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Track(s) taken from LSO0751

Apollon musagète

composer
1927-1928

London Symphony Orchestra, Sir John Eliot Gardiner (conductor)
Studio Master FLAC & ALAC downloads available
CD-Quality:
Studio Master:
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Studio Master:
Recording details: May 2013
Barbican, London, United Kingdom
Produced by Nicholas Parker
Engineered by Jonathan Stokes
Release date: April 2014
Total duration: 30 minutes 12 seconds
 

Reviews

‘Fanny Ardant is not only a film star but has experience of the French classical theatre, home of good declamation. She is, throughout, classical but also personal. The risk lies in loss of the formal convention of emotional distance intrinsic to the work, but the manner suits Mme Ardant and it matches Sir John Eliot Gardiner’s approach. Without distorting the form, he allows his singers more expressive freedom than is usual. Stuart Skelton, even if perhaps more emotional than Stravinsky might have liked, brings increasing tension into his interpretation … this is a beautiful performance' (Gramophone)

'With its unflagging direction, its strong sense of drama and its mostly impeccable singing, Gardiner is a serious contender for anyone wanting a version to put alongside the classic versions' (International Record Review)

'Factor in tight, crisp playing by the LSO, the fine Jocasta of Jennifer Johnston and subtle string colouring in Apollon Musagète, and it adds up to a fine celebration' (Yorkshire Post)

'It makes sense that the conductor John Eliot Gardiner, a pioneer of the early music movement, and the impressive Monteverdi Choir, founded by Mr Gardner in 1964, would have a special feeling for the old-world musical elements of Oedipus Rex, all of which come through on this gripping recording taken from live performances with the London Symphony Orchestra last year' (The New York Times)
Apollon musagète must surely be the apogee of what became known as Stravinsky’s ‘neoclassicism’. Commissioned by the American patron Elizabeth Sprague Coolidge, Stravinsky chose, as he explains in his autobiography, ‘to compose a ballet founded on moments or episodes in Greek mythology plastically interpreted by dancing of the so-called classical school’. He wanted to create what he termed a ‘ballet blanc’, a score of great blanc’ purity and unity, in which violent contrasts were avoided and all elements were pared down to their simplest. Hence it is scored for strings alone and makes almost exclusive use of diatonic harmony (the equivalent of the ‘white notes’ on the piano keyboard). For Georges Balanchine, choreographer of the 1928 European premiere, the work was a revelation: ‘In its discipline and restraint, in its sustained oneness of tone and feeling … [Apollon] seemed to tell me that I could dare not to use everything, that I, too, could eliminate’. The result was the perfect union of music and dance in the expression of pure, classical beauty.

And how did Stravinsky achieve this sense of order as symbolised by the Greek god Apollo? One means was to look to poetry. Each dance explores a basic iambic (short–long) pattern; the ‘Variation of Calliope’ (the muse of poetry) is headed by two lines from Boileau and takes the twelve-syllable lines of the alexandrine as its rhythmic model. Another means was to allude to the stateliness of French Baroque dances, such as the ouverture style of the opening ‘Birth of Apollo’ or the pavane-like second ‘Variation of Apollo’. The closing ‘Apotheosis’, Apotheosis’ in which Apollo leads the three Muses towards Parnassus, brings together the various rhythmic elements of the work in music that is not just serenely beautiful but also seems to speak of something deeper and darker, something beyond reason and order. Stravinsky looks back to ancient Greece, but is ultimately only able to see the reflection of his own tragic age. Even when at his most classical, we hear, once again, the voice of Stravinsky the exile.

from notes by Jonathan Cross © 2009

Achevé en janvier 1928, Apollon musagète est le premier ballet que Stravinsky a écrit pour une compagnie autre que celle de Diaghilev, et sa première commande venue des Etats-Unis. La demande de la Library of Congress portait sur une pantomime pour trois ou quatre danseurs et petit orchestre, sur un sujet laissé au choix du compositeur; Stravinsky répondit par le premier de ses ballets abstraits, sans argument, et sa première partition pour orchestre à cordes. Lorsqu’il se lança la composition en juillet 1927, il semble avoir envisage d’inclure également une harpe et un piano; il connaissait alors déjà le sujet, si ce n’est les détails de l’argument—celui-ci semble ne jamais avoir revêtu une grande importance à ses yeux, à en croire la remarque qu’il fit lors d’une interview à Paris selon laquelle Apollon musagète ne contenait pas d’argument et que telle était la clef du «mystère de Terpsichore».

Les commanditaires d’œuvres d’art se font généralement une idée du résultat attendu, et à n’en point douter ils sont plus souvent déçus que l’inverse. Mais Apollon musagète constitua certainement l’une des plus grandes surprises artistiques de l’histoire. Voilà que le grand épouvantail de la musique moderne, dont la notoriété reposait encore largement sur Le Sacre du Printemps mais qui commençait à se faire un nom parmi les tenants du dernier courant culturel en vogue, un formalisme inflexible s’appuyant sur un anti-expressionisme théorétique et aride, voilà que ce musicien, soudain, présentait une partition pour cordes onctueuse, gracieuse, qui sonnait de manière suspecte comme une tentative de faire renaître le ballet français romantique d’Adam et Delibes. A l’époque, Oedipus Rex était presque terminé; est-ce qu’il aurait été plus facile, à la lumière de cet étrange panachage entre Haendel et Verdi, de prévoir Apollon musagète? Pas plus facile, peut-être, que de prévoir l’ouvrage suivant de Stravinsky, Le Ballet de la fée, un ballet sur des thèmes de Tchaïkovski, à la lumière d’Apollon musagète.

Techniquement, si ce n’est esthétiquement, Apollon musagète trouve assez bien place dans la période qui débute avec le petit opéra Mavra (1921–22) et l’Octuor à vent (1922–23)—une période dont la préoccupation délibérée est la relation entre forme et expression. Le véritable sujet du ballet est la mise en forme théâtrale de cette interrogation. Apollon musagète, guide des Muses et dieu de la perfection formelle, naît, grandit, mûrit et entre au Parnasse à la tête des Muses Calliope, Polymnie et Terpsichore (poésie, mime et danse). Ces personnages exécutent une série de danses majestueuses mais pleines de vigueur, qui prennent modèle sur les formules du ballet romantique français tout en défendant clairement les vertus de la retenue et de l’artifice classiques dans les différents modes de l’expression intellectuelle, émotionnelle et physique.

Stravinsky déclara que les rythmes d’Apollon musagète reposaient sur l’idée de la versification. Chaque danse est une variation sur un schéma ïambique, peut-être à la manière du vers donné de Paul Valéry, chez qui un poème entier peut surgir de minuscules fluctuations sur un mètre immuable à l’arrière-plan. Depuis longtemps déjà, ce type de procédés était fondamental dans la technique rythmique de Stravinsky; mais, dans Apollon musagète, ces variations se manifestent discrètement, sans l’emphase violente qu’elles peuvent avoir dans ses ballets antérieurs. Ce genre d’exposés soigneux de la méthode est caractéristique de la période néoclassique. Stravinsky déclara en outre que l’importance d’Apollon musagète résidait dans son sens de la longue ligne, un trait déjà sensible dans Mavra et dans l’Octuor, mais accentué par la capacité de l’orchestre à cordes à soutenir le son. Et si cette qualité concerne essentiellement la mélodie, elle nourrit également un riche contrepoint, en particulier le canon à quatre voix du «Pas d’action».

extrait des notes rédigées par Stephen Walsh © 2013
Français: Claire Delamarche

Apollon musagète wurde im Januar 1928 abgeschlossen und war das erste Ballett, das Strawinski nicht für Djaghilews Truppe komponierte. Dieses Werk war auch Strawinskis erster Auftrag aus den USA. Er kam von der Library of Congress und bat um eine Pantomime über ein wahlfreies Thema für drei oder vier Tänzer und kleines Orchester. Auf diesen Auftrag reagierte Strawinsky mit seinem ersten abstrakten, handlungsfreien Ballett und allerersten Werk für Streichorchester. Als Strawinski im Juli 1927 zu komponieren begann, zog er anscheinend auch den Einsatz von Harfe und Klavier in Erwägung. Für das Sujet hatte er sich schon entschieden, auch wenn er sich über die Einzelheiten der Handlung noch nicht im Klaren war. Tatsächlich maß er der Handlung offenbar nie große Bedeutung bei, wenn man seiner Bemerkung in einem Pariser Interview Glauben schenken darf, in dem er behauptete, Apollon musagète enthalte keine „dramaturgische Entwicklung“ [argument], und das sei gerade „der Schlüssel zum Geheimnis der Terpsichore“ [Übersetzung aus dem Englischen, d. Ü.].

Leute, die ein Kunstwerk in Auftrag geben, erwarten gewöhnlich ein gewisses Resultat, auch wenn sie sicher nicht selten enttäuscht werden. Apollon musagète lieferte jedoch gewiss eine der größten künstlerischen Überraschungen aller Zeiten. Hier war das große Schreckgespenst moderner Musik—den meisten noch immer wegen seines Le sacre du printemps [Das Frühlingsopfer] bekannt, auch wenn es den Kulturinteressenten auf der Höhe ihrer Zeit unlängst durch seinen stahlharten und durch trockenen theoretischen Anti-Expressionismus gerechtfertigten Formalismus aufgefallen war—und legte plötzlich eine schmelzende, anmutige Partitur für Streicher vor, die verdächtig danach klang, als ob sie versuchte, das französische romantische Ballett eines Adams und Delibes wiederzubeleben. Zu jenem Zeitpunkt war Oedipus Rex fast abgeschlossen. Hätte man den Apollon musagète nach dieser erstaunlichen Mischung aus Händel und Verdi eher voraussehen können? Ebenso unwahrscheinlich wie die Voraussage von Strawinskis nächstem Werk, Le Baiser de la fée [Der Kuss der Fee], ein Ballett über Themen von Tschaikowski, nach dem Hören von Apollon musagète.

Kompositionstechnisch, wenn nicht sogar ästhetisch, passt Apollon musagète recht gut in die Schaffensphase, die mit der kleinen Oper Mavra (1921–22) und dem Bläseroktett (1922–23) begann und in der sich Strawinski bewusst mit der Beziehung zwischen Form und Ausdruck auseinandersetzte. Schon allein das Sujet des Balletts, wie begrenzt es auch sein mag, ist eine auf die Bühne gebrachte Fassung dieses Themas. Apollon, der Anführer der Musen und Gott formaler Perfektion kommt zur Welt, wird erwachsen und erreicht den Parnass als Herr der Musen Kalliope, Polyhymnia und Terpsichore: Dichtung, Pantomime und Tanz. Er und sie führen eine Reihe standbildhafter, wenn auch kraftvoller Tänze aus, die sich an den Konventionen des französischen romantischen Balletts orientieren, aber offenbar die Vorteile klassischer Zurückhaltung und Künstlichkeit in den Formen des intellektuellen, emotionellen und physischen Ausdrucks preisen.

Strawinski behauptete, die Rhythmen von Apollon musagète beruhen auf dem Prinzip der Versbildung. Jeder Tanz ist eine Variation über einen jambischen Versfuß, vielleicht in der Art von Paul Valérys Vers donné, wo ein ganzes Gedicht aus minuziösen Abweichungen von einem unveränderten, im Hintergrund wirkenden Metrum besteht. Solche Verschiebungen hatten in Strawinskis rhythmischer Technik schon immer eine entscheidende Rolle gespielt, aber in Apollon musagète tauchen sie diskret, ohne die gewaltsame Betonung in seinen früheren Balletten auf. Diese sorgfältige Umsetzung der Methode ist für Strawinskis neoklassizistische Phase typisch. Strawinski gab zudem zu verstehen, dass sich Apollon musagète durch ein Gefühl langer Linien auszeichnet. Zwar gab es so etwas schon in der Mavra und dem Oktett. In Apollon musagète wurde dieser Eindruck jedoch dank der Möglichkeiten eines Streichorchesters zum Aushalten eines Tons noch verstärkt. Dieser Ansatz mag sich hauptsächlich um Melodie drehen, er bereitet aber auch einen guten Nährboden für Kontrapunkt, besonders in dem vierstimmigen Kanon in der „Szene: Apollon und die Muse”.

aus dem Begleittext von Stephen Walsh © 2013
Deutsch: Elke Hockings

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