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Elgar: String Quartet; Bridge: Idylls; Walton: String Quartet

Coull Quartet
Composers of World War I
Originally issued on CDA66718
Recording details: December 1993
St Silas the Martyr, Kentish Town, London, United Kingdom
Produced by Gary Cole
Engineered by Gary Cole
Release date: July 2006
Total duration: 71 minutes 53 seconds

Cover artwork: A Winter Landscape by Christopher Richard Wayne Nevinson (1889-1946)
 
1
Allegro moderato  [9'36]
2
3
Allegro molto  [9'59]
Three Idylls H67  [14'56]  Frank Bridge (1879-1941)
4
Adagio molto espressivo  [8'01]
5
6
Allegro con moto  [3'50]
String Quartet in A minor  [27'50]  Sir William Walton (1902-1983)
7
Allegro  [9'53]
8
Presto  [3'50]
9
Lento  [9'47]
10
Allegro molto  [4'20]

Awards

BEST OF THE YEAR, BBC MUSIC MAGAZINE

Reviews

'Eloquent and sensitive performances of some of the finest British chamber works of our century' (BBC Music Magazine)

'Outstandingly beautiful playing … of beguiling sensitivity and exhilaration' (CDReview)

'This was always a fine recording, and to have it in such great sonic shape again for a reasonable outlay is a double blessing indeed. This is music of rich evocation, provocatively played here … we are lucky to have this superb reading by the Coull, who have this music in their blood … the sound is top grade Hyperion, and the program fills a huge gap in the discography' (Audiophile Audition, USA)

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CDH55099Composers of World War I
The years from 1899 (the year of the ‘Enigma’ Variations) to 1919 (that of the Cello Concerto) were the most creative and important of Edward Elgar’s life. Until then he had little national success: born in 1857 in Worcester, he was considered a provincial composer. More than that, he was virtually self-taught. But ‘Enigma’ proved the turning point. It was his first undoubted masterpiece, and on an international scale; within a few years Elgar found himself at the forefront of British music, highly regarded in Europe and America. The Dream of Gerontius (although the premiere in Germany was not a success), Cockaigne and other works cemented his growing stature, but, above all, the Pomp and Circumstance marches reached the widest public and his music became known and loved from King to butcher’s boy.

The First Symphony of 1908 and Violin Concerto of 1910, composed for Hans Richter and Fritz Kreisler respectively, marked the epitome of Elgar’s fame, yet the public aspect was but one part of this enigmatic and very English artist. His Second Symphony, planned as a tribute to King Edward VII, altered character during its gestation. The King died suddenly in May 1910, before the work was finished, his death following those of six of Elgar’s friends the previous year. The composer himself had turned fifty; his wife was ten years older than he; and their only child had recently celebrated her twenty-first birthday. This is not to say a sense of mortality entered Elgar’s music during this period; it was almost always there, but now it was nearer the surface than before. From the Second Symphony onwards, no large-scale orchestral work of Elgar’s ends in triumph.

The Great War left its mark on Elgar as it did on all Europeans. His music during the war years shows the public and private aspects of his muse as never before. On the one hand, we have Polonia, Le drapeau belge and The Spirit of England; and on the other the three great chamber works—the Violin Sonata (Op 82), the String Quartet (Op 83) and the Piano Quintet (Op 84), which were written in rural England, in a Sussex cottage where, in 1919, Elgar also began his Cello Concerto.

The Violin Sonata was finished in September 1918. The String Quartet is dated three months later, and shares the same key, E minor (this was also to be the key of the Cello Concerto). This was Elgar’s only mature string quartet—despite drafts for four, possibly five, quartets from his youth—and he knew that writing it was not a task to be undertaken lightly. Elgar’s E minor Quartet is one of his masterpieces. Valedictory yet forward-looking, it is the work of a major composer at the height of his powers.

The first movement is one of Elgar’s greatest structural and emotional achievements. The first theme, anchored in the home key, is ambivalent in its metrical pulse, being cast in 12/8 and in 4/4. The 4/4 time signature could have been used throughout, but its interruption of the basic 12/8 flow creates a striking emotional effect. In this regard, the first movements of both of Elgar’s symphonies are recalled—not so much thematically (although the E flat Symphony is closer) but in dynamic interaction. Thus, before announcing all the themes on which the first movement is based, Elgar has postulated a considerable compositional problem. But, as with everything he wrote, it is expressed in music of deep emotion, and with much subtlety, for within the first subject we encounter elements of three themes, thus making an exposition within an exposition. This would seem to call for extensive development but what we have here is music which is highly concentrated—the opposite pole from the prolixity for which his art is often criticized by those who understand it least. Such contrasted juxtaposition demands a further expansion—that of tonality, and Elgar’s free-ranging mastery is here shown to be consummate. The movement is in E minor but ranges through such disparate keys as F major, C minor and B flat minor (within an E minor context), the music compensating for its overt lack of thematic-developmental dynamism by being wide-ranging in metre and tonality, which in turn make the recapitulation and the concluding coda amongst the loftiest utterances Elgar ever wrote. Here is great art, suffused at the very end of the movement by an autumnal mood—common to much of Elgar’s late music—partly of reminiscence, of a resigned acceptance of life’s experience. In this regard one can at times sense a looking-back—the Serenade for Strings is fleetingly alluded to, more than once. The recapitulation, in reverse, makes the simple cadence of E minor to E major in the final bars something new, and deeply moving, in his music.

The complexities of the first movement demand relaxation. In the second, marked Piacevole [peacefully] (Poco moderato), we have just such a reverie. This begins without the first violin as a simple string trio for twenty-two bars—and when the first violin enters it doubles the second at the octave, continuing the trio-like texture for a further twelve bars. In the first movement’s muscular moments, double-stopping strained the medium of four stringed instruments: here, in utter contrast, we are given a theme of simplicity and beauty in a movement which also looks back to earlier times—to the Chanson de matin, which is similarly quoted. This movement was one of Lady Elgar’s favourites and was played at her funeral in 1920. For all the overt simplicity, the key of the Piacevole—effectively a slow movement but akin to a Brahmsian Intermezzo—is C major which, retrospectively, embraces the ‘foreign’ tonalities of the first movement, forming a deep bond with E minor, and glimpses the ultimate key of E major.

How this is achieved is quite remarkable and deceptively simple. We know, in terms of structural tonality, that Elgar’s Quartet is in E minor: the first movement, for all its forays, did not leave that ‘home’ key for any great length of time. It actually ended, magically and quietly, in E major. The Intermezzo-like second movement was in the simple and classically pure key of C major. In this context the note E defines C major, preventing it from falling into the minor mode, with further emotional implications. C major was the key of reminiscence, but as the end of the first movement implied E major, not E minor, as the ultimate goal, the finale embarks upon a thrilling musical journey.

The finale, Allegro molto, begins with a peremptory gesture which anchors E minor but which is so fast we may not realize that it takes as its springboard the very C–E third with which the second movement ended. There is, however, no emotional reminiscence here, no ‘looking-back’ to the keys or themes of reverie. So, if C major is to be erased from the work’s ultimate tonal goal, its dominant, G, also has to be removed. But just as the note E defined C major, so the note G defines E minor—therefore E minor cannot be the final key. It has to be E major, whose mediant is G sharp. Quite apart from the artistic skill of such a tonal framework, the music bears out the emotional implication: exceptional in Elgar’s mature compositions, the finale of his String Quartet does not recall earlier music in the work. Thus the tonal structure has defined the emotional nature of the music with breathtaking mastery. The finale is intense in rhythmic élan, mercurial in its flight through oblique keys, and propelled by themes so germinally related as to cause the compositional virtuosity of their construction to be hidden as secretly as any enigma.

The result is a great masterpiece. Deep processes are at work in Elgar’s Quartet—a new Elgar, suggesting a golden ‘final period’ which did not, sadly, flower as one might have hoped. The death of Lady Elgar, to whom he owed so much, removed the mainstay from his life, and new music—in England as well as on the Continent—was the rage in the post-war years. The torch had been passed to those of younger generations.

If Elgar struggled for decades to make his mark, the lasting success of his eventual breakthrough was inspirational to younger English composers for whom he was living proof that international recognition could come to English music. Like Elgar, Frank Bridge, born in Brighton in 1879, was an accomplished string-player. By 1904 he had completed his studies at the Royal College of Music under Stanford and had begun to make a reputation as a very fine chamber-musician and conductor (later, Sir Henry Wood always turned to Bridge to deputize for him if he was indisposed). But as a composer Bridge’s early reputation was made by his chamber music.

At the turn of the century, W W Cobbett (1847–1937), a chamber-music enthusiast and successful businessman, endowed a competition for British chamber music. He stipulated that the works should be in one movement, but that composers should ‘write what they like—in any shape—as long as it was a shape’. He also stipulated that the word ‘Phantasy’ should appear in the title, after the ‘Fantasias’ of Tudor masters.

Frank Bridge entered a Phantasy String Quartet for Cobbett’s 1905 competition. It failed to win a prize, but his second Phantasy, a Piano Trio, took first prize in 1907. By this time Bridge had written much for string quartet. Apart from the Phantasy Quartet there is an earlier Scherzo Phantastick and a String Quartet in B flat major, both from 1901, three Novelletten from 1904, his First String Quartet in E minor, called the ‘Bologna’ after its success at an international competition in that city, and the Three Idylls. Both the E minor Quartet and the Idylls were composed in 1906.

The Three Idylls mark the epitome of Bridge’s early salon style, yet are rather more than salon music. The first, a slow study in C sharp minor which has a memorable relationship with the relative major—a fascinating juxtaposition that applies, in varying degrees, to each of the Idylls (which suggests that the entire work can be considered a complete three-movement quartet). This is perhaps the most immediately appealing of the set, but the second, Allegretto poco lento is by far the best known, for Bridge’s only composition pupil, Benjamin Britten, took it as the theme for his Variations on a Theme of Frank Bridge for string orchestra in 1937. This haunting second Idyll sometimes verges on the Delian in its half-expressed sensibility and emotion; this miniature also recalls Elgar in his most whimsical moments. The last Idyll, in C major and 2/4, Allegro con moto, opens with an upward leap on the cello, a ‘call to arms’ answered by the other instruments and leading to a fine and convincing conclusion.

The Idylls are dedicated to an Australian whom Bridge was to marry, Ethel Sinclair, and were premiered in March 1907 by the Grimson Quartet at the Bechstein Hall in London.

A decade later, at the height of the Great War, anti-German feeling in Britain had reached intolerance. King Edward’s successor, George V, changed the Royal family name from Saxe-Coburg-Gotha to Windsor, and the Bechstein Hall was renamed Wigmore Hall after the street where it is situated. The summer of 1918 that had seen Elgar begin his three chamber works also saw a sixteen-year-old Oxford undergraduate, William Walton, begin his first large-scale work, a Piano Quartet, which he completed the following year. It is an astonishing composition for a sixteen-year-old, but our surprise must come from the music, not from the calendar. The score of the Piano Quartet was lost for two years; it was published in 1924 by which time the twenty-two-year-old had already made a name for himself.

Walton left Oxford, without graduating, at the end of 1920. There he had met Sacheverell Sitwell who introduced him to his gifted brother and sister, Osbert and Edith, and it was with the Sitwells that the young Walton went to live in London, a world away from the provincial Oldham in Lancashire where he was born. Apart from the Piano Quartet Walton had by this time composed merely three songs, a brief choral piece, an organ prelude and a two-movement string quartet. In London he began to secure hearings for his music, most importantly for this early string quartet, given in March 1921 by the London Contemporary Music Centre. Walton then revised it, adding a middle movement by November 1922 when the score was submitted to the first International Society for Contemporary Music Festival in Salzburg in 1923. The jury of Ernest Ansermet, André Caplet, Hermann Scherchen and Egon Wellesz, as the chairman Edward Dent wrote, ‘read scores of chamber music all day long. Suddenly Scherchen burst out excitedly, “Who is this Walton?”’ The Quartet was chosen unanimously.

This success for the twenty-year-old Walton was remarkable not because of his youth but because he could play no instrument, not even the piano, at all well. Unlike Elgar or Bridge, he had no practical experience of chamber music-making; conservative critics who heard the Quartet in London prior to Salzburg, as Dent recalled, ‘thought it quite unrepresentative of British music, and asked why a work of Elgar had not been chosen’. The score impressed Alban Berg, who took Walton to meet Schoenberg, but Walton withdrew the Quartet and it was not heard again until after his death.

The post-war years saw the growing use of small ensembles by composers. In 1912 Schoenberg had led the way with Pierrot Lunaire for reciter and five instruments, which gained some notoriety. The British premiere took place in London in 1922, conducted by Darius Milhaud, and the same year saw the appearance of Walton’s first success, a setting—by way of parody of Pierrot—of a group of Edith Sitwell’s poems: Façade, ‘an entertainment’ for reciter and instrumental ensemble.

During the next twenty-five years Walton became a world figure through only a handful of orchestral and choral works, each equally distinctive: the overture Portsmouth Point, the Sinfonia Concertante for piano and orchestra, concertos for viola and for violin, Belshazzar’s Feast and the First Symphony. At the Coronation of King George VI and Queen Elizabeth in 1937, Walton’s Crown Imperial march was ‘public’ music of a type known from Elgar’s Pomp and Circumstance. (Interestingly, Frank Bridge wrote marches for the Coronations of Edward VII and George V, but the genre was alien to him.) During World War II Walton composed music for patriotic films and broadcasts, echoing Elgar’s wartime compositions of a generation earlier; also like Elgar, it was to the personal world of chamber music that Walton turned once hostilities were over, in his String Quartet in A minor, completed in 1947, and his Violin Sonata of 1949.

A reputation made by so few works implies a fastidious and self-critical artist. The A minor Quartet had germinated in Walton’s mind since 1939 when the BBC commissioned it; by the end of 1944 he was hard at work on the score which was at last ready for the first performance, a broadcast on the BBC’s then-new Third Programme in May 1947. The public premiere took place the next day. Both performances were by the Blech Quartet. The first performance had been announced for the Wigmore Hall the previous February, but the Quartet was not ready in time.

The first movement has claim to be Walton’s most perfect and original sonata structure, exhibiting a cohesive variety of invention that is immensely resourceful. The cohesion is the clarity of the music, wholly exceptional in immediate post-Second World War art, yet containing a wide range of varied material that is nonetheless organic throughout. The ‘classical’ string-quartet genre caused Walton to adopt ‘classical’ forms, but in ways that are new. We have a double exposition of theme and counterpoint, of lyrical first and gritty second subjects, which is repeated; there then follows a third theme of much rhythmic flexibility, derived from the first and second subjects. The development faces classical precepts head on, nothing less than a four-part fugue on a theme derived from first and second subjects, which flows into a new development, a freer fantasia that modulates beautifully towards the recapitulation, where first and second subjects are compressed. The arrival of the third theme, largely omitted in the development, sets off an original ‘developmental recapitulation’ before the extended coda muses gently on the opening ideas, spaciously and gently arriving at A minor.

The Scherzo (Presto) is placed second, as in the First Symphony, and has a tensile brilliance in contrast to the preceding Allegro, but whose quicksilver ending almost catches us by surprise. The Lento is one of Walton’s finest slow movements—relaxed, yet powerful and hauntingly beautiful, bringing a new character to his instrumental writing. The finale is an outpouring of concentrated energy, reinforcing A minor after the balm of F major in the slow movement, and the Phrygian E (a variant of the classical dominant) of the Scherzo. Structurally it is a rondo which recalls elements from the earlier movements in its varied episodes, which are in turn engulfed in the headlong rush to the breathless final bars.

Robert Matthew-Walker © 1994

Les dix années qui s’écoulèrent entre 1899 (l’année des «Enigma» Variations) et 1919 (celle du Concerto pour violoncelle) furent les plus créatives et les plus importantes dans la vie d’Edward Elgar. Né en 1857 dans le Worcester, il fut considéré jusqu’en 1899 comme un simple compositeur de province et ne connut jusqu’à cette date qu’un succés national très mineur. Qui plus est, Edward Elgar était un autodidacte. «Enigma» marqua le tournant de sa carrière de compositeur. Cette œuvre fut en effet immédiatement reconnue comme un chef-d’œuvre dans le monde entier. En quelques années, Elgar se trouva projeté au devant de la scène musicale britannique, et qui plus est, vivement estimé aux États-Unis ainsi que dans toute l’Europe. The Dream of Gerontius (bien que première mondiale en Allemagne, elle n’y connut pas le succès), Cockaigne, mais surtout les Pomp and Circumstance marches furent des œuvres qui cimentèrent la renommée grandissante de l’artiste dont ses compositions touchaient désormais un très large public, allant du Roi au garçon boucher (ceci est surtout vrai en ce qui concerne Pomp and Circumstance).

La Grande Guerre marqua profondément le compositeur comme d’ailleurs tous les Européens. La musique qu’il composa pendant cette période reflète de manière unique la nature de sa muse, à la fois privée et publique. Au nombre de ses compositions, l’on compte d’une part, Polonia, Le drapeau belge et The Spirit of England, et d’autre part, trois grandes œuvres de musique de chambre: la Sonate pour violon et piano op. 82, le Quatuor à cordes op. 83 et le Quintette op. 84. Ces œuvres furent composées à la campagne, loin des affres de la guerre, dans un cottage retiré du Sussex où il amorça également I’écriture, en 1919, de son Concerto pour violoncelle.

La Sonate pour violon fut achevée en septembre 1918, et le Quatuor trois mois plus tard. Ces deux pièces ainsi que le Concerto pour violoncelle ont toutes été écrites en mi mineur. Le Quatuor op. 83 fut une pièce importante dans la carrière du compositeur. Elle devait en effet témoigner, seule, de la maturité de l’artiste dans ce genre musical. Il était donc crucial que l’œuvre soit complétée avec la plus grande rigueur. Dans toute sa carrière, Elgar ébaucha ou composa quatre quatuors à cordes, voire même peut-être cinq, dont l’op. 83 fut le dernier. Encore jeune homme, Elgar pose sur le papier, en 1878, deux ébauches de quatuors à cordes, I’un en ré mineur, I’autre en si bémol. Dix ans plus tard, il en compose un troisième, en ré majeur, dont il emprunte un mouvement en 1890 afin de servir de thème de base à I’une des Vêpres pour orgue, op. 14. Dans la liste complète des œuvres du compositeur, l’op. 8 est un quatuor à cordes et l’op. 9 une sonate pour violon. II ne reste malheureusement rien de ces deux pièces. Deux théories s’affrontent quant à la nature et l’origine du Quatuor op. 8. Certains musicologues affirment que le Quatuor à cordes op. 8 est en fait le Quatuor en ré majeur composé en 1888. D’autres suggèrent que c’est en fait une version différente de cette même œuvre. Nous savons, par contre, qu’Elgar était violoniste de formation et qu’il jouait alors souvent de la musique de chambre. Nous savons également qu’il conservait ses cahiers de notes et que, bien plus tard dans sa carrière, il y a puisé des thèmes musicaux pour ses futures œuvres. Étant donné que le Quatuor en mi mineur contient aussi des références à certaines œuvres plus anciennes, il est tout à fait possible que plusieurs de ses thèmes datent de cette même époque. Elgar puisa en effet dans certaines de ses œuvres les plus anciennes plusieurs thèmes que l’on retrouve dans les suites de The Wand of Youth ainsi que dans The Starlight Express. Il en fit de même, pour un ensemble de pièces très intéressantes mais inachevées qu’il composa au cours des dernières années de sa vie. Il est également pertinent de faire remarquer que le compositeur avait projeté de composer en 1905–7 une œuvre pour le Quatuor Adolf Brodsky et qu’il est possible qu’il ait déjà à cette époque fait les premières ébauches d’un quatuor à cordes. En dépit des divergences d’opinions qui entourent cette pièce, il n’en reste pas moins que le Quatuor en mi mineur est une des œuvres les plus importantes et les plus réussies qu’ait écrit Elgar. À la fois tournée vers le passé et le futur, cette pièce est I’œuvre d’un grand compositeur à I’apogée de sa carrière.

Si Elgar a dû se battre pendant de nombreuses années afin de faire reconnaître son talent, le succès de sa percée inspira de nombreux jeunes compositeurs anglais pour qui il était la preuve vivante que la musique anglaise pouvait atteindre une renommée mondiale. Né en 1879, Frank Bridge était comme Elgar un musicien d’archets accompli. II acheva en 1904 ses études de musique au Royal College of Music, dirigé alors par Stanford, et débuta une carrière confirmée de chef d’orchestre et d’interprète de musique de chambre. Mais Elgar doit sa jeune réputation de compositeur à la musique de chambre.

Au début du siècle, W. W. Cobbett (1847–1937), homme d’affaires passionné de musique de chambre, décida de créer et de subventionner une compétition de musique de chambre britannique. Il émit pourtant plusieurs restrictions. La première était que toutes les œuvres composées ne devaient comporter qu’un seul mouvement. La deuxième stipulait que les musiciens étaient libres de composer I’œuvre de leur choix, quelque soit le style, dès l’instant qu’elle en avait un. Il stipula également que le mot «Phantasy» devait apparaître dans l’intitulé de l’œuvre, et ce en référence aux «Fantasias» des compositeurs élisabéthains. Frank Bridge prit part à cette compétition en 1905 avec une pièce intitulée Phantasy String Quartet. Il ne sortit malheureusement pas vainqueur de cette compétition, mais remporta le premier prix en 1907 avec une seconde Fantaisie, un Trio. Bridge avait déjà en 1907 composé de nombreuses pièces pour quatuors à cordes. Outre son Phantasy Quartet, il avait en effet composé en 1901 un Scherzo Phantastick et un Quatuor à cordes en si bémol majeur, en 1903 trois Novelletten, en 1906 son Premier Quatuor à cordes en mi mineur intitulé «Bologna» en hommage à la ville qui porte ce nom où il remporta une compétition internationale, ainsi que Trois Idylles la même année.

Les Trois Idylles témoigne de la légèreté du style qui caractérisait les premières compositions de Bridge. Pourtant, cette œuvre présente de nombreuses qualités. Si la première pièce présente un charme immédiat, la deuxième, intitulée Allegretto poco lento, est pourtant la plus connue. En effet, un de ses élèves compositeurs, Benjamin Britten, I’utilisa comme thème principal pour ses Variations sur un Thème de Frank Bridge pour orchestre d’archets. Cette obsédante pièce est très proche des compositions de Delius dans ses émotions et sa sensibilité à demi exprimées: une œuvre qui rappelle également celles d’Elgar dans ses compositions les plus fantasques. La dernière Idylle s’ouvre sur une enlevée sur violoncelle, un «appel aux armes», à laquelle répondent les autres instruments pour s’acheminer vers un final recherché et saisissant.

Les Trois Idylles furent interprétées pour la première fois en mars 1907 par le Grimson Quartet au Bechstein Hall de Londres. Dix ans plus tard, en 1918, un jeune étudiant de l’Université d’Oxford, William Walton, alors âgé de 16 ans, ébauchait sa première œuvre importante, un Quatuor pour piano, qu’il acheva l’année suivante.

Walton quitta Oxford à la fin de l’année 1920 sans terminer ses études. Il devint au cours des 25 années qui suivirent une personnalité mondialement reconnue, et ce, grâce à seulement quelques œuvres pour orchestres et chœurs, chacune jouissant d’une égale renommée: I’ouverture Portsmouth Point, la Sinfonia Concertante pour piano et orchestre, les concertos pour viole et violon, Belshazzar’s Feast ainsi que la Première Symphonie. Au sacre du roi Georges VI et de la reine Elizabeth en 1937, la marche composée par Walton, Crown Imperial, fut tout aussi «publique» que celle d’Elgar. Pendant la deuxième guerre mondiale, Walton écrivit des musiques pour films et programmes radiodiffusés de sensibilité patriotique, faisant écho aux pièces écrites par Elgar une génération plus tôt. Comme Elgar, Walton se tourna aussi après la fin des hostilités vers le monde intérieur de la musique de chambre en composant son Quatuor à cordes en la mineur, achevé en 1947.

L’idée de ce quatuor naquit et s’épanouit dans l’esprit de Walton après 1939, date à laquelle la BBC lui commisionna cette pièce. À la fin de 1944, il travaillait à la partition. Le morceau fut achevé et diffusé pour la première fois sur la BBC en mai 1947. La première officielle de cette pièce eut lieu le jour suivant. Les deux représentations furent interprétées par le Blech Quartet. Bien que la première publique de cette œuvre avait été initialement programmée au Wigmore Hall en février de la même année, le Quatuor n’était alors pas prêt.

Le premier mouvement peut être considéré à juste titre comme la forme sonate la plus originale et la plus achevée qu’ait composé Walton, offrant en effet une diversité cohésive d’inventions qui témoigne de son extrême habilité en tant que compositeur. Le deuxième mouvement est comme dans la Première Symphonie un Scherzo (Presto). Celui-ci a un brillant et une force souple contrastant avec I’Allegro précédent, mais ces dénouements de vif-argent nous prennent souvent par surprise. Le Lento est un des mouvements lents les plus accomplis qu’ait écrit Walton: modéré, mais vigoureux et d’une beauté obsédante, il apporte une nouvelle lumière sur son talent de compositeur. Le finale est une effusion d’énergie canalisée qui renforce la tonalité en la mineur du mouvement, après la quiétude du fa majeur du mouvement lent et le mi phrygien (une variante de la dominante classique) du Scherzo. Sa structure est un rondo qui fait écho à certains éléments des mouvements précédents dans ses épisodes variés, épisodes qui sont tour à tour engloutis dans le mouvement vertigineux et précipité des dernières mesures fébriles.

Robert Matthew-Walker © 1994
Français: Béatrice Lesade

Die Jahre zwischen 1899 (dem Entstehungsjahr der Enigma-Variationen) und 1919 (dem des Cellokonzerts) waren die schöpferischsten und bedeutungsvollsten im Leben Edward Elgars. Bis zu jener Zeit hatte er in seinem Heimatland wenig Erfolg gehabt: er wurde 1857 in Worcester geboren und galt daher als provinzIerischer Komponist. Hinzu kam, daß er fast vollständig Autodidakt war. Aber „Enigma“ erwies sich als Wendepunkt. Es war sein erstes unbestrittenes Meisterwerk, und dies auf internationaler Ebene; innerhalb weniger Jahre befand Elgar sich an der Spitze der britischen Musikwelt und wurde in Europa und Amerika hoch eingeschätzt. Der Traum des Gerontius festigte sein wachsendes künstlerisches Ansehen (obwohl seine Welturaufführung in Deutschland kein Erfolg war), Cockaigne und andere Werke trugen ebenso dazu bei, aber die Pomp and Circumstance Märsche insbesondere wurden dem weitesten Publikum zugänglich und seine Musik wurde von allen Volksschichten geliebt.

Der Erste Weltkrieg hinterließ seine Spuren an Elgar wie an allen anderen Europäern. Während der Kriegsjahre zeigt seine Musik die öffenlichen und privaten Gesichter seines musikalischen Schöpfergeists wie nie zuvor—auf der einen Seite Polonia, Le drapeau belge und The Spirit of England, und auf der anderen die drei großen Werke der Kammermusik: die Violinsonate (op. 82), das Streichquartett (op. 83) und das Klavierquintett (op. 84)—die im ländlichen England, weitab vom Trubel der Welt in einem Landhaus in Sussex geschrieben wurden, wo Elgar auch im Jahre 1919 die Arbeit an seinem Cellokonzert begann.

Die Violinsonate wurde im September 1918 vollendet. Das Streichquartett ist drei Monate später datiert, und hat dieselbe Tonart, e-moll, welche später auch die des Cellokonzerts sein sollte. Dies war das einzige Streichquartett, das Elgar während seiner reiferen Jahre komponierte und er wußte, daß er sich diese Arbeit nicht leichtmachen durfte. Zu seinen Lebzeiten komponierte oder entwarf er vier, oder möglicherweise fünf, Streichquartette, von denen op. 83 das letzte war. Als junger Mann im Jahre 1878 skizzierte Elgar zwei Quartette, in d-moll und in B-dur. Zehn Jahre später komponierte er ein weiteres, und zwar in D-dur, und gebrauchte 1890 einen der Quartettsätze als Grundlage seines op. 14, der Vesper Voluntaries. In dem vom Komponisten angelegten Gesamtverzeichnis seiner Werke wird op. 8 als Streichquartett aufgeführt und op. 9 als Violinsonate, jedoch sind beide dieser Kompositionen zerstört worden. Zwar Könnte, das Quartett op. 8 das D-dur Werk von 1888 gewesen sein, doch ist es genauso gut möglich, daß es eine Neufassung desselben Stücks war. Auf jeden Fall war Elgar selbst Geiger und spielte während der Jahre seiner künstlerischen Entwicklung oft Kammermusik; auch wissen wir, daß er seine frühen musikalischen Skizzenbücher aufhob und sie oft in viel späteren Jahren als Material für neue Ideen gebrauchte. Da das Quartett in e-moll sich auch auf einige seiner frühen Werke bezieht, kann es gut sein, daß einige seiner Themen aus jener Zeit datieren: in den beiden Suiten The Wand of Youth und The Starlight Express hatte er frühes Material benutzt, und sollte dann das gleiche in der äußerst faszinierenden Gruppe unvollendet geblieberner Werke seiner letzten Lebensjahre tun. Hier ist es sinnvoll, anzuführen, daß Elgar in den Jahren 1905–7 ein Werk für das Adolf-Brodsky-Quartett geplant hatte und vielleicht Ideen dazu niedergeschrieben hatte. Das Vorhaben zu einern reifen Streichquartett war also nichts Neues. Wie auch immer es entstand, ist Elgars Quartett in e-moll eines seiner Meisterwerke. Es ist das Werk eines bedeutenden Komponisten auf der Höhe seiner Schaffenskraft, nimmt Abschied von der Vergangenheit und wendet sich gleichzeitig der Zukunft zu.

Wenn Elgar auch jahrzehntelang um Anerkennung kämpfte, so war der bleibende Erfolg seines schließlichen Durchbruchs eine Inspiration für jüngere englische Komponisten. Für sie war er der lebende Beweis, daß auch die englische Musik internationale Anerkennung finden konnte. Der 1879 in Brighton geborene Frank Bridge war, wie Elgar, ein vollendeter Streicher. Im Jahre 1904 hatte er sein Studium unter Stanford am Royal College of Music abgeschlossen und hatte begonnen, sich als hervorragender Kammermusiker und Dirigent einen Namen zu machen. Seinen frühen Ruf als Komponist jedoch verdankt Bridge seiner Kammermusik.

Um die Jahrhundertwende stiftete W.W.Cobbett (1847– 1937), ein von Kammermusik begeisterter erfolgreicher Geschäftsmann, einen Wettbewerb für britische Kammermusik. Er setzte fest, daß die Werke aus einem Satz bestehen sollten, doch daß die Komponisten schreiben sollten „was sie wollen—in jeder beliebigen Form—solange wie es eine Form ist“. Er machte weiterhin die Auflage, daß das Wort „Phantasy“ im Titel erscheinen sollte, im Anklang an die „Fantasias“ der Meister der Tudorzeit. Frank Bridge beteiligte sich 1905 mit dem Phantasy String Quartet an Cobbetts Wettbewerb. Es gewann keinen Preis, aber seine zweite Phantasy, ein Klaviertrio, wurde 1907 mit dem ersten Preis ausgezeichnet. In den voraufgehenden Jahren hatte Bridge viel für Streichquartett geschrieben. Neben dem Phantasy Quartet existieren ein früheres Scherzo Phantastick und ein Streichquartett in B-dur, beide aus dem Jahre 1901, drei Novelletten vom Jahre 1904, sein Erstes Streichquartett in e-moll, welches nach seinem Erfolg bei einem internationalen Wettbewerb in jener Stadt den Namen „Bologna“ davontrug, und die Drei Idyllen. Das e-moll Quartett und die Idyllen wurden beide im Jahre 1906 komponiert.

Die Drei Idyllen stellen den Inbegriff von Bridges frühem Salonstil dar, und doch sind sie mehr als nur Salonmusik. Die erste ist vielleicht die am unmittelbarsten ansprechende der Reihe, aber die zweite Allegretto poco lento ist die weitaus am besten bekannte, denn Bridges einziger Kompositionsschüler, Benjamin Britten, nahm sie als das Thema für seine 1937 entstandenen Variationen über ein Thema von Frank Bridge für Streichorchester. Diese eindringliche zweite Idylle grenzt manchmal in ihrer halbausgesprochenen Empfindsamkeit und Gefühlstiefe an Delius—sie ist eine Miniatur, die auch Elgar in seinen launenhaftigsten Momenten in Erinnerung ruft. Die letzte Idylle wird auf dem Cello mit einem tonalen Sprung nach oben eröffnet, einem „Schlachtruf“, welcher von den anderen Instrumenten beantwortet wird und zu einem großartigen und überzeugenden Abschluß führt.

Die Drei Idyllen hatten ihre Erstaufführung im März 1907 in der Bechsteinhalle in London, wo sie voin Grimson-Quartett gespielt wurden. Ein Jahrzelint später, im Jahre 1918, begann ein sechzehn Jahre alter Student an der Universität von Oxford namens William Walton sein erstes großangelegtes Werk, ein Klavierquartett, das er im folgenden Jahr vollendete. Für einen Sechzehnjährigen ist es eine erstaunliche Komposition.

Walton verließ Oxford am Ende des Jahres 1920 ohne zu graduieren. lm Laufe der nächsten 25 Jahre wurde er durch nur eine Handvoll von Werken für Orchester und Chor weltberümt. Jedes dieser Werke war gleichermaßen unverwechselbar: die Overtüre Portsmouth Point, die Sinfonia Concertante für Klavier und Orchester, Konzerte für Viola und Violine, Belshazzar’s Feast und die Erste Sinfonie. Bei der Krönung von König George VI. und Königin Elizabeth im Jahre 1937 war Waltons Crown Imperial Marsch „öffentliche“ Musik eines Typus, den wir von Elgars Pomp and Circumstance her kennen. Während des Zweiten Weltkriegs komponierte Walton Musik für patriotische Filme und Rundfunksendungen, die einen Nachhall zu Elgars eine Generation zuvor entstandenen Kriegskompositionen darstellten; und genau wie Elgar wandte sich Walton, sobald die Feindseligkeiten vorbei waren, der persönlichen Welt der Kammermusik zu, und zwar in seinem Streichquartett in a-moll, das 1947 vollendet wurde.

Die Idee zum Quartett in a-moll hatte in Walton seit 1939, dem Jahre, in dem die BBC es in Auftrag gab, gekeimt; am Ende des Jahres 1944 war er in die Arbeit an der Partitur vertieft, die endlich für die Erstaufführung in einer Sendung im damaligen Dritten Programm der BBC im Mai 1947 fertiggestellt wurde. Die öffentliche Premiere fand an folgenden Tage statt. Beide Aufführungen wurden vom Blech-Quartett gegeben. Eigentlich war die Erstaufführung schon im vorangegangenen Februar in der Wigmore Hall geplant worden, doch war das Quartett zu jener Zeit nicht dafür bereit gewesen.

Der erste Satz kann Anspruch darauf erheben, Waltons perfekteste und originalste Sonatenstruktur zu sein, da er eine eng miteinander verbundene Vielzahl äußerst einfallsreicher Erfindungen aufweist.

Das Scherzo (Presto) wurde, wie in der Ersten Sinfonie, auf den zweiten Platz gestellt und besitzt, im Gegensatz zum voraufgehenden Allegro, eine weitgespannte Brillianz, deren lebhafter Schluß uns fast überrascht. Das Lento ist einer von Waltons großartigsten langsamen Sätzen—entspannt und doch kraftvoll und eindringlich schön. Es verleiht seiner Instrumentalmusik einen ganz neuen Charakter. Das Finale ist ein Ausströmen von konzentrierter Energie. Nach dem wohltuenden F-dur des langsamen Satzes und dem phrygischen E (einer Variante der klassischen Dominante) des Scherzos wird im Finale a-moll wieder bestätigt. Strukturell ist es ein Rondo, welches in seinen verschiedenen Episoden Elemente aus früheren Sätzen wieder zurückruft. Diese Elemente wiederum werden fast verschlungen in dem überstürzten Drängen zu den atemlosen Schlußtakten.

Robert Matthew-Walker © 1994
Deutsch: Angelika Malbert

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