives en fut par la suite mécontent, mais ils sont de toute évidence à mêmes d’unir l’Ancien et le Nouveau Monde.

Le premier mouvement Andante moderato est une majestueuse fugue d’approche bachienne mais qui rappelle le côté inquiétant de Brahms. La section centrale animée a beau faire penser à un contrepoint de Bach, elle ne s’en inspire pas moins d’un air de violon baptisé Pigtown Fling. Le deuxième mouvement Allegro molto fait son entrée, avec une cadence enjouée et un rythme lombard. Le premier thème de cette authentique forme sonate est dérivé du chant de la guerre de Sécession intitulé Wake Nicodemus et de l’hymne évangélique Bringing in the Sheaves. Le second thème, à la beauté mélancolique, cite l’air de l’Ivy League [NdT: ensemble des huit grandes universités du nord-est des États-Unis], Where, oh where are the pea-green freshmen?. La section de développement recèle des instants mémorables: une chaleureuse et belle réminiscence de When I survey the wondrous cross et un fragment de la Symphonie nº 1 de Brahms.

Le troisième mouvement Adagio cantabile, d’un romantisme passionné, voit son thème principal s’ouvrir sur une évocation de l’hymne Beulah Land et s’achever en une très sincère péroraison sur America the Beautiful. La section centrale de cette forme ABA atteint un apogée d’une passion quasi tchaïkovskienne. Le quatrième mouvement Lento maestoso s’apparente à une longue introduction jusqu’au finale, avec pour matériau une reprise abrégée de la fugue du mouvement d’ouverture (preuve que, comme toutes les symphonies d’Ives, la nº 2 est une œuvre «cyclique», avec des thèmes récurrents au sein de ses mouvements).

C’est alors qu’Ives donne un coup d’éperon: marqué Allegro molto vivace, le finale équivaut à un joyeux air de violon. Le thème est ivesien, mais étayé par Camptown Races de Foster, dont la mélodie finit par émerger aux cors. Le finale tire en partie son côté haletant et impétueux de ses rapides changements de direction, comme au montage d’un film—ainsi le corps de fifres et de tambours qui fait irruption à la fin de la section du premier thème (nous sommes de nouveau en forme sonate). Le paisible second thème évoque Old Black Joe de Foster.

La coda du finale est un facétieux quodlibet ivesien, renouvelé de ce vieux genre musical qui empilait des airs familiers en contrepoint. Ici, l’orchestre de cuivres passe en revue les thèmes de toute la symphonie, un moment grandiose qui culmine lorsque les trombones beuglent Columbia, the gem of the ocean à ffff—aussi fort que possible, et plus encore.

Survient ensuite le fameux dernier accord, un bruyant cluster qu’Ives ajouta des décennies après avoir achevé cette symphonie. On y voit généralement l’image du vieil Ives faisant un pied de nez aux conventionnalismes de son œuvre, mais le compositeur a une toute autre explication: il fit remarquer que, lors des bals du temps jadis, les violoneux signifiaient la fin de la soirée par une rapide dissonance aux cordes. La conclusion de la Symphonie nº 2 prouve donc une nouvelle fois l’amour d’Ives pour les réalités concrètes de la musique quotidienne, indéfectiblement liées au cœur et à l’âme.

La Symphonie nº 2 est une manière de révolution joyeuse, la première œuvre destinée au concert à afficher une voix indéniablement américaine. Mais durant presque cinquante ans, cette révolution ne fut pas entendue: pratiquement achevée en 1902, l’œuvre ne fut créée qu’en 1951 par le New York Philharmonic, sous la baguette de Leonard Bernstein. Jamais Ives ne récrira pareille pièce.

extrait des notes rédigées par Jan Swafford © 2006
Français: Hypérion

Sollte Ives’ Berufung tatsächlich aus der Vermittlung zwischen amerikanischen und europäischen Elementen in seiner Musik bestanden haben, dann war die 2. Sinfonie seine erste wichtige Errungenschaft in dieser Richtung. Die 2. Sinfonie ist wie die erste ein großes spätromantisches Werk im Geiste von Brahms, Tschaikowsky und Dvořák. Aber ihr melodisches Material ist neu. Sie enthält Zitate und Bearbeitungen amerikanischer Melodien von Kirchen- über Studentenliedern bis zu den sentimentalen und spritzigen Songs eines Stephen Fosters. Gleichzeitig spürt man überall den Geist von Dvořáks Sinfonie „Aus der Neuen Welt“, und daneben hört man Ausschnitte von anderen vertrauten europäischen Stücken. Ihre Gegenwart ist manchmal subtil und manchmal unverhofft, sie wirken wie auf eine andere Welt schauende Fenster, die sich schnell öffnen und schließen: etwas aus Brahms’ 1. Sinfonie in jedem Satz, Anklänge an Tschaikowsky, Bach und Wagner. Einige dieser Momente sind unverdaut, und Ives ärgerte sich in späteren Jahren über sie, aber sie kommen der Vermittlung zwischen Alter und Neuer Welt sehr nahe.

Der erste Satz, Andante moderato, ist eine stattliche Fuge im Stile Bachs aber mit Erinnerungen an die grübelnde Seite von Brahms. Der aufgeregte Mittelteil mahnt an Bachs Kontrapunkt, aber sein Grundbaustein ist eine Violinmelodie namens Pigtown Fling. Mit flottem Schwung und einem schottischen Walzerrhythmus bricht der zweite Satz, Allegro molto, ein. Das erste Thema dieses in richtiger Sonatenform gehaltenen Satzes wurde vom Bürgerkriegslied Wake Nicodemus und dem Gospelsong Bringing in the Sheaves abgeleitet. Das wehmütige hübsche zweite Thema zitiert ein Studentenlied der Ivy League [Gemeinschaftsbezeichnung für sieben Eliteuniversitäten und eine Hochschule im Osten der USA] Where, oh where are the pea-green freshmen?. Im Durchführungsabschnitt prägt sich besonders eine warme und wohlklingende Erinnerung an When I survey the wondrous cross und Ausschnitte aus Brahms’ 1. Sinfonie ein.

Der dritte Satz, Adagio cantabile, ist romantisch leidenschaftlich. Das Hauptthema beginnt mit einer Beschwörung des Kirchenlieds Beulah Land und endet mit einem ernsthaften Redeschluss über America the Beautiful. Der Mittelteil dieses in ABA-Form gehaltenen Satzes erreicht einen leidenschaftlichen Höhepunkt von fast Tschaikowsky’scher Größenordnung. Der vierte Satz, Lento maestoso, entpuppt sich als lange Einleitung zum abschließenden fünften Satz. Das Material des vierten besteht aus verkürzten Erinnerungen an die Fuge des einleitenden Satzes (und offenbart dabei das zyklische Konzept der zweiten Sinfonie, das allen Sinfonien von Ives zugrunde liegt, wobei Themen in verschiedenen Sätzen wiederkehren).

Dann schnallt Ives die Sporen an: Der Schlusssatz ist mit Allegro molto vivace überschrieben und wird von einer spielerischen Violinmelodie beherrscht. Das Thema ist Ives’ eigenes, aber sein Unterbau stammt aus Fosters Song Camptown Races, dessen Melodie schließlich in den Hörnern an die Oberfläche dringt. Teil des atemlosen und vorwärts treibenden Charakters des Schlusssatzes liegt in den schnellen Richtungsänderungen begründet, die wie eine Filmmontage wirken. Ein Beispiel ist das Querpfeifen- und Trommelkorps, das am Ende des Hauptthemenabschnitts einbricht (man hat es hier wieder mit einer Sonatenform zu tun). Das sanfte zweite Thema erinnert an Fosters Old Black Joe.

Die Koda des Schlusssatzes ist ein für Ives typisches herumtollendes Quodlibet, in dem der Komponist die alte Gattung wieder aufleben lässt, in der bekannte Melodien kontrapunktisch verschränkt werden. Hier handelt es sich um eine grandiose Blechblaskapellenrevue aus Themen der gesamten Sinfonie. Diese Revue erreicht ihren Höhepunkt im von den Posaunen im vierfachen Forte triumphierend gespielten Columbia, the gem of the ocean—so laut wie möglich, wenn nicht sogar lauter.

Dann kommt der berühmte letzte Akkord, ein wüster Toncluster, den Ives viele Jahre, nachdem er die Sinfonie abgeschlossen hatte, hinzufügte. Diesen Akkord interpretiert man gewöhnlich als eine sich den Konventionen des Stückes widersetzende Geste des alten Ives. Seine eigene Erklärung verweist aber auf etwas ganz anderes: Er hatte bemerkt, dass die zum Tanz aufspielenden Geigenspieler aus alten Zeiten das Ende des Abends häufig mit einer schneidenden Dissonanz über die Seiten signalisierten. Damit ist das Ende der 2. Sinfonie ein weiterer Beweis für Ives’ Liebe zu den konkreten Erscheinungsformen von Alltagsmusik und ihrer untrennbaren Verbindung zu Herz und Seele.

Die 2. Sinfonie ist eine Art freudige Revolution, das erste Werk für den Konzertsaal mit einer unmissverständlichen amerikanischen Stimme. Aber fast 50 Jahre lang war sie eine ungehörte Revolution: 1902 lag das Werk fast vollständig vor, seine Uraufführung durch die New York Philharmonic unter Leonard Bernstein fand aber erst 1951 statt. Ives schrieb niemals ein gleichartiges Stück.

aus dem Begleittext von Jan Swafford © 2006
Deutsch: Elke Hockings

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