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According to Bloch: ‘It is possible to imagine that the solo cello is the incarnation of King Solomon, and that the orchestra represents his internal world and his experience of life, though sometimes it is the orchestra that seems to reflect Solomon’s thoughts, while the solo instrument voices his words: “All is vanity.”’ Bloch places much emphasis on the king’s pessimism, despite ‘the royal pomp, the treasure, the wealth, the power, the women, all that a man might desire in this world’, and ‘the barbaric coloration of an Oriental world’ that surround him. The rhapsodic manner and glittering instrumentation may give the work an improvised air, but the underlying structure is a sturdy ‘ternary’ form (ABA), plus an introduction and coda.
The heroic melody that appears before and during the great orchestral climaxes occurring towards the end of the first and third sections of Schelomo is built upon motifs that bear a remarkable resemblance to the those of Tzur Yisroel (‘Rock of Israel’), a traditional chant that Bloch received from Reuben Rinder (1887–1966, Cantor at Temple Emanu-El, San Francisco) in the late 1920s while preparing his Avodath Hakodesh (‘Sacred Service’, 1930–33). Nevertheless, although numerous motifs throughout the six published works of the ‘Jewish Cycle’ are the composer’s subconscious transformations of biblical and cantorial chant, in only one instance did Bloch acknowledge that he had consciously taken a melody from a traditional source—a motif that his father ‘sang often, in Hebrew’, which appears for the first time at the beginning of the middle section of Schelomo. Bloch quoted the Hebrew text in a letter written to his mother four years after the work had been completed; and the melody is, in fact, an adaptation of a South German cantorial chant Uv’chen ten pachdecha, sung in Ashkenazi synagogues during High Holy Days.
‘Almost all my works, even the darkest ones, still end optimistically, or at least with some hope. This is the only one that concludes in complete negation. But the subject demanded it.’ The opening of Ecclesiastes confirms Bloch’s observation: ‘The words of Kohelet, the son of David, king in Jerusalem. Vanity of vanities, saith Kohelet … And I applied my heart to seek and to search out by wisdom concerning all things that are done under heaven … and, behold, all is vanity and a striving after wind.’
Despite the enormously demanding technical skills required of the soloist, this is not a concerto in the usual sense, and virtuosity is always the servant of that expressiveness in which the spiritual and sensual are fused.
from notes by Alexander Knapp © 2012
«On peut imaginer, explique Bloch, que le violoncelle solo est l’incarnation du roi Salomon, et que l’orchestre symbolise son univers intime et son expérience de la vie, encore que ce soit parfois l’orchestre qui semble refléter ses pensées, tandis que l’instrument solo énonce ses paroles: “Tout est vanité.”» Bloch insiste beaucoup sur le pessimisme de ce roi qu’entourent pourtant «la pompe royale, le trésor, la richesse, le pouvoir, les femmes, tout ce qu’un homme pourrait désirer en ce monde» et «l’exubérance débridée d’un monde oriental». Même si elle peut paraître improvisée, avec sa manière rhapsodique et son ornementation scintillante, cette œuvre a pour structure sous-jacente une robuste forme ternaire (ABA), assortie d’une introduction et d’une coda.
La mélodie héroïque qui survient avant et pendant les grands apogées orchestraux, vers la fin des première et troisième sections de Schelomo, est bâtie de motifs ressemblant beaucoup à ceux de Tzur Yisroel («Rocher d’Israël»), un chant sacré traditionnel que Bloch tenait de Reuben Rinder (1887–1966, chantre à la synagogue Emanu-El de San Francisco) à la fin des années 1920, alors qu’il préparait son Avodath Hakodesh («Service sacré», 1930–1933). Mais, alors même que maints motifs des six œuvres publiées du «Cycle juif» sont des métamorphoses subconscientes du chant biblico-cantoral, Bloch admit un seul emprunt mélodique conscient à une source traditionnelle—un motif que son père «chantait souvent, en hébreu» et qui apparaît pour la première fois au début de la section centrale de Schelomo. Quatre ans après l’avoir intégré dans cette œuvre, Bloch en cita le texte hébreu dans une lettre adressée à sa mère; la mélodie est, en réalité, adaptée d’un chant cantoral d’Allemagne du Sud, Uv’chen ten pachdecha, interprété dans les synagogues ashkénazes pendant les Jours suprêmes.
«Presque toutes mes œuvres, y compris les plus sombres, s’achèvent sur une note d’optimisme, ou du moins d’espoir. Celle-ci est la seule à se terminer dans la négation complète. Mais le sujet l’exigeait.» Ces propos de Bloch, l’ouverture de l’Ecclésiaste vient les confirmer: «Paroles de Qohèlet, fils de David, roi à Jérusalem. Vanité des vanités, dit Qohèlet … Et j’ai appliqué mon cœur à rechercher et à sonder par la sagesse tout ce qui se fait sous les cieux … et voici, tout est vanité et pâture de vent.»
Malgré la considérable maîtrise technique exigée du soliste, il ne s’agit pas là d’un concerto au sens habituel du terme, et la virtuosité est toujours au service de cette expressivité fusionnant spirituel et sensuel.
extrait des notes rédigées par Alexander Knapp © 2012
Français: Hypérion
Bloch erklärte: „Es ist durchaus möglich, sich das Solocello als Verkörperung König Salomos vorzustellen, wobei das Orchester seine innere Welt und seine Lebenserfahrung repräsentiert. Manchmal scheint das Orchester jedoch auch Salomos Gedanken zu reflektieren, während das Solo-Instrument seine Worte wiedergibt: «Es ist alles ganz eitel.»“ Bloch betont besonders den Pessimismus des Königs, obwohl er von „Prunk, Herrlichkeit, Reichtum, Macht, Frauen und allem, was ein Mann in dieser Welt begehren kann“ und der „barbarischen Färbung einer orientalischen Welt“ umgeben ist. Der rhapsodische Stil und die glänzende Instrumentierung mögen dem Werk zwar eine improvisatorische Atmosphäre verleihen, doch ist die ihm zugrundeliegende Struktur eine solide „dreiteilige“ Form (ABA) mit Einleitung und Coda.
Die heroische Melodie, die vor und während der großen Orchesterhöhepunkte gegen Ende des ersten und dritten Teils von Schelomo erklingt, ist auf Motiven aufgebaut, die eine bemerkenswerte Ähnlichkeit zu denen in Tzur Yisroel („Felsen Israels“) haben, einem traditionellen Gesang, den Bloch von Reuben Rinder (1887–1966, Kantor am Tempel Emanu-El in San Francisco) gegen Ende der Zwanziger Jahre erhalten hatte, als er seinen Avodath Hakodesh („Heiliger Gottesdienst“, 1930–33) vorbereitete. Obwohl mehrere Motive in den sechs veröffentlichten Werken des „Jewish Cycle“ von dem Komponisten unbewusst abgewandelte Versionen biblischer und kantorialer Gesänge sind, bestätigte Bloch in nur einem Fall, dass er die Melodie einer traditionellen Quelle entnommen habe—ein Motiv, welches sein Vater „oft auf Hebräisch gesungen“ hatte und das erstmals zu Beginn des Mittelteils von Schelomo erscheint. Vier Jahre nach Vollendung des Stücks zitierte Bloch den hebräischen Text in einem Brief an seine Mutter; bei der Melodie handelt es sich tatsächlich um eine Bearbeitung eines süddeutschen kantorialen Gesangs, Uv’chen ten pachdecha, der an Hohen Feiertagen in aschkenasischen Synagogen gesungen wurde.
„Fast alle meine Werke, selbst die düstersten, enden trotzdem optimistisch, oder wenigstens mit ein bisschen Hoffnung. Dies ist das Einzige, das in völliger Negierung schließt. Das Thema verlangte es so.“ Der Beginn des Buches Kohelet bestätigt Blochs Beobachtung: „Die Reden von Kohelet, dem Sohn Davids, des Königs zu Jerusalem. Es ist alles ganz eitel, sagt Kohelet … Ich habe mein Herz darauf gerichtet, die Weisheit zu suchen und alles zu erforschen, was unter dem Himmel getan wird … und siehe, alles ist Eitelkeit und ein Haschen nach dem Wind.“
Obwohl das Werk für den Solisten technisch ungeheuer anspruchsvoll ist, handelt es sich hierbei nicht um ein Konzert im normalen Sinne, und die Virtuosität ist stets der Expressivität untergeordnet, in der sich das Spirituelle und Sinnliche vereinen.
aus dem Begleittext von Alexander Knapp © 2012
Deutsch: Viola Scheffel