Published in 1898, the Piano Concerto (October 1896–April 1897), Scriabin’s first work to involve orchestra, was first heard in public at a concert in Odessa on 23 October 1897, conducted by Safonov with the composer himself as soloist. Reaction was mixed. Rimsky-Korsakov and St Petersburg could only find negative things to say. Yuli Engel and Moscow, on the other hand, welcomed it. So, too, did London. Of one performance, given by Scriabin with Henry Wood at the Queen’s Hall in March 1914, the critic of The Musical Times remarked: ‘Here there are no harmonic problems to embarrass the uninitiated. Much of the music makes its immediate appeal to anyone sensitive to beauty. To say that much of it is Chopinesque is to give it praise.’ Scriabin played it many times in Russia and Europe, including in 1911 in Moscow under Rachmaninov (who was himself four years later to take the solo part in concerts to the composer’s memory conducted by Siloti and Koussevitzky).

One of the forgotten jewels of the repertoire, the Scriabin Concerto, for all its impassioned climax points, is not a ‘big’ work in the Tchaikovsky/Rachmaninov sense, nor is it, pianistically, a study in Lisztian transcendentalism or ‘Romantic Revival’ bombast. Rather, it is a document of refinement, of introspection, of finely-spun keyboard tracery, an enshrinement of fundamentally inward feeling, of impulses personal and intimate.

The first movement, classically disciplined in structure, romantically rhapsodic in decoration, is a sonata design, with three main ideas in the exposition (the second, più mosso, scherzando, a unisonal fragment of dance-like association). The spiritually-charged Mahlerian, Death in Venice world of its Neapolitanised coda is extraordinary. The central Andante, in Scriabin’s ‘bright blue’ mystic key of F sharp major, comprises a set of five contrasting character variations on a chorale-like theme for muted strings. The finale takes the form of a sonata-rondo, with a short development episode (44 bars) based closely and organically on the first and second subjects, and a long coda (59 bars). Harmonically more diatonic than the opening movement, its particular expressive polarity may best be explained, perhaps, by the tonal oscillation of its first idea (F sharp minor / A major), the emotional peaking of the second, and the distinctively plagal bias of the very last cadential ascent—a spectacular peroration.

from notes by Ateş Orga © 1994

Publié en 1898, le Concerto pour piano (octobre 1896–avril 1897), première œuvre de Scriabine utilisant l’orchestre, fut représenté en public pour la première fois à Odessa le 23 octobre 1897 sous la direction de Safonov avec le compositeur comme soliste. Les réactions sont mitigées. Rimski-Korsakov et St Pétersbourg ne peut qu’en dire du mal. Yuli Engel et Moscou, en revanche, l’accueillent favorablement. Londres fait de même. Au sujet d’une représentation donnée par Scriabine avec Henry Wood au Queen’s Hall en mars 1914, le critique du Musical Times note: «Ici, pas de problèmes harmoniques pour gêner le novice. L’essentiel de la musique exerce son attrait immédiat sur toutes les personnes sensibles à la beauté. Dire du concerto qu’il s’inspire en grande partie de Chopin revient à en faire l’éloge.» Scriabine l’a joué de nombreuses fois en Russie et Europe, entre autres à Moscou en 1911 sous la direction de Rachmaninov (qui allait prendre la partie du soliste quatre plus tard dans des concerts organisés à la mémoire du compositeur et dirigés par Siloti et Koussevitzky).

Joyau oublié du répertoire, le concerto de Scriabine, malgré ses apogées passionnées, n’est pas une «grande» œuvre au sens de Tchaïkovski/Rachmaninov. Ce n’est pas non plus, du point de vue pianistique, une étude de transcendentalisme à la manière de Liszt ou un exemple de grandiloquence du «renouveau romantique». C’est plutôt un document de raffinement ou d’introspection, de la dentelle pour le clavier, la consécration de sentiments fondamentalement intérieurs, d’impulsions personnelles et intimes.

Dans sa structure, le premier mouvement affiche une discipline classique, sa décoration est romantique, à la manière d’une rhapsodie. Sa conception est celle d’une sonate avec trois idées principales dans l’exposition (la deuxième, più mosso, scherzando, étant un fragment à l’unisson évoquant la danse). Le monde mahlérien à forte charge spirituelle (Mort à Venise) de sa coda arrangée à la napolitaine est extraordinaire. L’Andante central, en fa dièse majeur, une clé mystique d’un «bleu vif» pour Scriabine, comporte un ensemble de cinq variations aux caractères contrastés sur un thème de choral pour cordes en sourdine. Le finale prend la forme d’une sonate-rondo avec un développement court (44 barres) proche des premier et deuxième sujets et d’une longue coda (59 barres) et fondamentalement lié à eux. Plus diatonique dans son harmonie que le premier mouvement, sa polarité expressive particulière trouve probablement sa meilleure explication dans l’oscillation tonale de sa première idée (fa dièse mineur / la majeur), l’apogée émotionnelle de la deuxième et le penchant plagal de l’ultime ascension cadentielle: une péroraison spectaculaire.

extrait des notes rédigées par Ateş Orga © 1994
Français: Jean-Paul Metzger

Scriabins Klavierkonzert, sein erstes mit Orchester, entstand zwischen Oktober 1896 und April 1897 und wurde zum ersten Mal öffentlich bei einem Konzert in Odessa am 23. Oktober 1897 unter der Leitung von Sofonow und dem Komponisten selbst als Solist aufgeführt. Veröffentlicht wurde das Werk 1898. Die Reaktion darauf fiel unterschiedlich aus. Rimsky-Korsakow und St. Petersburg hatten nur Negatives zu sagen. Yuli Engel und Moskau andererseits nahmen es freudig auf. Wie auch London. Von einem Konzert, das Scriabin mit Henry Wood in der Queen’s Hall im März 1914 gab, schrieb der Kritiker der Musical Times: „Hier liegen keine Harmonieprobleme vor, mit denen Uneingeweihte in Verlegenheit gebracht werden könnten. Vieles dieser Musik besitzt einen unmittelbaren Reiz für alle, die für die Schönheit empfindlich sind. Wenn man sagt, daß eine Menge davon an Chopin erinnert, spricht man nur Lob aus.“ Scriabin spielte das Konzert häufig in Rußland und Europa—darunter 1911 in Moskau unter Rachmaninow (der später in den Gedächtniskonzerten an den Komponisten unter der Leitung von Siloti und Koussewitzki selbst den Soloteil übernahm).

Als eines der längst vergessenen Juwelen des Repertoires ist das Scriabin-Konzert trotz all seiner leidenschaftlichen Höhepunkte, kein „großes“ Werk im Sinne von Tschaikowski oder Rachmaninow. Auch ist es, pianistisch gesehen, keine Studie nach Art des Lisztschen Transzendentalismus oder „neuromantischen“ Bombastes. Es ist eher ein Beweis für Kultiviertheit, oder Introspektion, feingesponnenen Tastaturmaßwerkes, ein Schrein für grundlegend innere Gefühle, für persönliche und intime Impulse.

Der erste Satz, in seiner Struktur klassisch diszipliniert, in der Verzierung romantisch rhapsodisch, besitzt eine Sonatenform—drei Hauptthemen in der Exposition (das zweite, più mosso, scherzando, ein einstimmiges Fragment tanzartiger Assoziation). Die intellektuelle Mahlersche Tod in Venedig-Welt seiner neapolitanisierter Koda ist außerordentlich. Das zentrale Andante—in Scriabins „hellblauer“ mystischen Fis-Dur-Tonart—besteht aus fünf gegensätzlichen Charaktervariationen über ein choralartiges Thema für gedämpfte Streicher. Das Finale nimmt die Form eines Sonata-Rondos an und besteht aus einer kurzen Durchführungsepisode (44 Takte), die stark und organisch auf dem ersten und zweiten Thema beruht, und einer langen Koda (59 Takte). Harmonisch diatonischer als der Einleitungssatz läßt sich seine besonders ausdrucksvolle Polarität vielleicht am besten durch die tonalen Schwingungen seiner ersten Idee (fis-Moll/A-Dur), dem emotionellen Höhepunkt der zweiten, und der deutlich plagalen Neigung der letzten Kadenzsteigung erklären—eine spektakulärer Redeschluß.

aus dem Begleittext von Ateş Orga © 1994
Deutsch: Meckie Hellary