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Homages - A musical dedication

Christoph Denoth (guitar)
Studio Master FLAC & ALAC downloads available
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Recording details: January 2012
Beethovensaal, Hannover, Germany
Produced by Christopher Alder
Engineered by Wolf-Dieter Karwatky
Release date: October 2014
Total duration: 71 minutes 42 seconds

Homages and dedications have often a veiled mystique: the relationship between the composer and somebody else; a story and emotional experience hidden in the music. Homages are created from the heart, and reach out and engage the heart of the listener. To whom they are dedicated is not always easy to fathom, but they can speak and bloom as though they were only written for oneself, creating a poetry and beauty which fills our heart.


'The programming of this recital strikes me as well conceived and the playing is thoughtful' (MusicWeb International)» More

'Swiss guitarist Christoph Denoth explores musical homages for the classic guitar. The album includes works by Malats, Rodridgo, Villa-Lobos, de Falla, Turina and Llobet. Recitals of poetic beauty' (The Northern Echo)

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The theme of homage runs through this selection of music, drawn from more than four centuries. All of the composers were inspired by and dedicated to cultural, national, and personal ideals, which they expressed in a variety of ways in their music. The opening piece, Serenata Española (Spanish Serenade) by Catalan composer and pianist Joaquín Malats y Miarons (1872–1912) is a movement from his orchestral suite called Impresiones de España, which was dedicated to his dear friend D Benito Pérez Galdós (1843–1920). Malats was very much part of the cultural activities of his time. Pérez Galdós was a novelist and a leading figure in the Spanish Realism movement. Apart from his novels and plays, he wrote a series of 46 well-researched and popular historical novels called Episodios Nacionales covering all the important events in Spanish history. Malats, who studied piano at the conservatories of Barcelona and Paris, was a friend of Isaac Albéniz and performed his works—in fact, Albéniz enjoyed Malats’ interpretation of his Iberia suite, a work which Albéniz said took ‘españolismo and technical difficulty to the ultimate extreme’. Malats’ work was written in this same spirit. He made an arrangement for solo piano of the Serenata Española, and later Francisco Tárrega (1852–1909) transcribed it for the guitar.

During the 15th and 16th centuries in Spain, Portugal, and Italy, there appeared a guitar-like instrument called a vihuela. Its repertoire was produced by just a handful of composers: Luis de Milán, Enríquez de Valderrábano, Miguel de Fuenllana, Diego Pisador, Alonso Mudarra, Estevan Daça, and Luis de Narváez. The Canción del Emperador (Song of the Emperor) was a piece written in ‘double homage’ to both the emperor and Josquin. Luis de Narváez was the musician at the royal chapel, and Mille regrets by Josquin des Prez was known to be the favourite work of the Holy Roman Emperor, Charles V. The two pieces, Canción del Emperador and Diferencias sobre ‘Guárdame las vacas’ come from Narváez’s Los seys libros del delphín, a remarkable collection of polyphonic music transcribed for the vihuela, with elaborate fantasias; the work includes the earliest known sets of variations. His Diferencias (Variations) were based on a popular song of the time, Guárdame las vacas (Watch over my cows).

The theme of popular songs and variations continues with the Variations on a Scottish theme ‘Ye Banks and Braes o’ Bonnie Doon’, Op 40, by Fernando Sor (1778–1839). The lyrics of Ye Banks and Braes o’ Bonnie Doon by Scottish poet Robert Burns were first published in 1792, when Burns was 33 years old. It has remained a popular song, which is strongly connected with Scottish spirit and sentiment. Sor dedicated the Variations to his student, Miss Mary Jane Burdett, who was already accomplished on the piano and was having guitar lessons with him in Paris.

Fernando Sor was a prolific Spanish composer and virtuosic guitarist with a strong love of opera and song; his early education was at the choir school of Montserrat monastery. Although his family background was not artistic but military, his father introduced him to the opera and guitar, both of which absorbed his interest for the rest of his life. Sor maintained his military career, alongside that of a performer and composer, until the Spanish overthrew the Revolutionary French Forces. He was forced to leave Spain forever in 1813 and, thereupon, lived in Paris and in London.

The combination of a Scottish rhythm with a Brazilian chôro would seem an unlikely combination, but the works of Brazilian composer Heitor Villa-Lobos (1887–1959), like those of so many Latin American composers, were strongly influenced by the popular music of his country. The Schottish-Chôro by Villa-Lobos was written as a suite of five pieces, known as the Suite Popular Brasileira. From a young age, Villa-Lobos performed in the bohemian cafés of Rio de Janeiro, and during his teenage years he earned his living by playing cello for a light-opera company travelling throughout Brazil. This also brought him into close contact with Brazilian popular music.

He was fascinated by the music, myths, and rites of the Brazilian Indios, and his compositions reflect his deep study of this music. The five Preludes were each written in homage: Prelude No 1 (Homenagem ao sertanejo brasileiro) in homage to the Brazilian country dweller; Prelude No 2 (Homenagem ao Malandro Carioca) in homage to the rascal of Rio, the Malandro Carioca; Prelude No 3 (Homenagem a Bach) in homage to Bach; Prelude No 4 (Homenagem ao Indio Brasileiro) in homage to the Brazilian Indios; and Prelude No 5 (Homenagem ao Vida Social) in homage to social life: ‘to the fresh-faced young boys and girls who go to concerts and the theatre in Rio’.

Villa-Lobos’s aunt was an acknowledged interpreter of Bach’s 48 Preludes and Fugues, so it is not surprising that Bach was an equally strong influence on the composer. It was not until the age of twenty that Villa-Lobos enrolled in the National Institute of Music in Rio de Janeiro to take formal classes in harmony, counterpoint, fugue, and composition, and he found it difficult to settle down to his studies, as he had already produced a great quantity of pieces. Villa-Lobos originally dedicated his Cinq Préludes, which were written in 1940, to Andrés Segovia. When they were published by Max Eschig in 1954, the dedication was changed to Mindinha, Villa-Lobos’s wife. Uruguayan guitarist Abel Carlevaro premièred Preludes Nos 3 and 4 on 11 November 1943.

Manuel de Falla (1876–1946) was one of Spain’s leading and most influential composers, and although his output was not large, many of his works are still regularly performed, such as El amor brujo, La vida breve and El sombrero de tres picos. The Homenaje is his only work for solo guitar. Beginning in a habanera rhythm, much admired by French composers, this Homenaje expresses the high regard in which Falla held Debussy’s Spanish-influenced repertoire, such as Iberia. Falla even includes a small quote from La soirée dans Grenade, the second movement of Debussy’s Estampes.

The Homenaje pour le tombeau de Claude Debussy was published in December 1920 in a special issue of the Paris La Revue musicale dedicated to the memory of Claude Debussy, with articles written by Ravel, Satie, Bartók, Stravinsky, and Falla. The work was premièred by Spanish guitarist Emilio Pujol at the Salle du Conservatoire in Paris on 2 December 1922, and was also performed by Miguel Llobet on concert tours through Europe and South America. Manuel de Falla later orchestrated the work and gave it the subtitle ‘Elegia de la guitarra’.

Although Spanish composer Joaquín Turina (1882–1949) was born in Seville, in the heart of Andalusia, writing for the guitar was not something that came easily to him. The Sevillana (Fantasía), Op 29, was his first work for the guitar and written at the request of Andrés Segovia. Segovia spoke of the process in a lecture which he gave many years later for the Real Academia de Bellas Artes in Madrid, saying, ‘He was initially reluctant to reply positively to my repeated requests. Turina couldn’t find sufficient information in any of the orchestration treatises to begin composing with a sure and steady hand for an instrument with such an intricate polyphonic technique as the guitar’. Finally Segovia put himself at the complete disposal of the composer, assisting him, bar by bar, in the composition process. The success of this co-operation can be seen in the dedication which Turina wrote on the manuscript: ‘Al maravilloso guitarrista Andrés Segovia con admiración y cariño’.

The sevillanas dance is associated with the annual Feria of Seville, where the gentry parade in extravagant costumes. The subtitle Fantasía is an indication that Turina has not followed the strict structure of the sevillanas dance form. Turina’s Sevillana does include rasgueados (strummed chords) at the beginning and the end of the piece; lyrical and rhythmic sections in the middle part of the piece bring out the harmonic and poetic flavour of the dance. The Sevillana was completed in mid-November 1923 and Andrés Segovia premièred it on 17 December that same year at the Sociedad de Cultura Musical in Madrid.

Spanish composer and pianist Isaac Albéniz (1860–1909) was a child prodigy and extensively travelled in the company of his family in his youth. As many prominent Spanish composers before and after him had done, Isaac Albéniz spent many years living in Paris. However, his Mallorca 'Barcarola', Op 202, was written in London in 1890. His performances were very well received in Britain and, in 1890, he did an extensive concert tour there. The barcarole is usually associated with the soothing stroke of the Venetian gondoliers, or the rocking motion of lullabies; however, the barcarola of Albéniz’s Mallorca refers to a style of lament, particular to the island of Mallorca, which is sung by one grieving the loss of a fiancé who has died.

Although Albéniz did not write a single piece for the guitar, a great number of his works, originally composed for the piano, were taken up and transcribed by guitarists almost immediately after they were written, and they have remained an important part of the classical guitar repertoire ever since.

Joaquín Rodrigo (1901–1999) has become internationally known for his guitar concerto, the Concierto de Aranjuez (1939), which continues to be the most popular guitar concerto heard on the international concert platform today. He also wrote a number of excellent solo works for the instrument, including En los trigales, which was written for Spanish guitarist Regino Sainz de la Maza and premièred by him in 1938. The title En los trigales—'in the wheat fields'—is very much connected to the landscape of Spain. Rodrigo later grouped this piece with three others, Bajando de la meseta, Entre olivares, and Junto al Generalife, under the title Por los campos de España (For the countryside of Spain), describing it as an ‘imaginary suite that describes the Spanish landscape’.

Spanish guitarist Miguel Llobet (1878–1938) arranged a dozen or so popular Catalan folksongs for the solo guitar. The choice of material was a reflection of the cultural movement which strove towards promoting the Catalan identity in the arts. At the end of the 19th century, choral societies were being established in Catalonia, with the aim of involving people of working-class origin. In fact, the headquarters of the Orfeó Català for choral singing and the diffusion of musical culture was located close to his home from 1891.

It is hard to imagine that a beautiful melody such as that of the Canço del lladre is used to tell the story of the life of a bandit or thief (lladre). The lyrics of the melancholic El testament d’Amelia tell the story of a young girl poisoned by her stepmother, who is in love with the girl’s husband. Llobet captured that sense of sorrow and weeping in his arrangement for the guitar.

Miguel Llobet studied the guitar with Francisco Tárrega, who was so pleased with his student that he dedicated his Preludio No 2 to him. Llobet performed solo recitals throughout Spain before moving to Paris in 1904, where he moved in the same circles as Isaac Albéniz and Ricardo Viñes. He gave concert tours in Europe, South America, and the US. It is only in recent years that the importance of Llobet’s work and influence is being fully appreciated, so it is fitting to end this homage guitar recording with Miguel Llobet, to whom the guitar world owes its gratitude.

Thérèse Wassily Saba © 2014

Le thème de l’hommage est le fil conducteur de cette sélection d’œuvres, qui couvre plus de quatre siècles. Les compositeurs ont tous été inspirés et guidés par des idéaux personnels, nationaux et culturels, qu’ils ont exprimé de manières diverses dans leur musique. La première œuvre, Serenata Española (Sérénade espagnole), du compositeur et pianiste catalan Joaquín Malats y Miarons (1872-1912), est un mouvement tiré de sa suite orchestrale Impresiones de España, dédiée à son ami cher Benito Pérez Galdós (1843-1920). Malats a activement participé à la vie culturelle de son époque. Pérez Galdós était un romancier et une grande personnalité du mouvement réaliste espagnol. En plus de ses romans et pièces de théâtre, il a écrit une série de 46 ouvrages populaires historiques superbement documentés, intitulés Episodios Nacionales, couvrant les événements importants de l’Histoire espagnole. Malats, qui a étudié le piano aux conservatoires de Barcelone et de Paris, était un ami d’Isaac Albéniz et a joué ses œuvres—d’ailleurs, Albéniz appréciait l’interprétation de sa Suite espagnole, pièce qui selon Albéniz poussait «l’hispanisme et la difficulté technique à l’extrême». Les compositions de Malats ont été écrites dans ce même esprit. Il a arrangé la Serenata Española pour piano seul et, ultérieurement, Francisco Tárrega (1852-1909) l’a transcrite pour la guitare.

Aux XVe et XVIe siècles en Espagne, au Portugal et en Italie, un instrument proche de la guitare fit son apparition: la vihuela. Son répertoire fut illustré par une poignée de compositeurs: Luis de Milán, Enríquez de Valderrábano, Miguel de Fuenllana, Diego Pisador, Alonso Mudarra, Estevan Daça et Luis de Narváez. La Canción del Emperador (Chanson de l’Empereur) est une pièce composée en double hommage à l’empereur et à Josquin. Luis de Narváez était un musicien de la chapelle royale, et Mille regrets de Josquin des Prez était l’oeuvre favorite de l’empereur du Saint Empire romain Charles Quint. Les deux pièces, Canción del Emperador et Diferencias sobre «Guárdame las vacas», sont tirées de Los seys libros del delphín de Narváez, remarquable recueil de musique polyphonique transcrit pour la vihuela avec une fantaisie raffinée—l’œuvre contient la première suite de variations connue. Ses Diferencias (Variations) sobre «Guárdame las vacas» ont été basées sur une chanson populaire de l’époque, Guárdame las vacas (Garde les vaches).

Le thème des chansons populaires et des variations se poursuit avec Fantaisie et variations sur un air écossais, op.40, de Fernando Sor (1778-1839). Les paroles de la chanson écossaise Ye Banks and Braes o’ Bonnie Doon (Les bords du Doon) du poète écossais Robert Burns ont été publiées pour la première fois en 1792, alors que leur auteur était âgé de 33 ans. Cet air est toujours populaire et fermement associé à l’esprit et au sentiment écossais. Sor a dédié ces variations à son élève, Mademoiselle Mary Jane Burdett, pianiste émérite qui prenait des leçons de guitare avec lui à Paris.

Fernando Sor était un compositeur espagnol prolifique et un guitariste virtuose, témoignant d’une véritable passion pour l’opéra et la chanson; enfant, il avait reçu sa formation musicale dans la maîtrise de Montserrat. Et si son milieu familial était davantage militaire qu’artistique, son père lui avait fait découvrir l’opéra et la guitare, auxquels il s’est consacré pendant le reste de sa vie. Sor a poursuivi une carrière militaire, parallèlement à celle de compositeur et interprète, jusqu’à ce que les Espagnols renversent les forces révolutionnaires françaises. Il dut quitter définitivement l’Espagne en 1813, puis vécut à Paris et à Londres.

L’alliance d’un rythme écossais avec un chôro brésilien peut paraître inattendue, mais les oeuvres du compositeur brésilien Heitor Villa-Lobos (1887-1959), à l’instar de celles d’un grand nombre de compositeurs sudaméricains, ont été fortement influencées par la musique populaire de son pays. Le Schottish-Chôro de Villa-Lobos a été écrit sous la forme d’une suite de cinq pièces, intitulée Suite Popular Brasileira. Dès un très jeune âge, Villa-Lobos s’est produit dans les cafés bohêmes de Rio de Janeiro et, à l’adolescence, il gagnait sa vie en jouant du violoncelle dans une troupe d’opéra-comique en tournée au Brésil. Il a pu ainsi côtoyer la musique populaire brésilienne.

Villa-Lobos était fasciné par la musique, les mythes et les rites des populations indigènes du Brésil, et ses compositions reflètent sa connaissance approfondie de ces genres. Les Cinq Préludes portent une dédicace: le Prélude nº 1 (Homenagem ao sertanejo brasileiro) – hommage à un paysan brésilien; le Prélude nº 2 (Homenagem ao Malandro Carioco) – hommage au malandro carioca, une canaille de Rio; Prélude nº 3 (Homenagem a Bach) – hommage à Bach; Prélude nº 4 (Homenagem ao Indio Brasileiro) – hommage aux populations indigènes du Brésil; et le Prélude nº 5 (Homenagem ao Vida Social) – hommage à la vie mondaine: «aux jeunes garçons et filles qui fréquentent les théâtres et les concerts à Rio».

La tante de Villa-Lobos était une interprète réputée des 48 Préludes et Fugues de Bach, il n’est donc guère étonnant que Bach ait fortement influencé le compositeur. Ce n’est qu’à l’âge de vingt ans que Villa-Lobos s’est inscrit à l’Institut national de musique de Rio de Janeiro pour suivre des cours d’harmonie, de contrepoint, de fugue et de composition. Mais ayant déjà produit une formidable quantité d’œuvres, il éprouva des difficultés à s’atteler à ses études. Villa-Lobos avait initialement dédié ses Cinq Préludes, composés en 1940, à Andrés Segovia. Lorsqu’ils ont été publiés par Max Eschig en 1954, la dédicace a été modifiée à l’intention de Mindinha, l’épouse de Villa-Lobos. Le guitariste uruguayen Abel Carlevaro a créé les Préludes nos 3 et 4 le 11 novembre 1943.

Manuel de Falla (1876-1946) était l’un des plus grands compositeurs espagnols de son époque et parmi les plus influents, et bien que sa production a été relativement minime, beaucoup de ses œuvres sont régulièrement joués, telles que El amor brujo, La vida breve et El sombrero de tres picos. Homenaje est sa seule pièce pour guitare seule. Commençant par un rythme de habanera, très apprécié par les compositeurs français, Homenaje exprime la forte estime qu’avait Falla pour le répertoire d’influence espagnole de Debussy, à l’instar d’Iberia. Falla reprend même un petit motif tiré de La soirée dans Grenade, deuxième mouvement d’Estampes de Debussy.

Homenaje pour le tombeau de Claude Debussy a été publié à Paris en décembre 1920 dans une édition spéciale de La Revue musicale dédiée à la mémoire de Claude Debussy et contenant des articles de Ravel, Satie, Bartók, Stravinsky et Falla. Cette œuvre a été créée par le guitariste espagnol Emilio Pujol dans la Salle du Conservatoire de Paris le 2 décembre 1922, puis interprétée par Miguel Llobet en tournée à travers l’Europe et l’Amérique du Sud. Manuel de Falla l’a ultérieurement orchestrée, lui donnant le soustitre «Elegia de la guitarra».

Bien que le compositeur espagnol Joaquín Turina (1882-1949) soit né à Séville, en plein cœur de l’Andalousie, écrire pour la guitare ne lui a pas été facile. La Sevillana (Fantasía), op.29, est sa première œuvre pour guitare, composée à la demande d’Andrés Segovia. Segovia parla du processus de création lors d’une conférence donnée des années plus tard à la Real Academia de Bellas Artes de Madrid. Selon ses propres paroles: «Turina ’était montré initialement réticent, malgré mes demandes répétées. Il ne parvenait pas à trouver suffisamment d’informations dans les traités d’orchestration pour commencer à écrire avec confiance pour un instrument nécessitant une technique polyphonique aussi complexe que la guitare.» Segovia se mit entièrement à la disposition du compositeur, le secondant, mesure après mesure, dans le processus de composition. Le succès de cette coopération transparaît dans la dédicace de Turina sur le manuscrit: «Al maravilloso guitarrista Andrés Segovia con admiración y cariño.»

La danse sevillana évoque la féria annuelle de Séville, où la bourgeoisie parade dans des costumes extravagants. Le sous-titre Fantasía indique que Turina n’a pas obéi à la structure rigide de cette forme. Sa Sevillana inclut des rasgueados (accords grattés) au début et à la fin de la pièce, tandis que des sections lyriques et rythmiques font ressortir le sentiment poétique et harmonique de la danse. Cette œuvre a été achevée à la mi-novembre 1923, puis créée par Andrés Segovia le 17 décembre de cette même année à la Sociedad de Cultura Musical de Madrid.

Le compositeur et pianiste espagnol Isaac Albéniz (1860-1909) avait été un enfant prodige et avait beaucoup voyagé avec sa famille pendant sa jeunesse. Comme beaucoup de compositeurs espagnols éminents qui l’ont précédé et lui ont succédé, Isaac Albéniz a vécu de nombreuses années à Paris. Pourtant, son œuvre Mallorca «Barcarola», op.202, a été composée à Londres en 1890. Ses concerts reçurent un accueil très favorable du public britannique et, la même année, il effectua une grande tournée dans le pays. La barcarole est généralement associée au doux balancement des gondoliers vénitiens ou au mouvement oscillant des berceuses, mais celle de Mallorca d’Albéniz se rapproche davantage d’un type de lamentation, propre à l’île de Majorque, chantée par ceux qui ont perdu un fiancé défunt.

Bien qu’Albéniz n’ait jamais écrit pour la guitare, un grand nombre de ses œuvres, initialement composées pour le piano, ont été transcrites par des guitaristes presque aussitôt après leur parution, et elles font depuis partie intégrante du répertoire de la guitare classique.

Joaquín Rodrigo (1901-1999) est célèbre pour son concerto pour guitare, le Concierto de Aranjuez (1939), qui demeure l’une des œuvres les plus populaires pour cet instrument sur les scènes de concert internationales. Il a également composé de remarquables pièces pour guitare seule, notamment En los trigales, écrite pour le guitariste espagnol Regino Sainz de la Maza et créée par ce dernier en 1938. Le titre En los trigales (Dans les champs de blé) est étroitement associé au paysage espagnol. Rodrigo a ensuite regroupé cette pièce avec trois autres, Bajando de la meseta, Entre olivares et Junto al Generalife, sous le titre Por los campos de España (Pour la campagne d’Espagne), et décrite en tant que «suite imaginaire à travers le paysage espagnol».

Le guitariste espagnol Miguel Llobet (1878-1938) a arrangé une douzaine de chansons populaires catalanes pour guitare seule. Le choix du matériel illustrait le mouvement culturel visant à promouvoir l’identité catalane dans les arts. À la fin du XIXe siècle, des chorales avaient été fondées en Catalogne, avec pour vocation de faire participer les personnes issues des classes ouvrières. D’ailleurs, le siège de l’Orfeó Català pour le chant choral et la diffusion de la culture musicale se trouvait à proximité de son domicile depuis 1891.

Il est difficile d’imaginer qu’une mélodie aussi belle que celle du Canço del lladre relatait autrefois la vie d’un bandit ou voleur (lladre). Les paroles de l’air mélancolique El testament d’Amelia racontent l’histoire d’une jeune femme empoisonnée par sa belle-mère, amoureuse du mari de celle-ci. Dans cet arrangement pour la guitare, Llobet a su exprimer le sentiment de détresse et de chagrin.

Miguel Llobet a étudié la guitare avec Francisco Tárrega, qui était tellement fier de son élève qu’il lui a dédié son Preludio nº 2. Llobet a donné des concerts en solo dans toute l’Espagne avant de s’installer à Paris en 1904, où il a évolué dans les mêmes cercles qu’Isaac Albéniz et Ricardo Viñes. Il a effectué des tournées en Europe, en Amérique du Sud et aux États-Unis. Ce n’est que depuis récemment que l’œuvre et l’influence de Llobet commencent à être pleinement appréciées. Cet hommage s’achève donc avec Miguel Llobet, auquel le monde de la guitare doit sa gratitude.

Thérèse Wassily Saba © 2014
Français: Marie Le Carlier de Veslud

Das Thema der hommages verbindet alle Titel dieser Musikauswahl aus mehr als vier Jahrhunderten. Alle Komponisten wurden von kulturellen, nationalen und persönlichen Idealen inspiriert und drückten sie in ihrer Musik in unterschiedlicher Weise aus. Das Eröffnungsstück, Serenata Española (Spanische Serenade) des katalanischen Komponisten und Pianisten Joaquín Malats y Miarons (1872–1912) ist ein Satz aus seiner Orchestersuite, Impresiones de España, die seinem lieben Freund D. Benito Pérez Galdós (1843–1920) gewidmet war. Malats spielte eine wichtige Rolle in den kulturellen Aktivitäten seiner Zeit und Pérez Galdós war Schriftsteller und eine führende Figur des spanischen Realismus. Neben Romanen und Theaterstücken schrieb er auch eine Serie 46 gut recherchierter und populärer historischer Romane unter dem Titel Episodios Nacionales über alle wichtigen Ereignisse der spanischen Geschichte. Malats, der an den Musikhochschulen von Barcelona und Paris Klavier studierte, war ein Freund von Isaac Albéniz und spielte seine Werke; tatsächlich freute sich Albéniz über Malats’ Interpretation seiner Iberia Suite: Ein Werk, das—so Albéniz—den ‘españolismo und den technischen Schwierigkeitsgrad ins Extreme führte’. Malats’ Werk wurde im selben Geiste geschrieben. Er machte ein Arrangement für Solo-Piano der Serenata Española, und später transkribierte es dann Francisco Tárrega (1852–1909) für Gitarre.

Im 15. und 16. Jahrhundert kam in Spanien, Portugal und Italien ein gitarrenähnliches Instrument auf, die vihuela, dessen Repertoire von wenigen Komponisten produziert wurde: Luis de Milán, Enríquez de Valderrábano, Miguel de Fuenllana, Diego Pisador, Alonso Mudarra, Estevan Daça und Luis de Narváez. Das Canción del Emperador (Das Lied des Kaisers) war ein Stück, das als „doppelte Hommage” an den Kaiser und zugleich Josquin geschrieben wurde: Luis de Narváez war der Musiker der Königlichen Kapelle, und Mille regrets von Josquin des Prez war als das Lieblingswerk des römisch-deutschen Kaisers Karl V. bekannt. Die zwei Stücke Canción del Emperador und Diferencias sobre ‘Guárdame las vacas’ stammen aus Los seys libros del delphín von Narváez, einer bemerkenswerten Sammlung polyphoner Musik mit aufwendigen Fantasien transkribiert für die Vihuela; das Werk umfasst die frühesten bekannten Sätze von Variationen. Seine Diferencias (Variationen) sobre ‘Guárdame las vacas’ beruhten auf einem Volkslied jener Zeit, Guárdame las vacas (Wach’ über meine Kühe).

Das Thema der Volkslieder und Variationen ging weiter mit Variations on a Scottish theme ‘Ye Banks and Braes o’ Bonnie Doon’, Op. 40, von Fernando Sor (1778–1839). Die Texte von Ye Banks and Braes o’ Bonnie Doon des schottischen Dichters Robert Burns wurden erstmals 1792 veröffentlicht, als Burns 33 Jahre alt war. Es ist bis heute ein beliebtes Lied, das stark mit dem schottischen Geist und Gefühl verbunden geblieben ist. Sor widmete die Variations seiner Schülerin Mary Jane Burdett, die bereits virtuos Klavier spielte und bei ihm in Paris Gitarrenunterricht nahm.

Fernando Sor war ein sehr produktiver spanischer Komponist und virtuoser Gitarrist, der die Oper und den Gesang liebte; seine frühe Ausbildung erfolgte an der Chorschule des Klosters Montserrat. Und obwohl er nicht aus einer Künstler-, sondern einer Militärfamilie stammte, führte sein Vater ihn in die Oper und die Gitarrenmusik ein, die sein Interesse für den Rest seines Lebens fesseln sollten. Sor verfolgte seine Militärkarriere neben der eines Interpreten und Komponisten, bis die Spanier die revolutionären französischen Streitkräfte stürzten. Er musste deshalb 1813 Spanien für immer verlassen und lebte danach in Paris und London.

Die Kombination eines schottischen Rhythmus mit einem brasilianischen chôro scheint eher ungewöhnlich, doch die Werke des brasilianischen Komponisten Heitor Villa-Lobos (1887–1959) waren, ebenso wie die vieler anderer lateinamerikanischer Komponisten, stark von der Volksmusik seines Landes beeinflusst. Der Schottish-Chôro von Villa-Lobos wurde als Suite von fünf Stücken geschrieben, die unter dem Namen Suite Popular Brasileira bekannt ist. Schon früh spielte Villa-Lobos in den Künstlercafés von Rio de Janeiro, und als Teenager verdiente er seinen Lebensunterhalt, indem er Cello für ein Operettenensemble spielte, das durch ganz Brasilien auf Tournee ging. Dies brachte ihn auch in engeren Kontakt mit der brasilianischen Volksmusik.

Er war von der Musik, den Mythen und den Riten der Indios fasziniert und seine Kompositionen spiegelten eine vertiefte Studie dieser Musik. Die Cinq Préludes wurden alle als Hommage geschrieben: Prelude No. 1 (Homenagem ao sertãnejo brasileiro) – eine Hommage an den brasilianischen Sertãnejo, einen Bewohner des Sertão; Prelude No. 2 (Homenagem ao Malandro Carioca) – Hommage an den Tagedieb von Rio; Prelude No. 3 (Homenagem a Bach) – Hommage an Bach; Prelude No. 4 (Homenagem ao Indio Brasileiro) – Hommage an den brasilianischen Indio; und Prelude No. 5 (Homenagem ao Vida Social) – Hommage an das Gesellschaftsleben: ‘Hommage an die aufblühenden Knaben und Mädchen, die an die Konzerte und ins Theater von Rio gehen’.

Villa-Lobos’ Tante war eine anerkannte Interpretin von Bachs 48 Präludien und Fugen, und deshalb ist es nicht überraschend, dass Bach auch den Komponisten gleichermassen stark beeinflusste. Er immatrikulierte sich erst im Alter von 20 Jahren am Instituto Nacional de Música in Rio de Janeiro, um formalen Unterricht in Harmonielehre, Kontrapunkt, Fuge und Komposition zu nehmen. Er fand es jedoch schwierig, sich dem Studium zu widmen, da er bereits eine grosse Menge von Musikstücken produziert hatte. Villa-Lobos widmete seine 1940 geschriebenen Cinq Préludes ursprünglich Andrés Segovia. Als sie dann aber 1954 von Max Eschig veröffentlicht wurden, wurde die Widmung auf Mindinha, Villa-Lobos’ Frau umgeschrieben. Der uruguayische Gitarrist Abel Carlevaro führte die Préludes No. 3 und No. 4 am 11. November 1943 erstmals auf.

Manuel de Falla (1876–1946) war einer der führenden und einflussreichsten Komponisten Spaniens, und obwohl er nicht eine grosse Menge an Werken produzierte, wurden viele seiner Werke doch regelmässig aufgeführt, etwa El amor brujo, La vida breve, oder El sombrero de tres picos. Homenaje ist sein einziges Werk für Solo-Gitarre. Diese Homenaje beginnt mit dem von französischen Komponisten vielbewunderten Habanera-Rhythmus und drückt Fallas Hochachtung für Debussys, von der spanischen Musik beeinflusstes Repertoire aus, etwa Iberia. Falla fügte sogar ein kleines Zitat aus La soirée dans Grenade, dem zweiten Satz von Debussys Estampes, in sein Werk ein.

Die Homenaje pour le tombeau de Claude Debussy wurde im Dezember 1920 in einer Sonderausgabe der Pariser Revue musicale veröffentlicht, die der Erinnerung an Claude Debussy gewidmet war und Artikel von Ravel, Satie, Bartók, Stravinsky und Falla enthielt. Uraufgeführt wurde das Werk vom spanischen Gitarristen Emilio Pujol in der Salle du Conservatoire in Paris am 2. Dezember 1922 und auch Miguel Llobet spielte es auf seinen Konzerttourneen durch Europa und Südamerika. Manuel de Falla orchestrierte das Werk später und gab ihm den Untertitel ‘Elegia de la guitarra’.

Obwohl der spanische Gitarrist Joaquín Turina (1882–1949) in Sevilla, dem Herz Andalusiens geboren wurde, fiel es ihm nicht leicht, für die Gitarre zu schreiben. Die Sevillana (Fantasía), op. 29, war sein erstes Werk für die Gitarre, das er auf Wunsch von Andrés Segovia komponierte. Segovia sprach darüber an einem Vortrag, den er viele Jahre danach an der Real Academia de Bellas Artes in Madrid hielt und sagte: „Anfänglich sträubte er sich, meinen wiederholten Bitten zu entsprechen. Turina konnte keine ausreichenden Informationen in einer der Orchestrierungs-Abhandlungen finden, um mit sicherer und ruhiger Hand für ein Instrument mit einer so komplizierten polyphonen Technik wie die der Gitarre zu komponieren.” Schliesslich stellte sich Segovia gänzlich dem Komponisten zur Verfügung und unterstützte ihn, Takt für Takt, beim Komponieren. Der Erfolg dieser Zusammenarbeit ist aus der Widmung ersichtlich, die Turina aufs Manuskript schrieb: ‘Al maravilloso guitarrista Andrés Segovia con admiración y cariño’.

Der Sevillana-Tanz steht im Zusammenhang mit der jährlich stattfindenden Feria de Sevilla, an der die Leute sich in extravaganten Kostümen präsentieren. Der Untertitel Fantasía verweist darauf, dass Turina hier nicht strikte der Struktur der Tanzform der sevillanas folgte. Turinas Sevilliana enthält rasgueados (typischer Flamenco Anschlag über mehrere Saiten) am Anfang und Schluss des Stückes; lyrische und rhthmische Abschnitte im Mittelteil heben das Harmonische und Poetische des Tanzes hervor. Die Sevillana wurde Mitte November 1932 fertig und am 17. Dezember desselben Jahres vor der Sociedad de Cultura Musical in Madrid von Andrés Segovia uraufgeführt.

Der spanische Komponist und Pianist Isaac Albéniz (1860–1909) war ein Wunderkind und reiste in seiner Jugend viel mit seiner Familie. Wie viele bekannte spanische Komponisten vor oder nach ihm, verbrachte auch Isaac Albéniz viele Jahre seines Lebens in Paris. Seine Mallorca „Barcarola“, op. 202, entstand allerdings 1890 in London. Seine Auftritte wurden in Grossbritannien sehr gut aufgenommen, und 1890 ging er dort auf eine ausführliche Konzerttournee. Die Barcarole wird normalerweise mit dem beruhigenden Rhythmus der venezianischen Gondoliere in Verbindung gebracht, oder der Schaukelbewegung von Wiegeliedern, doch die barcarola aus Albéniz’ Mallorca bezieht sich auf eine Art des Klageliedes, das insbesondere auf Mallorca von denen gesungen wird, die um den Verlust verstorbener Verlobter trauern.

Obwohl Albéniz kein einziges Stück für Gitarre schrieb, wurden viele seiner Stücke bald nach ihrer Entstehung von Gitarristen transkribiert und ins Repertoire aufgenommen und sind seither ein bedeutender Teil des Repertoires der klassischen Gitarre geblieben.

Joaquín Rodrigo (1901–1999) wurde international bekannt für sein Gitarrenkonzert Concierto de Aranjuez (1939), das auf der internationalen Konzertplattform bis heute eines der beliebtesten Gitarrenkonzerte geblieben ist. Er schrieb zudem eine Anzahl ausgezeichneter Solowerke für das Instrument, einschliesslich En los trigales, das für den spanischen Gitarristen Regino Sainz de la Maza geschrieben und 1938 von ihm uraufgeführt wurde. Der Titel En los trigales (in den Weizenfeldern) ist stark der spanischen Landschaft verbunden. Rodrigo gruppierte dieses Stück später mit drei anderen, Bajando de la meseta, Entre olivares und Junto al Generalife unter dem Titel Por los campos de España (Für die spanische Landschaft) und beschrieb es als „imaginäre Suite, die die spanische Landschaft beschreibt”.

Der spanische Gitarrist Miguel Llobet (1878–1938) arrangierte etwa ein Dutzend beliebte katalanische Volkslieder für Solo-Gitarre. Die Wahl der Lieder spiegelte die kulturelle Bewegung, die die katalanische Identität in der Kunst zu fördern suchte. Zu Ende des 19. Jahrhunderts wurden in Katalonien Gesangsvereine gegründet, die ganz spezifisch Leute aus der Arbeiterklasse ansprechen sollten. Tatsächlich lag das Hauptquartier des Orfeó Català für Chorgesang und die Verbreitung der Musikkultur ab 1891 in der Nähe seines Wohnorts.

Es ist nur schwer vorstellbar, dass eine so schöne Melodie wie die des Canço del lladre dazu verwendet wird, die Lebensgeschichte eines Banditen oder Diebs (lladre) zu erzählen. Die Texte des melancholischen El testament d’Amelia erzählt die Geschichte einer jungen Frau, die von ihrer Stiefmutter vergiftet wurde, die in den Ehemann des Mädchens verliebt ist. Llobet erfasste dieses Gefühl der Trauer und des Weinens mit seinem Gitarren-Arrangement. Miguel Llobet studierte bei Francisco Tárrega Gitarre, der sich so sehr über seinen Schüler freute, dass er ihm sein Preludio Nr. 2 widmete. Llobet trat an Solo-Rezitalen in ganz Spanien auf, vor er 1904 nach Paris zog, wo er sich in den gleichen Kreisen wie Isaac Albéniz und Ricardo Viñes bewegte. Er ging auf Konzerttourneen durch Europa, Südamerika und die USA. Erst in den letzten Jahren erfuhr Llobets Werk und Einfluss die ihm gebührende Wertschätzung und so ist es passend, diese Gitarrenaufnahme der Hommages mit Miguel Llobet zu beenden, dem die Gitarrenwelt zu Dank verpflichtet ist.

Thérèse Wassily Saba © 2014
Deutsch: Suzanne Leu

Among the oldest and most timeless styles of musical expression are pieces that are dedicated to a person, a town, or a landscape. This setting to music of a homage stemming from a variety of emotions and imagination is often a composer’s message to the person to whom the work is dedicated. Sometimes it may even be a declaration of love. The forms a homage may take are as varied as the imagination and emotions of the composer, or of the person for whom it was written. Homages speak to us in a very direct way because, as a rule, their emotional and musical message and beauty are easy to understand. The content speaks to us, and tells us a musical story based on contrasts such as beauty, charm, imagination, wit, sadness, humour, memory, hope, longing, poetry, and premonition.

Christoph Denoth © 2014

Les œuvres dédiées à une personne, une ville ou un paysage figurent parmi les styles d’expression musicale les plus anciens et les plus intemporels. Ces hommages musicaux nés de l’imagination et d’une variété d’émotions représentent souvent le message d’un compositeur à la personne à laquelle l’oeuvre est dédiée. Il peut parfois s’agir d’une déclaration d’amour. La forme des hommages peut être aussi diversifiée que l’imagination et les émotions du compositeur, ou de la personne à laquelle il est destiné. Les hommages nous touchent d’une manière très directe car, généralement, leur message et leur beauté musicale et émotionnelle sont faciles à comprendre. Leur contenu nous interpelle et nous relate une histoire musicale basée sur les contrastes, tels que la beauté, le charme, l’imagination, l’esprit, la tristesse, l’humour, le souvenir, l’espoir, l’attente, la poésie et la prémonition.

Christoph Denoth © 2014
Français: Marie Le Carlier de Veslud

Zu den ältesten und zeitlosesten Arten des musikalischen Ausdrucks gehören Musikstücke, die einem Menschen, einer Stadt, oder einer Landschaft gewidmet sind. Diese in Musik gesetzte Vielfalt an Emotionen und Fantasie einer Hommage sind oft ein persönlicher Ausdruck des Komponisten, oder der Komponistin, an den Widmungsträger. Manchmal sogar eine Liebeserklärung. Die Formen einer Hommage sind so zahlreich und bunt wie die Fantasie und Emotionen der Komponierenden und der Person, für die sie geschrieben wurde. Hommages sprechen uns direkt an, weil ihre emotionale und musikalische Botschaft und Schönheit meistens sehr deutlich zu verstehen sind. Der Inhalt spricht direkt zu uns und erzählt uns eine musikalische Geschichte durch musikalische Kontraste wie die Schönheit, das Charmante, die Fantasie, den Witz, die Trauer, den Humor, die Erinnerung, die Hoffnung, die Sehnsucht, die Poesie und das Ahnungsvolle.

Christoph Denoth © 2014
Deutsch: Suzanne Leu

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